Expoziție Yoko it. Cel mai faimos artist necunoscut. Spectacole cheie ale lui Yoko Ono. Yoko Ono acum

– Care sunt primele tale impresii despre Moscova?

„Sunt incredibil de fericit să mă întorc aici. Am fost la Moscova de două ori, ultima dată la sfârșitul anilor 1990, dar nu mi-am adus niciodată munca. Deci această vizită este specială. Orașul face o impresie grozavă, toată lumea își cunoaște rolul în secolul XX și sunt sigur că rolul său în secolul XXI nu va fi mai puțin măreț. Recent am fost întrebat cu ce fel de muzică asociez Moscova. La început i-am răspuns că este cu muzica lui Schoenberg, dar reflectând am decis că este cu Şostakovici.

- Apropo de muzică. Ai lansat recent un album. Ai de gând să vii la noi cu un concert?

- Dacă există astfel de propuneri, voi veni. Dar, deși expoziția este suficientă, a durat prea mult până acolo. Au trecut aproape cinci ani de când a fost prezentat la New York.

- Judecând după expoziție, principalul subiect care te îngrijorează acum este violența și războiul. Crezi că un artist poate face față acestor probleme eterne?

– Acest proiect nu este în întregime despre război în sensul obișnuit. Este vorba despre două stări ale unei persoane: despre violența care este lângă tine, pe străzi și despre lumea de pe aceleași străzi apropiate. Dacă doriți, avem două industrii - industria păcii și industria războiului. Și fiecare trebuie să aleagă căruia să se alăture. Am decis să arăt această alegere prin ochii unui al treilea personaj - un gândac (ne uităm la străzile din New York prin ochii lui). La urma urmei, se crede că gândacii vor supraviețui chiar și după razboi nuclear. Indiferent cât de banal sună, este timpul ca oamenii pașnici să se unească.

- O astfel de percepție ascuțită a războiului are cumva legătură cu amintirile din copilărie?

- Desigur. Toată lumea știe că eu și familia mea ne-am ascuns într-un buncăr în timpul bombardamentului Japoniei. Apropo, John (Lennon. - „NI”) s-a născut în timpul bombardării germane a Liverpool.

– Arătați, sincer și șocant, scene de violență. Între timp, în Rusia, se discută acum în mod activ întrebarea dacă cenzura sau măcar autocenzura este necesară artistului...

– În primul rând, tot ceea ce face artistul, el face, urmărindu-și experiențele și gândurile. Și nimeni nu are dreptul să-i interzică să-și creeze operele. Cenzura este un lucru periculos. Este posibil, de exemplu, în toate modurile posibile să protejezi copiii de scene neplăcute, nu să le arăți realitatea. Dar când vor crește, se vor confrunta în continuare cu realitatea - iar șocul acesteia va fi și mai puternic și mai înfricoșător. În ceea ce privește instalația mea în mod specific, scenele de violență din ea sunt doar o parte a planului general. Aici, ca într-un film: o persoană trece prin șoc și război pentru a se apropia de nota finală, de ultimul punct al lucrării - de pace și liniște.

- Ultimul punct al expoziției tale, din câte am înțeles, este o hartă a lumii, unde fiecare poate pune un „sigiliu al păcii” pe țara sau orașul pe care și-ar dori să-l vadă pașnic. Ați observat că există multe foci în Rusia?

- Este destul de natural. La urma urmei, fiecare își dorește pacea la locul său.

– Permiteți-mi să vă întreb sincer, știți despre conflictele din Rusia? De exemplu, despre război cecen?

- Știu, dar nu sunt un politician, ci un artist. De exemplu, într-o parte a expoziției de la Moscova - și aceasta nu a fost la New York sau la Londra - am folosit căștile soldaților ruși din al Doilea Război Mondial. Deci există o „urmă rusească” aici.

- Cu faima ta mondială, simți că poți schimba ceva în lume?

– Gloria în sine nu valorează nimic, este un fenomen relativ. Am doar ocazia să vorbesc pe larg și deschis despre problemele care mă preocupă. Mult mai importantă este forța reprezentată de „majoritatea tăcută”. Iată alegerea lui.

- Organizatorii expoziției m-au rugat să nu vă întreb despre John Lennon și Beatles. Chiar ești inconfortabil cu aceste întrebări?

- Nu, cine ți-a spus asta? Dar se pare că am spus deja tot ce mi-am dorit despre asta. Și nu vreau să răspund la diverse prostii și ficțiune și adevăr.

Pe 31 mai, la Moscova s-a deschis o expoziție a unuia dintre fondatorii conceptualismului, Yoko Ono. Proiectul, numit Odyssey of a Cockroach, a ocupat un întreg etaj al unui magazin TSUM din Moscova, care încă nu a fost renovat. Capitala Rusiei a devenit al treilea teren de expoziție, după New York și Londra, pentru văduva lui John Lennon.

Yoko Ono din Rusia este mai bine cunoscută ca văduva lui John Lennon, iar faptul că este o artistă contemporană este amintit și în legătură cu celebrul muzician. Episodul, semnificativ pentru toți fanii trupei Beatles: Lennon sa întâlnit viitoarea soție la o expoziție de artă care prezintă una dintre lucrările ei. Dar cum rămâne cu lumea occidentală, care este mult mai bine informată despre arta conceptuală? Iosif Backshtein, curatorul expoziției Odyssey of the Cockroach, spune: „Ea este faimoasă, într-adevăr, John Lennon a numit-o „cea mai faimoasă artistă necunoscută”. Într-adevăr, ea a început foarte repede în anii 1960, a muncit mult, dar apoi, probabil, căsătoria ei cu John Lennon și moartea lui prematură i-au schimbat atitudinea față de ea. Aproximativ ea are soarta Nataliei Nikolaevna Goncharova. Munca ei a fost oprită, așa că, din păcate, nu a primit gradul de faimă pe care îl merită. De fapt, ea a făcut multe lucrări cheie în anii 60, acestea sunt filme și spectacole, acțiuni individuale. Prin urmare, ea este foarte artist interesant. Această expoziție este dovada asta. Expoziția are o atmosferă. Fără îndoială, este mai interesant decât aceeași expoziție, care a fost expusă înainte de Moscova. Este adaptat, desigur, la condițiile zonei expoziționale TSUM, iar Yoko Ono însăși consideră că este mai interesant decât ceea ce s-a arătat.”

Metaforele pacifistei consistente Yoko Ono sunt simple și inteligibile, precum limbajul unui afiș. Aici se află un coș de gunoi uriaș plin cu gips de fragmente de corpuri umane, iată capcane uriașe de șoareci în hol, ai căror pereți sunt acoperiți cu imagini cu un gard cu sârmă ghimpată. Legănându-se pe liniile de pescuit căști de soldat. Iată un citat auto-revelator din Goering. Răspândit pe mese Hărți geografice, iar oricine le poate pune o ștampilă de cerneală cu cuvintele „imaginați-vă lumea”. La capătul rătăcirii prin instalația sumbră, privitorul se găsește într-un coridor îngust și negru, la capătul căruia se află singurul punct de lumină îndreptat spre peisajul cu un curcubeu. Aceasta este întruchiparea literală a expresiei „luminii de la capătul tunelului”.

Să adăugăm la aceasta că obiectele individuale, cum ar fi un liliac pătat cu sânge fals sau o cizmă în același sânge, sunt excesiv de mărite. Deci, conform lui Yoko Ono, obiectele lumii noastre sunt percepute de gândaci, singurele creaturi care pot supraviețui după explozie atomică. Artistul se joacă cu pricepere cu scara. Expoziția ei este așa suprafata mare, iar exponatele individuale de aici sunt atât de interconectate încât există un sentiment: aceasta nu mai este o expoziție, ci decorul unui spectacol necunoscut sau al unui întreg muzeu dedicat unei teme. Cunoscutul critic de artă Mikhail Bode, care a vizitat expoziția, explică: „O expoziție modernă, o expoziție a unui artist contemporan necesită în general spații mari, formate mari. La fel de amuzant ca și ascultarea unui concert rock prin radio - cel puțin ai nevoie de difuzoare, dar cel mai bine este să fii chiar în sală, unde sună decibeli. Tot aici: spații mari – atât de decibeli necesari pentru a impresiona privitorul. Deci este normal, aceasta este regula. Cred că în tinerețea ei, la care Yoko Ono pare să se întoarcă în această expoziție, cu siguranță a avut un pic mai puțin spațiu, pentru că în timpul participării ei la grupul Fluxus, care înseamnă „actual”, până la urmă nu erau foarte mulți, ei bine, săli destul de mici, inclusiv săli de concerte, dar oricum era totul în dimensiuni mult mai mici. Și acum întreaga industrie expozițională funcționează, așa că este obișnuit să o arăți, este obișnuit.”

De fapt, se obișnuiește să tratezi gândacii cu dezgust. De ce a decis Yoko Ono să facă din această insectă personajul principal? Mikhail Bode notează, ca atare, că nu există gândaci la expoziție! „Este doar un nume, este o poziție. Yoko Ono consideră lumea noastră sângeroasă, cinică, fără suflet, imorală, inumană, în ultimă analiză. Și dacă îți dai seama, cum te poți uita lume inumană? Desigur, prin ochii unui non-uman, adică din punctul de vedere al vreunei insecte, cel puțin, de ce nu? Apropo, acest joc de cântare, care arată un ceas uriaș, un scaun uriaș și așa mai departe, toate acestea seamănă puțin cu opera artistului nostru Ilya Kabakov la Bienala anterioară de la Veneția, unde au fost instalate picioare mari în cizme. sala. La fel. A arătat acolo, parcă, noii Gulliver, care au venit în sălile artei moderne, și acolo este prea strâns pentru ei. Și publicul este atât de agitat... E la fel aici, aceeași tehnică ”, spune Mikhail Bode.

Pe 18 februarie, Yoko Ono împlinește 85 de ani. „Cea mai faimoasă artistă necunoscută” – John Lennon știa despre ce vorbea atunci când i-a oferit soției și muzei sale o astfel de caracteristică, făcând referire la faima numelui ei în publicul larg, combinată cu ignoranța lucrării ei. Între timp, Yoko Ono nu numai că a stat la originile artei conceptuale, dar a și reușit să-și lase amprenta în aproape toate domeniile culturii. Artist, muzician, regizor, luptător pentru pace - portalul Moscow 24 vorbește despre numeroasele roluri ale artistei și contribuția ei la arta contemporană.

Viitorul pionier al artei conceptuale și unul dintre fondatorii artei performance, Yoko Ono s-a născut la Tokyo într-o familie educată și artistică. Tatăl ei, pianist profesionist și bancher, a ocupat una dintre funcțiile de conducere la Bank of Japan. Trăind și lucrând în Statele Unite, el a introdus-o pentru prima dată pe Yoko în America, unde ea a trăit intermitent când era copil. Copil a două culturi diametral opuse, formate între Est și Vest, Yoko a absorbit viziunea despre lume și filozofia estică pentru a le insufla cu ajutorul artei sale pe pământul occidental.

Până la vârsta de douăzeci de ani, fata a fost educată acasă, iar în 1953 s-a mutat în State, unde a intrat la facultate și s-a cufundat în viața boemiei artistice. Curând, Yoko a renunțat la facultate, iar la 23 de ani, împotriva voinței părinților ei, s-a căsătorit cu un tânăr compozitor experimental, Toshi Ichiyanagi. În același timp, ea a început să se angajeze în arta conceptuală. În ciuda activității incredibile a fetei, a cunoștințelor ei cu artiști celebri de avangardă și a faptului că la evenimentele ei au participat cei mai importanți artiști și colecționari ai vremii, de la Marcel Duchamp la Peggy Guggenheim, lucrurile nu au mers atât de bine - în 1962 s-a întors la părinții ei în Japonia pentru a vindeca nervii după experimente artistice care nu au găsit înțelegere între telespectatori și critici. Yoko a fost urmată în Japonia de principalul ei fan - Anthony Cox, un muzician, producător de film și curator, care i-a devenit curând coleg, producător și, de asemenea, al doilea soț și tată al fiicei sale Kyoko.

Câțiva ani mai târziu, în 1966, artista l-a cunoscut pe John Lennon, care a venit la expoziția ei. Interesată de Beatle, Yoko Ono i-a căutat mult timp atenția, până când a primit-o în totalitate, devenind până la moarte tragică Lennon ca principalul său colaborator, muză și soție.

Odată cu această a treia căsătorie din viața lui Yoko Ono, a început un nou, cel mai ambițios capitol, îmbinând, pe de o parte, faima și atenția neobosită a presei, adesea combinate cu atacuri și ură, pe de altă parte, noi spectacole și expoziții, înregistrări de albume muzicale, neobosit și promovarea neîncetată a păcii, pentru care au militat activ alături de Lennon. Yoko Ono continuă să facă toate acestea astăzi cu aceeași energie și umor inepuizabile pe care chiar și tinerii le pot invidia. Și ne propunem să ne amintim cel mai mult activitati diferite această japoneză legendară - de la spectacole care au devenit clasice ale artei moderne până la lupta ei pentru pace.

Originea japoneză nu îl împiedică pe artist să fie o rudă îndepărtată (nede sânge) a lui Alexandru Sergheevici Pușkin - domnișoara rusă Anna Bubnova, care este descendentă a lui Yakov Hannibal, vărul poetului, căsătorită cu Shun'ichi Ono, fiul. a președintelui băncii industriale japoneze și viitor unchi Yoko Ono în 1918 și a plecat cu el în Japonia. Ulterior, mătușa Anna a oferit influență mare pe Yoko - fiul ei a murit în adolescență, femeia nu a mai putut avea copii și i-a dat toată dragostea nepoatei sale mici, dându-i lecții de desen și pian. În 2007, Yoko a adus un omagiu mătușii sale vizitând în mod anonim Muzeul Pușkin din patria ei, satul Bernovo, regiunea Tver.

spectacole

În fruntea artelor spectacolului, Yoko Ono a fost una dintre primele care au inclus spectatorul în acțiunile ei.. Limitarea rolului artistului în crearea unei opere de artă și transferarea parțială a puterilor sale către privitor - o astfel de idee era fundamental nouă și șocantă pentru arta de la mijlocul secolului al XX-lea, înainte de a fi folosită numai în muzică ("4" 33" de John Cage). Artista însăși a recunoscut că nu i-a fost atât de ușor, dar sarcina de a-și suprima ego-ul în numele dezvoltării ulterioare i s-a părut deosebit de importantă la acea vreme.

performanţă „Aprinde un chibrit și urmărește-l până se stinge”, a cărui esență se află în numele său, a avut loc pentru prima dată în 1955 și a devenit unul dintre primele spectacole documentate din istoria artei. În originile acestei acțiuni, nu este greu să discerneți contemplarea Orientului - originea artistei poate fi urmărită în multe dintre lucrările sale, cu toate acestea, „deschiderea” psihologică fundamentală a lui Yoko Ono îi permite să fie numită o persoană cu Psihologia occidentală.

„Voce pentru soprano” Ono a fost fondată în 1961. Spațiul de spectacol era alcătuit dintr-o încăpere goală pe care scria pe unul dintre pereți textul „Scream against the wind / strigă pe perete / strigă pe cer”. Privitorului i s-a cerut să țipe cu toată puterea, încălcând astfel regula principală a comportamentului muzeal. Reproducată în 2010 la Muzeul de Artă Modernă din New York, această lucrare s-a dovedit a fi „prea” zgomotoasă, scandaloasă, excesivă chiar și pentru lumea modernă- aducând haosul în lumea artei, „Voice for Soprano” a fost parțial redusă la inițiativa lucrătorilor muzeului.

Ca parte a piesei de performanță Bag din 1964, artistul a sugerat ca două persoane, dezbrăcate, să se ascundă într-o geantă uriașă întunecată și să petreacă acolo câteva minute, hotărând singure ce vor face exact acolo. Scopul artistului a fost să creeze într-un spațiu de întuneric total o situație în care rasa, genul, statut social iar starea materială a oamenilor ar înceta să mai conteze. Diferențele dintre oameni au fost șterse în interiorul pungii cu ajutorul întunericului și a vulnerabilității corpurilor goale. Oamenii ar putea fi oricine. Spațiul libertății - acesta a fost ceea ce Yoko Ono a oferit tuturor celor care au vrut să ia parte la spectacolul ei.

Poate cea mai faimoasă și de succes interpretare a lui Ono, „Cut a Piece”, a fost prezentată pentru prima dată în 1964 la Tokyo, în anul urmator repetat la New York, iar în 1966 la Londra. În timpul spectacolului, artista s-a așezat în genunchi în cea mai bună ținută, cu foarfecele în față. Publicul a fost invitat să i se alăture pe scenă și să-i taie bucăți din haine. Provocându-i spectatorului să intervină activ în spațiul ei personal, predându-se în tăcere și resemnat în puterea lui, chiar cu zece ani înainte de scandalosul „Ritm 0” de Marina Abramovici, devenit celebru, artista s-a sacrificat simbolic. Ea a repetat această performanță mulți ani mai târziu, în 2003 la Paris, dedicând-o datei de 11 septembrie 2001 și făcând-o un fel de apel la pace.

instalatii

„O poză de bătut în cuie” 1961 - una dintre așa-numitele instrucțiuni de lucru, în care privitorul a devenit coautor al lucrării în cursul respectării instrucțiunilor artistului. Lucrarea a constat dintr-o pânză și un ciocan întins pe ea, cu ajutorul cărora privitorul i s-a cerut să bată un cui într-un spațiu alb inițial pur și să-și înfășoare părul în jurul lui. Lucrarea a fost considerată terminată când spațiul pânzei a fost acoperit complet cu cuie. De asemenea, „Pictură pentru a păși” a devenit o operă de artă în procesul de acumulare a amprentelor de pantofi pe ea și „Imagine de fumat”- în procesul de ardere a pânzei cu țigări, pe care publicul a trebuit să le stingă pe ea. Prin munca ei, Yoko a postulat idee noua- o operă de artă nu trebuie să mai atârne pe perete și să fie în afara zonei de acces, a devenit o operă ca urmare a creativității colective, a acțiunii colective.

„White Chess” este o lucrare minimalistă, concepută și pentru a șterge diferențele dintre oameni, împărțirea artificială în alb-negru, câștigători și învinși, „bine” și „răi”. Era o tablă vopsită exclusiv în interior culoare albașah, în care spectatorul a fost invitat să joace. Tabla de șah era însoțită de instrucțiunea: „Joacă până îți amintești cine este adversarul tău și cine ești tu însuți”. Principala întrebare și problema la care spectatorul a fost rugat să se gândească a fost cum și unde să se miște atunci când adversarul tău nu se poate distinge de tine. Rădăcinile acestei idei se regăsesc și în filosofia orientală, conform căreia fiecare dintre noi face parte dintr-un întreg și suntem cu toții uniți. În această lucrare în mod inerent anti-război, Ono a încercat să-i determine pe oameni să privească dincolo de diviziunile artificiale pe care le plasăm unul în fața celuilalt.

„Pictură pe tavan / Pictură DA” 1966 - instalația, datorită căreia, conform uneia dintre legende, Yoko Ono l-a cunoscut pe John Lennon. O scară albă în centrul încăperii goale conducea privitorul la un cadru de sticlă fixat de tavan. O lupă atârna de un lanț lângă ea. Privind prin el la cadru, se putea distinge cuvântul „DA” scris pe o bucată de hârtie minusculă în spatele geamului. Acest „DA” a fost cel care l-a captivat pe Lennon - a fost atât de diferit de majoritatea lucrărilor conceptualiștilor, care erau implicați în principal în proteste, și nu în aprobarea nimicului.

În 2009, pentru contribuția sa la artă, Yoko Ono a primit cel mai înalt premiu al Bienalei de la Veneția - Leul de Aur.

Filme

Cursurile de artă nu au putut decât să o conducă pe Yoko Ono la cinematograf experimental - în a doua jumătate a anilor 1960, ea a creat o serie de scurtmetraje. Printre acestea se numără „Blink” și „Match” cu un singur cadru, care au durat câteva minute și au fost filmate cu o cameră specială la o viteză de 2000 de cadre pe secundă.

Una dintre cele mai filme celebre Yoko Ono din aceeași perioadă - „Nr. 4”. În timpul filmului, privitorul vede fesele oamenilor în mișcare unul după altul, iar coloana sonoră este interviuri cu aceștia și alte persoane, discutând dacă merită să joace în acest film și dacă spectatorul se va plictisi să-l vizioneze. Astfel, coloana sonoră a comentat simultan sentimentele pe care spectatorul le-a trăit în mod natural. Ca idee pentru lucrare, Yoko și-a numit subiectul preferat - distrugerea barierelor dintre oameni, de data aceasta prin demonstrarea celei mai neprotejate părți a corpului. Mai târziu, ea a numit filmul „ceva ca o petiție fără scop”, ironic și în același timp revoltător pentru societate.

Un film mai puțin ironic este Violul din 1969, în care o echipă de filmare urmărește o femeie pe care o întâlnesc într-un parc pe străzile orașului până la apartamentul ei. Ulterior, în timpul demonstrației, acest film a fost perceput de public ca fiind povestea lui Ono despre viața sub atenția constantă a presei.

Muzică

Yoko a primit primele lecții de muzică la vârsta de trei ani scoala de Muzica pentru copii supradotați, unde a studiat pianul, compoziția și literatura muzicală. Mai târziu, când s-a mutat la New York, celebrul compozitor de avangardă John Cage, care a susținut activ activitățile creative ale tânărului artist, a devenit mentorul ei.

Primele experimente pe scară largă ale lui Ono în muzică datează din vremea sa viata impreuna si creativitate cu John Lennon – incepand cu inregistrarea single-ului Give Peace a Chance in 1969, devenit imnul miscarii anti-razboi americane, au fondat Plastic Ono Band, care a lansat primul lor album in acelasi an. Primul album solo al lui Yoko Ono a fost lansat anul următor. Combinând muzica populară cu avangardă, din 1969 a lansat mai mult de două duzini de albume, a ajuns în fruntea topurilor de dans de mai multe ori (ocolind cântăreți precum Lady Gaga și Katy Perry), a câștigat două premii Grammy și a cântat în toată lumea.

Cărți

Cea mai faimoasă lucrare tipărită a lui Yoko Ono, The Grapefruit, este direct legată de cariera ei de artistă și este o colecție de instrucțiuni pentru a crea artă - la propriu sau în imaginația cititorului. Publicată în 1964 și recunoscută ca fiind unul dintre principalele exemple de artă conceptuală din prima jumătate a anilor '60, această carte conținea peste 150 de idei, împărțite în cinci secțiuni: muzică, pictură, eveniment, poezie și obiect. Cartea a trecut prin multe retipăriri și traduceri în alte limbi și a servit drept inspirație pentru cea mai faimoasă melodie a lui Lennon Imagine - multe dintre „instrucțiunile” cărții au început chiar cu acest cuvânt. De exemplu, un fragment despre un sandviș cu ton:

Imaginează-ți o mie de sori înăuntru
cerul în același timp.
Lasă-le să strălucească timp de o oră.
Apoi lăsați-le să se topească treptat
in cer.
Faceți un sandviș cu ton și mâncați-l.

Sau „fragment de nor”:

Imaginează-ți că norii cad.
Sapa o groapa in gradina ta si pune-le acolo.

Au existat, de asemenea, fragmente mai triste, cum ar fi „Fragmentul de ascunde și căutare”:

Ascunde-te până când toată lumea se duce acasă.
Ascunde-te până când toată lumea uită de tine.
Ascunde-te până când toți mor.

În 2013, a fost lansat un fel de continuare a „Grapefruit” - „Acorn”, care conține ilustrații concise, împreună cu instrucțiuni.

Luptă pentru pace

Începută prin implicarea privitorului în procesul de creare a operelor de artă, Yoko Ono și-a extins în curând activitățile la scară planetară, transformându-se într-un activist pentru pace și drepturile omului. un rol major în ea Opinii Politice jucat de faptul că în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, viitoarea artistă a locuit cu familia ei în Japonia. Ea însăși a recunoscut că existența militară pe jumătate înfometată, precum și (și mai presus de toate) atacurile asupra Hiroshima și Nagasaki, i-au făcut o impresie de neșters în copilărie.

Începând lupta pentru pace cu celebrele „interviuri în pat” pe care Ohno și Lennon le-au acordat timp de o săptămână chiar din pat imediat după nuntă (protesând în acest mod ciudat împotriva războiului din Vietnam), ei au continuat să-și transmită mesajul postând pe Ajunul Crăciunului 1969, în douăsprezece orașe, panouri publicitare din lume cu cuvintele „RĂZBOIUL S-A sfârșit! Dacă vrei. Crăciun fericit de la John și Yoko”.

În anii 1990, opera artistului a căpătat un caracter caritabil. În 1997, ea a organizat un concurs anual pentru muzicieni emergenti în memoria lui John Lennon și moștenirea sa creativă, iar în 2002, Grantul pentru pace Lennon-Ono, acordat la fiecare doi ani indivizi, organizații și țări întregi. În plus, ea a acționat în mod repetat ca organizatoare de concerte caritabile (pentru a ajuta victimele atacului terorist din 11 septembrie din New York, pentru a-i ajuta pe cei afectați de cutremur și tsunami din Japonia etc.).

Artistul susține organizatii de mediu- Fiind unul dintre inițiatorii coaliției Artists Against Fracking, ea se opune tehnologiei periculoase de extracție a gazelor de șist.

În 2014 în onoarea lui ziua internationala lume Yoko Ono a transferat ONU drepturile pentru cea mai de succes cântec comercial a lui Lennon Imagine, forțând astfel „cântecul lumii” să lucreze pentru valorile proclamate de creatorul său, nu numai ideologic, ci și material.

Dar calea principală a luptei lui Yoko Ono pentru pace rămâne postularea și diseminarea ideii posibilității și necesității unei coexistențe fără conflicte a oamenilor din întreaga lume. Postarea mesajelor dvs. artistice peste tot - de la retele socialeși panouri publicitare dintre cele mai multe marile orașe lume până la mass-media de top, ne învață în fiecare zi despre gândirea pozitivă și inspiră creativitate, încredere în sine și un viitor pașnic. „Crede în tine și vei schimba lumea”; „Râzi în timpul săptămânii”; „Surrender to the World” sunt mici spectacole pe care Yoko Ono ne invită pe fiecare dintre noi să le interpretăm chiar acum, fără întârziere. Astăzi, ca în fiecare zi, crede că fiecare dintre noi poate face din această lume un loc mai bun. Acesta este unul ideea principala, pe care „cel mai faimos artist necunoscut” îl aduce în lume de mai bine de jumătate de secol.

Liza Minaeva