Sculptura rusă și arta decorativă a secolului al XVII-lea. Cultura artistică rusă a secolelor al XVII-lea - XVIII Pictura rusă a artiștilor din secolul al XVII-lea
În istoria artei rusești, secolul al XVII-lea a fost o perioadă de luptă între două școli de pictură și formarea de noi genuri. biserică ortodoxă a avut încă un impact uriaș asupra vieții culturale umane. Artiștii au experimentat și unele restricții în activitățile lor.
pictura cu icoane
În timpul Evului Mediu târziu, centrul de concentrare în Rusia a artiștilor și artizanilor a fost Kremlinul, sau mai degrabă Armeria. Acolo au lucrat cei mai buni maeștri de arhitectură, pictură și alte tipuri de creativitate.
În ciuda dezvoltării rapide a artei în întreaga Europă, pictura în Rusia în secolul al XVII-lea avea un singur gen - pictura cu icoane. Artiștii au fost nevoiți să creeze sub supravegherea vigilentă a bisericii, care s-a opus cu fermitate oricărei inovații. Pictura icoanelor ruse s-a format sub influența tradițiilor picturii din Bizanț și până atunci formase clar canoane.
Pictura, ca și cultura în Rusia în secolul al XVII-lea, a fost destul de autonomă și s-a dezvoltat foarte lent. Cu toate acestea, un eveniment a dus la o reformare completă a genului picturii cu icoane. Într-un incendiu din 1547 la Moscova, multe icoane antice au ars. Era necesar să se restaureze cele pierdute. Și în acest proces, principala piatră de poticnire a fost disputa cu privire la natura fețelor sfinților. Părerile erau împărțite, adepții vechilor tradiții credeau că imaginile trebuie să rămână simbolice. În timp ce artiștii cu vederi mai moderne erau în favoarea acordării de mai mult realism sfinților și martirilor.
Împărțit în două școli
Drept urmare, pictura în Rusia în secolul al XVII-lea a fost împărțită în două tabere. Primul a inclus reprezentanți ai școlii „Godunov” (în numele lui Boris Godunov). Au căutat să reînvie tradițiile picturii de icoane ale lui Andrei Rublev și ale altor maeștri medievali.
Acești maeștri lucrau la ordinele curții regale și reprezentau latura oficială a artei. trasaturi caracteristice pentru această școală existau chipuri canonice de sfinți, imagini simplificate ale unei mulțimi de oameni sub formă de multe capete, tonuri aurii, roșii și albastru-verde. În același timp, se pot observa încercările artiștilor de a transmite materialitatea unor obiecte. Școala Godunov este cel mai bine cunoscută pentru picturile sale murale din camerele Kremlinului, în Catedrala Smolensky, Catedrala Trinității.
Școala adversă era „Stroganov”. Numele este asociat cu comercianții Stroganovs, pentru care s-au făcut majoritatea comenzilor și care au acționat ca „sponsori” în dezvoltarea picturii în Rusia în secolul al XVII-lea. Datorită maeștrilor din această școală a început dezvoltarea rapidă a artei. Ei au fost primii care au făcut icoane în miniatură pentru rugăciunile de acasă. Acest lucru a contribuit la răspândirea lor în rândul cetățenilor de rând.
Maeștrii Stroganov au depășit din ce în ce mai mult canoanele bisericești și au început să fie atenți la detaliile mediului, la înfățișarea sfinților. Și astfel peisajul a început încet să se dezvolte. Icoanele lor erau colorate și decorative, iar interpretarea personajelor biblice era mai aproape de imaginile oamenilor reali. Cele mai faimoase dintre lucrările care au supraviețuit sunt icoanele „Nikita Războinicul”, „Ioan Botezătorul”.
fresce din Iaroslavl
Un monument unic în istoria picturii secolului al XVII-lea în Rusia sunt frescele din Biserica Profetului Ilie din Yaroslavl, la care au lucrat artiștii din Armeria. O caracteristică a acestor fresce sunt scene din viața reală care prevalează povestiri biblice. De exemplu, în scena cu vindecare, partea principală a compoziției este ocupată de imaginea țăranilor în timpul recoltei. A fost prima imagine monumentală din genul domestic.
Printre aceste fresce se pot găsi scene fabuloase și mitologice. Ei uimesc prin culorile lor strălucitoare și arhitectura complexă.
Simon Uşakov
În fiecare etapă a dezvoltării culturale a țării apar persoane semnificative. Persoana care a promovat pictura în Rusia în secolul al XVII-lea într-o nouă direcție și a contribuit la eliberarea ei parțială de ideologia religioasă a fost Simon Ushakov.
Nu a fost doar un pictor de curte, ci și un om de știință, profesor, teolog, un om cu vederi largi. Simon a fost fascinat de arta occidentală. În special, el era interesat de reprezentarea realistă a feței umane. Acest lucru se vede clar în lucrarea sa „Mântuitorul nu este făcut de mâini”.
Ushakov a fost un inovator. A fost primul artist rus care a folosit vopsea în ulei. Datorită lui, arta gravurii pe cupru a început să se dezvolte. Fiind artistul-șef al Armeriei timp de treizeci de ani, a scris multe icoane, gravuri, precum și mai multe tratate. Printre acestea se numără „Un cuvânt către un iubitor de pictură cu icoane”, în care și-a conturat gândurile pe care artistul ar trebui să le arate, ca o oglindă, cu adevărat. lumea. El a urmat acest lucru în scrierile sale și le-a predat studenților săi. În însemnările sale există referiri la un atlas anatomic, pe care a vrut să-l scrie și să-l ilustreze cu gravuri. Dar, se pare, nu a fost publicat sau nu a fost păstrat. Principalul merit al maestrului este că a pus bazele portretului secolului al XVII-lea în Rusia.
Parsuna
După transformări semnificative în pictura icoanelor, genul portretului a început să prindă contur. La început, a fost realizată în stilul picturii icoanelor și a fost numită „parsuna” (din latină - persoană, personalitate). Artiștii lucrează din ce în ce mai mult cu natura vie, iar parohii devin din ce în ce mai realiști, fețele de pe ei capătă volum.
În acest stil au fost pictate portretele lui Boris Godunov, țarii Alexei Mihailovici, Fyodor Alekseevici, țarina Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova.
Se știe că la curte au lucrat și artiști străini. De asemenea, au contribuit foarte mult la evoluția picturii rusești.
grafica de carte
Imprimarea a ajuns și pe ținuturile rusești destul de târziu. Cu toate acestea, în paralel cu dezvoltarea sa, gravurile, care au fost folosite ca ilustrații, au câștigat și ele popularitate. Imaginile erau atât de natură religioasă, cât și domestică. Miniatura cărții din acea perioadă se remarcă prin ornamentație complexă, litere decorative, precum și imagini portret. Maeștrii școlii Stroganov au avut o mare contribuție la dezvoltarea miniaturii cărților.
Pictura din Rusia în secolul al XVII-lea s-a transformat dintr-un aspect extrem de spiritual într-unul mai laic și mai apropiat de oameni. În ciuda opoziției liderilor bisericești, artiștii și-au apărat dreptul de a crea în genul realismului.
În secolul al XVII-lea începe formarea pieței integral rusești. Cu dezvoltarea meșteșugurilor și comerțului, creșterea orașelor, pătrunderea în cultura rusă și răspândirea pe scară largă a elementelor seculare în ea sunt legate. Acest proces a fost numit în literatura de specialitate „secularizarea” culturii (de la cuvântul „lumesc” – laic).
Principalele tendințe ale culturii secolului al XVII-lea.
Secularizării culturii ruse s-a opus bisericii, care vedea în ea o influență occidentală, „latină”. Conducătorii moscoviți din secolul al XVII-lea, căutând să limiteze influența Occidentului în persoana străinilor sosiți la Moscova, i-au forțat să se stabilească departe de moscoviți - în așezarea germană special desemnată pentru ei (acum zona de strada Baumanskaya). Cu toate acestea, noi idei și obiceiuri au pătruns în viața stabilită a Rusiei moscovite. Țara avea nevoie de oameni cunoscători, educați, care să se angajeze în diplomație, să înțeleagă inovațiile afacerilor militare, tehnologiei, producției etc. Reunificarea Ucrainei cu Rusia a contribuit la extinderea legăturilor politice și culturale cu țările din Europa de Vest.
În a doua jumătate a secolului al XVII-lea. au fost înfiinţate mai multe şcoli publice. A existat o școală de pregătire a angajaților pentru instituțiile centrale, pentru Tipografie, Ordinul Farmaceutic etc. Tipografia a făcut posibilă editarea manualelor uniforme de predare a alfabetizării și aritmeticii în tiraj de masă. Interesul poporului rus pentru alfabetizare este evidențiat de vânzarea la Moscova (1651) în cursul unei zile a Primerului lui VF Burtsev, publicat în 2.400 de exemplare. Au fost publicate „Gramatica” (1648) și tabla înmulțirii (1682) a lui Meletius Smotrytsky.
În 1687, la Moscova a fost înființată prima instituție de învățământ superior - Academia slavo-greco-latină, unde predau „de la gramatică, retorică, piitika, dialectică, filozofie... până la teologie”. Academia a fost condusă de frații Sofrony și Ioanniky Likhud, oameni de știință greci care au absolvit Universitatea din Padova (Italia). Aici au fost instruiți preoți și funcționari. La această academie a studiat și MV Lomonosov.
În secolul al XVII-lea, ca și înainte, a existat un proces de acumulare de cunoștințe. S-au obținut mari succese în domeniul medicinei, în rezolvarea problemelor practice de matematică (mulți au fost capabili să măsoare cu mare precizie arii, distanțe, corpuri libere etc.), în observarea naturii.
Exploratorii ruși au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea cunoștințelor geografice. În 1648, expediția lui Semyon Dezhnev (80 de ani înaintea lui Vitus Bering) a ajuns în strâmtoarea dintre Asia și America de Nord. Cel mai estic punct al țării noastre poartă acum numele Dejnev. E. P. Khabarov în 1649 a alcătuit o hartă și a studiat ținuturile de-a lungul Amurului, unde au fost fondate așezări rusești. Orașul Khabarovsk și satul Erofey Pavlovich îi poartă numele. La sfârșitul secolului al XVII-lea. Cazacul siberian VV Atlasov a explorat Kamchatka și Insulele Kurile.
Literatură
În secolul al XVII-lea au fost create ultimele compoziţii analistice oficiale. Noul cronicar (anii 30) a povestit evenimentele de la moartea lui Ivan cel Groaznic până la sfârșitul Epocii Necazurilor. A dovedit drepturile noii dinastii Romanov la tronul regal.
Locul central în literatura istorică l-au ocupat romanele istorice, care aveau un caracter jurnalistic. De exemplu, un grup de astfel de povești („Timpul diaconului Ivan Timofeev”, „Povestea lui Avraamy Palitsyn”, „O altă poveste”, etc.) a fost un răspuns la evenimentele din timpul necazurilor de la începutul lui. secolul al XVII-lea.
Pătrunderea principiilor seculare în literatură este asociată cu apariția în secolul al XVII-lea. un gen de poveste satirică, în care acționează personaje deja fictive. „Serviciul tavernei”, „Povestea puiului și vulpei”, „Petiția Kalyazinsky” conținea o parodie a slujbă, lăcomia și beția călugărilor au fost ridiculizate, în „Povestea lui Ersh Ershovich” - birocrație judiciară și mită. Noile genuri au fost memoriile („Viața arhipretului Avvakum”) și versurile de dragoste (Simeon din Polotsk).
Reunificarea Ucrainei cu Rusia a dat impuls creării primei lucrări tipărite rusești de istorie. Călugărul de la Kiev Innocent Gizel a alcătuit un „Sinopsis” (recenzie), care, într-o formă populară, conținea o poveste despre istoria comună a Ucrainei și Rusiei, care a început odată cu formarea Rusiei Kievene. În secolul XVII - prima jumătate a secolului XVIII. „Sinopsis” a fost folosit ca manual de istorie rusă.
Teatru
Un teatru de curte a fost creat la Moscova (1672), care a durat doar patru ani. A prezentat actori germani. Rolurile masculine și feminine au fost jucate de bărbați. Repertoriul teatrului cuprindea piese bazate pe subiecte biblice și legendare-istorice. Teatrul de curte nu a lăsat nicio urmă notabilă în cultura rusă.
În orașele și satele rusești, încă de pe vremea Rusiei Kievene, s-a răspândit un teatru rătăcitor - teatrul bufonilor și Petrushka ( personaj principal spectacole de păpuși populare). Autoritățile guvernamentale și bisericești au persecutat bufoneria pentru umorul lor vesel și îndrăzneț, dezvăluind viciile celor de la putere.
Arhitectură
Clădiri arhitecturale din secolul al XVII-lea. sunt de o mare frumusete. Ele sunt asimetrice atât în cadrul unei singure clădiri, cât și într-un ansamblu. Totuși, în această aparentă dezordine a volumelor arhitecturale există atât integritate, cât și unitate. Clădiri din secolul al XVII-lea multicolor, decorativ. Arhitecților le plăcea în special să decoreze ferestrele clădirilor cu benzi complicate, spre deosebire de celelalte. Răspândită în secolul al XVII-lea. a primit „plăci solare” multicolore - plăci și decorațiuni din piatră sculptată și cărămidă. O astfel de abundență de decorațiuni situate pe pereții unei clădiri a fost numită un model de piatră, un model minunat.
Aceste trăsături sunt bine urmărite în Palatul Terem al țarului Alexei Mihailovici din Kremlin, în camerele de piatră ale boierilor din secolul al XVII-lea din Moscova, Pskov, Kostroma care au ajuns până la noi, în Mănăstirea Noului Ierusalim, construită lângă Moscova de către Patriarhul Nikon. Faimoasele temple din Yaroslavl sunt aproape de ele ca stil - biserica profetului Ilie și ansamblurile din Korovniki și Tolchkovo. Ca exemplu al celor mai faimoase clădiri din Moscova secolului al XVII-lea. puteți numi Biserica Sf. Nicolae din Khamovniki (lângă stația de metrou Park Kultury), Biserica Nașterea Maicii Domnului din Putinki (nu departe de Piața Pușkinskaya), Biserica Treimii din Nikitniki (lângă metroul Kitai-Gorod). statie).
Începutul decorativ, care a marcat secularizarea artei, s-a reflectat și în construirea sau reconstrucția fortificațiilor. Până la jumătatea secolului, cetățile își pierduseră semnificația militară, iar acoperișurile în cochilii, mai întâi pe Spasskaya și apoi pe alte turnuri ale Kremlinului din Moscova, au făcut loc unor corturi magnifice care subliniau grandoarea calmă și puterea solemnă a inimii lui. capitala Rusiei.
La Rostov cel Mare, sub forma unui Kremlin, a fost construită reședința dishonorului, dar puternicului mitropolit Iona. Acest Kremlin nu era o fortăreață, iar zidurile sale erau pur decorative. Cu detalii decorative au fost și zidurile marilor mănăstiri rusești ridicate în urma intervenției polono-lituano-suedeze (Mănăstirea Treime-Serghie, Mănăstirea Spaso-Efimiev din Suzdal, Mănăstirea Kirillo-Belozersky de lângă Vologda, mănăstiri din Moscova), după moda generală. .
Dezvoltarea arhitecturii rusești antice din piatră s-a încheiat cu plierea stilului, care a fost numit Naryshkin (după numele principalilor clienți) sau baroc Moscova. În acest stil au fost construite biserici de poartă, trapeza și turnul clopotniță al Mănăstirii Novodevichy, Biserica Mijlocirii din Fili, biserici și palate din Sergiev Posad, Nijni Novgorod, Zvenigorod și altele.
Barocul Moscovei se caracterizează printr-o combinație de roșu și flori albeîn decorarea clădirilor. Numărul de etaje ale clădirilor, utilizarea coloanelor, capitelurilor etc. ca ornamente decorative sunt clar urmărite. de maeștri italieni la decorarea Catedralei Arhanghel din Kremlinul din Moscova. Apariția barocului de la Moscova, care avea trăsături comune cu arhitectura Occidentului, a mărturisit că arhitectura rusă, în ciuda originalității sale, s-a dezvoltat în cadrul unei culturi europene comune.
În secolul al XVII-lea, arhitectura din lemn a înflorit. „A opta minune a lumii” a fost numită de contemporani celebrul palat al lui Alexei Mihailovici din satul Kolomenskoye de lângă Moscova. Acest palat avea 270 de camere și aproximativ 3 mii de ferestre și ferestre. A fost construită de meșterii ruși Semyon Petrov și Ivan Mihailov și a existat până la jumătatea secolului al XVIII-lea, când a fost demontată sub Ecaterina a II-a din cauza deteriorării.
Pictura
Secularizarea artei s-a manifestat cu o forță deosebită în pictura rusă. Cel mai mare artist al secolului al XVII-lea a fost Simon Ushakov. În cunoscuta sa icoană „Mântuitorul nu este făcut de mâini”, sunt vizibile în mod clar noi trăsături realiste ale picturii: tridimensionalitate în reprezentarea feței, elemente de perspectivă directă.
Tendința către o reprezentare realistă a unei persoane și secularizarea picturii icoanelor, caracteristică școlii lui S. Ushakov, este strâns legată de răspândirea în Rusia a portretului - o parsuna (persoană), care înfățișează personaje reale, de exemplu, țarul. Fiodor Ivanovici, M. V. Skopin-Shuisky și alții.Cu toate acestea, tehnica artiștilor era încă asemănătoare picturii cu icoane, adică au scris pe plăci cu vopsele de ouă. La sfârşitul secolului al XVII-lea. au apărut primele parsune, pictate în ulei pe pânză, anticipând perioada de glorie a portretului rusesc în secolul al XVIII-lea.
Concluzii asupra culturii secolului al XVII-lea.
Secolul al XVII-lea este una dintre cele mai dificile și controversate perioade din istoria medievală a Rusiei. Nu e de mirare că a fost numit „răzvrătit” – a explodat cu revolte „Cupru” și „Sare”. Nemulțumirea populară a dus la revolte conduse de Ivan Bolotnikov și Stepan Razin. Este, de asemenea, o perioadă de mari schimbări în biserica rusă. Reformele Patriarhului Nikon au dus mai întâi la o controversă teologică, iar apoi la o schismă în biserică, care a zguduit viața spirituală a societății rusești antice târziu.
În același timp, în legătură cu schimbările din sfera economică, odată cu apariția fabricilor, are loc o anumită apropiere de Europa de Vest, are loc o prăbușire decisivă a viziunii sociale tradiționale asupra lumii. Dorința de știință, interesul pentru literatură pentru subiecte reale, creșterea jurnalismului secular, încălcarea canoanelor iconografice în pictură, convergența arhitecturii culte și civile, dragostea pentru decor, pentru policromia în arhitectură și în toate artele plastice - toate acestea indică un proces rapid de secularizare a culturii din secolul al XVII-lea. În lupta dintre vechi și nou, în contradicții, se naște arta timpului nou. Secolul al XVII-lea încheie istoria artei antice rusești și deschide, de asemenea, calea către o nouă cultură seculară.
Construcția activă începe imediat după expulzarea intervenționștilor, din anii 1920. În arhitectura acestui secol pot fi urmărite trei etape: în primul sfert al secolului al XVII-lea. sau chiar în primii 30 de ani are încă o legătură puternică cu tradițiile secolului al XVI-lea; mijlocul secolului - anii 40-80 - căutarea unui nou stil care să corespundă spiritului vremurilor, și perioada de glorie a acestuia; sfârșitul secolului - o îndepărtare de la vechile tehnici și aprobarea altora noi, indicând nașterea arhitecturii așa-zisului timp nou.
Clădirile bisericești de la începutul secolului diferă puțin de templele din secolul al XVI-lea. Astfel, Biserica Mijlocirii din satul regal Rubtsovo (1619-1625), ridicată în cinstea eliberării Moscovei de sub polonezi, capătul „necazurilor”, este o biserică fără stâlpi acoperită cu boltă închisă, în înfăţişarea sa interioară şi exterioară apropiată de bisericile din vremea lui Godunov. Clădirea se află la subsol, înconjurată de o galerie cu două niveluri, are două coridoare, trei niveluri de kokoshniks merg de la volumul principal la cupola mică. Construcția cortului continuă. Se construiește o biserică în Medvedkovo (moșia prințului D. Pozharsky, 1623, acum Moscova), biserica „Minunată” din Uglich. Cortul s-a ridicat și deasupra Turnului Spassky al Kremlinului când, în 1628, zidurile și turnurile acestuia, care fuseseră deteriorate în timpul intervenției, au început să fie restaurate (alte turnuri au fost finalizate abia 60 de ani mai târziu). În anii 1930, a fost construită cea mai mare clădire seculară de pe teritoriul Kremlinului din Moscova, Palatul Terem (1635–1636, arhitecții Bazhen Ogurtsov, Antip Konstantinov, Trefil Sharutin și Larion Ushakov; ulterior a fost remodelat de mai multe ori). Palatul a fost construit la subsolul secolului al XVI-lea, are o ambuscadă superioară, un „mansardă”-teremok și un acoperiș aurit. Palatul Terem, creat pentru copiii regali, cu toate spațiile sale rezidențiale și de servicii „multi-volume”, decorul multicolor (ornamentul „iarbă” al exteriorului sculptat pe piatră albă și cel mai bogat tablou de Simon Ushakov în interior) semănau cu vile de lemn.
În anii 40 a luat contur un tipic pentru secolul al XVII-lea. stil - cu o grupare pitorească, asimetrică a maselor. Formele arhitecturale devin mai complexe, structura clădirii este greu de citit prin decorul care acoperă întregul perete, cel mai adesea policromat. Arhitectura cort-acoperiș, verticalismul volumului său integral își pierde treptat sensul, deoarece apar biserici în care sunt două, trei, uneori cinci corturi de aceeași înălțime, ca în Biserica Nașterea Maicii Domnului din Putinki în Moscova (1649–1652): trei corturi ale volumului principal, unul deasupra culoarului și unul deasupra clopotniței. În plus, corturile sunt acum surde, pur decorative. De acum încolo, în scrisorile patriarhale pentru zidirea bisericii, apare tot mai des sintagma: „Și ca să nu fie cort vârful de pe acea biserică”. Cu toate acestea, după cum am menționat deja, corturile au rămas una dintre formele preferate și în orașe s-au păstrat în principal pe clopotnițe, pridvoruri, porți, iar în mediul rural bisericile de cort au fost construite în secolele al XVII-lea și chiar al XVIII-lea. De asemenea, remarcăm că în Catedrala Învierii Mănăstirii Noului Ierusalim din Istra, lângă Moscova, construită în anii 50–60 de Patriarhul Nikon, care pare să repete templul din Ierusalim, volumul vestic al clădirii (rotonda) se termină cu un cort. . Un anumit tip de templu se întinde - fără stâlpi, de obicei cu cinci cupole, cu tobe laterale decorative (doar cea centrală este iluminată), cu o asimetrie accentuată a compoziției generale datorită capelelor laterale de diferite dimensiuni, trapezei, pridvorurilor și o clopotniță cu șolduri. Un exemplu este Biserica Treimii din Nikitniki (1631-1634, altă dată 1628-1653), construită de cel mai bogat negustor din Moscova Nikitnikov și care amintește de construcția conacului cu formele sale capricioase și decorative multicolore (cărămidă roșie, sculptură în piatră albă, verde). cupole cu gresie, faianta glazurata). Bogăția decorului arhitectural este deosebit de caracteristică lui Yaroslavl. Fondată în secolul al XI-lea. Iaroslav cel Înțelept, acest oraș a experimentat ceva ca o „epocă de aur” în artă în secolul al XVII-lea. Incendiul din 1658, care a distrus aproximativ trei duzini de biserici, trei manastiri si peste o mie de case, a provocat constructii intensive in a doua jumatate a sec. Aici se construiesc biserici mari cu cinci cupole, înconjurate de pridvoruri, culouri, culouri și pridvoruri, cu o clopotniță în șold obligatorie, uneori corturi și culouri (de exemplu, Biserica Profetului Ilie, construită pe cheltuiala negustorilor Skripin). , 1647–1650), mereu în perfectă armonie cu peisajul (biserica Sfântul Ioan Gură de Aur din Korovniki, 1649–1654, unele completări au fost făcute în anii 80, clopotnița sa în șold are 38 m înălțime, cu decor decorativ multicolor. din plăci smălțuite; Biserica Ioan Botezătorul din Tolchkovo, 1671–1687, al cărei volum principal cu cinci cupole este completat cu 10 capitole două coridoare, toate acestea împreună formează o siluetă spectaculoasă cu 15 cupole). Ierarhii bisericești nu rămân indiferenți față de bogăția decorativă a arhitecturii de atunci. Mitropolitul Iona Sysoevici își construiește reședința la Rostov cel Mare pe malul lacului Nero (camerele mitropolitului și Biserica Casei), numită de obicei Kremlinul Rostov (anii 70-80 ai secolului al XVII-lea), pe scară largă. Splendoarea turnurilor, galeriilor, pridvorurilor, porților nu este inferioară splendorii clădirilor bisericești actuale, iar arhitectura religioasă și civilă, parcă, concurează în festivitatea imaginii. Și cum altfel, dacă nu victoria începutului secular, se poate numi arhitectura Turnului Porții al Complexului Mitropolitan Krutitsy din Moscova (1681–1693, o altă dată este 1694), a cărui întreagă fațadă este decorată cu multi- gresie colorata?! A fost construit de O. Startsev și L. Kovalev.
În ultimele decenii, sau mai degrabă chiar în anii 90 ai secolului al XVII-lea, în arhitectura rusă a apărut un nou stil, o nouă direcție, care se numește condiționat „Moscova” sau „Baroc Naryshkin”, se pare că majoritatea templelor acestui stil au fost construit la Moscova din ordinul nobililor boieri Naryshkin, mai ales fratele reginei, Lev Kirillovich. Centricitatea și gradul, simetria și echilibrul maselor, cunoscute separat și mai devreme, s-au dezvoltat în acest stil într-un anumit sistem - destul de original, dar, având în vedere detaliile de ordine aplicate, apropiate (în designul exterior) de stilul baroc european. În orice caz, acesta este numele care a fost atribuit arhitecturii acestei direcții (deși nu este Moscova, deoarece s-a răspândit în afara Moscovei, și nu Naryshkin - aceasta este și mai restrânsă). Unii cercetători, precum B. R. Vipper, consideră că este ilegală folosirea termenului „baroc” în general, deoarece acesta „nu este un punct de cotitură în viziunea asupra lumii, ci o schimbare a gusturilor, nu apariția de noi principii, ci îmbogățirea tehnici.” Arhitectura „barocului Naryshkin” este doar „un intermediar între ideile artistice vechi și noi”, un fel de „vestitor al începutului romantic în noua artă rusă. Dar, în același timp, este destul de evident că îi lipsea curajul, radicalismul, inovația autentică „să fie numită un stil (vezi despre asta: Vipper B.R. Arhitectura Barocă Rusă. M., 1978. S. 17–18, 38–39). ). Exemple tipice de „baroc Naryshkin” sunt bisericile din moșiile nobilimii de lângă Moscova. Este vorba de clădiri etajate (octaguri sau patrulatere octogonale, cunoscute de mult timp) la subsol, cu galerii. Ultimul octogon din fața tobei de cap este folosit ca turn clopotniță, de unde și numele acestui gen de biserici „biserici sub clopote”. Aici, într-o formă modificată, arhitectura rusă din lemn s-a făcut simțită în deplină măsură prin centralitatea și piramidalitatea ei pronunțată, cu un echilibru calm al maselor și o potrivire organică în peisajul din jur. Cel mai izbitor exemplu al „barocului Moscovei” este Biserica Mijlocirii din Fili (1693–1695), biserica moșie a lui L.K. Naryshkin („un basm ușor de dantelă”, conform lui I.E. Grabar), verticalismul siluetei elegante, ajurate, găsește analogii în templele în șold și în formă de stâlp. Coloane profilate din piatră albă pe marginile marginilor, încadrarea ferestrelor și ușilor subliniază această aspirație a întregului volum arhitectural în sus. Nu mai puțin frumoase sunt bisericile din Trinity-Lykovo (1698–1704) și din Ubory (1693–1697), ambele creații ale arhitectului Yakov Bukhvostov. Regularitatea construcției, utilizarea unei ordine etaj cu etaj, concentrarea elementelor decorative în cadrul deschiderilor și în cornișe fac aceste structuri legate. În Biserica Semnului din patrimoniul lui B. Golitsyn Dubrovitsy (1690–1704), conform planului, pare a fi aproape de Biserica Mijlocirii din Fili, o abatere de la principiile arhitecturii și apropierii rusești vechi. cu clădiri baroc europene este planificată.
Arhitectura secolului al XVII-lea se caracterizează prin scara sa geografică: construcția activă se realizează la Moscova și împrejurimile sale, la Yaroslavl, Tver, Pskov, Ryazan, Kostroma, Vologda, Kargopol etc.
Procesul de secularizare a culturii ruse se manifestă în mod deosebit în acest moment în arhitectura civilă. Caracteristici de regularitate și simetrie pot fi urmărite în camerele lui V.V. Golitsyn din Moscova, în Okhotny Ryad, în casa boierului Troyekurov cu decorul său magnific în aer liber. Se construiau multe clădiri publice: curțile Tipografiei (1679) și Monetăriei (1696), clădirea Ordinelor (farmacia din Piața Roșie, anii 90). Poarta Sretensky a orașului de pământ, folosită ca clădire pentru garnizoană, iar sub Petru a devenit o școală de „navigație” și matematică și mai bine cunoscută sub numele de Turnul Sukharev (1692–1701, arhitectul Mihail Choglokov). Astfel, în arhitectura națională pronunțată a secolului al XVII-lea, cu asimetria ei pitorească, policromia decorului bogat, veselia și inepuizabilitatea fanteziei populare, sunt întărite trăsăturile de regularitate, unele tehnici ale arhitecturii vest-europene, utilizarea detaliilor de ordine - elemente care va fi dezvoltată în secolele următoare.
Poate că în nicio altă formă de artă, ca în pictură, toate contradicțiile turbulentei secolului al XVII-lea au fost reflectate cu atâta claritate. În pictură a fost deosebit de activ procesul de secularizare a artei.
Întorsătura secolelor XVI-XVII. comemorat în Arte Frumoase prezenţa a două direcţii artistice diferite. Prima este așa-numita școală Godunov, numită așa deoarece majoritatea lucrărilor au fost comandate de Boris Godunov. Artiștii acestei tendințe s-au străduit să urmărească imaginile monumentale ale lui Rublev și Dionysius, dar, de fapt, a fost arhaic și eclectic. A doua este „Școala Stroganov”, numită așa condiționat pentru că unele icoane au fost comandate de oameni eminenti ai Stroganovilor. Nu numai pictorii de icoane Solvychegoda ai lui Stroganov i-au aparținut, ci și Moscova, maeștri țariști și patriarhali. Cei mai buni dintre ei sunt Procopius Chirin, Nikita, Nazariy, Fyodor și Istoma Savina etc. Icoana Stroganov este de dimensiuni mici, nu este atât o imagine de rugăciune cât o miniatură prețioasă, concepută pentru un cunoscător de artă (nu este pentru nimic din ceea ce este deja semnat, nu anonim). Se caracterizează prin scriere atentă, foarte mică, rafinamentul desenului, bogăția ornamentației, abundența de aur și argint. O lucrare tipică a „Școlii Stroganov” este icoana lui Prokopy Chirin „Nikita Războinicul” (1593, Galeria de Stat Tretiakov). Figura lui este fragilă, lipsită de masculinitatea războinicilor sfinți din epoca pre-mongolă sau din timpul artei timpurii din Moscova (amintiți-vă pe Boris și Gleb de la Galeria de Stat Tretiakov), postura lui este manierată, picioarele și brațele sunt în mod deliberat slabe. , tinuta este accent rafinata. Este necesar să recunoaștem faptul că maeștrii „Școlii Stroganov” au fost, fără îndoială, noi prin faptul că au reușit să transmită starea de spirit profund lirică a unui peisaj poetic, fabulos, cu frunziș auriu de copaci și râuri argintii, fin trasate („ Ioan Botezătorul în deșert” de la Galeria de Stat Tretiakov). Creată mai degrabă pentru colecționari, cunoscători, amatori, icoana „Școlii Stroganov” a rămas în pictura icoană rusă ca un exemplu de înalt profesionalism, măiestrie, rafinament al limbii, dar în același timp a mărturisit despre moartea treptată a monumentalului. imagine de rugăciune.
Schisma în biserica secolului al XVII-lea a căpătat din ce în ce mai mult un caracter social și a influențat viața culturală. Disputele dintre schismatici și religia oficială au dus la o luptă între două vederi estetice diferite. Simon Ushakov (1626–1686), pictorul țarist și teoreticianul artei, s-a aflat în fruntea noii mișcări, proclamând sarcinile picturii care au dus, de fapt, la o ruptură cu tradiția antică a picturii icoanelor ruse. El și-a conturat punctele de vedere într-un tratat dedicat prietenului său Iosif Vladimirov, „Cuvânt către pictura cu icoană iscoditoare” (1667). Ushakov și-a introdus propria înțelegere a scopului icoanei în ideea tradițională a picturii icoanelor, subliniind, în primul rând, latura sa artistică, estetică. Ushakov era cel mai interesat de relația dintre pictură și viața reală, am spune, „relația dintre artă și realitate”. Pentru apărătorii vechii tradiții, în frunte cu protopopul Avvakum, arta religioasă nu avea nicio legătură cu realitatea. Icoana, credeau ei, este un obiect de cult, totul în ea, chiar și tabla în sine, este sacru, iar chipurile sfinților nu pot fi o copie a fețelor simplilor muritori.
Un profesor excelent, un organizator priceput, unul dintre principalii pictori ai Armureriei, Simon Ushakov a fost fidel concluziilor sale teoretice în propria sa practică. Temele sale preferate - „Mântuitorul nu este făcut de mână” (Muzeul de Stat al Rusiei, Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Istorie de Stat), „Trinitatea” (Muzeul de Stat al Rusiei) - arată modul în care artistul a căutat să scape de canoanele convenționale ale picturii cu icoane care se dezvoltase în tradiţii vechi de secole. Realizează un ton corporal al fețelor, o regularitate aproape clasică a trăsăturilor, construcție volumetrică, perspectivă accentuată (folosind uneori direct fundalurile arhitecturale ale picturii renascentiste italiene). În ciuda asemănării compoziționale cu „Trinitatea” lui Rublev, „Trinitatea” lui Ushakov (1671, Muzeul Rus) nu are nimic în comun cu ea în principal - nu are spiritualitatea imaginilor lui Rublev. Îngerii arată ca niște creaturi destul de pământești, care în sine sunt lipsite de sens, o masă cu un castron - un simbol al sacramentului jertfei, mântuirii - s-a transformat într-o adevărată natură moartă.
La mijlocul secolului al XVII-lea. Armeria a devenit centrul artistic al întregii ţări, în frunte cu unul dintre cei mai educaţi oameni ai vremii sale, boierul B.M. Khitrovo. Maeștrii Armeriei au împodobit biserici și camere, au actualizat picturi vechi, au pictat icoane și miniaturi, „semnificatori” (adică desenatori) au creat desene pentru icoane, bannere, broderii bisericești și bijuterii. Aici s-au adunat toate forțele artistice remarcabile ale Rusului, aici au lucrat și maeștri străini, de aici au venit comenzi pentru executarea a numeroase picturi murale, șevalet și lucrări monumentale într-o varietate de tehnici.
Pictură în frescă din secolul al XVII-lea. cu o mare rezervare poate fi numit monumental. Au pictat mult, dar altfel decât înainte. Imaginile sunt mărunțite și greu de citit de la distanță. Nu există tectonică în ciclurile de frescă din secolul al XVII-lea. Frescele acoperă pereții, stâlpii, arhitravele cu un model continuu, în care scenele de gen sunt împletite cu ornamente complicate. Ornamentul acoperă arhitectura, figurile oamenilor, costumele lor, fundalul peisajului cresc din ritmuri ornamentale. Decorativismul este unul dintre trăsături distinctive pictură în frescă din secolul al XVII-lea. A doua caracteristică este festivitatea și interesul constant pentru o persoană din a lui Viata de zi cu zi, accentul în comploturile Sfintei Scripturi pe frumusețea naturii, munca omului, adică viața în toată diversitatea ei. Această calitate a picturii nu o numim în secolul al XVII-lea. bytovism, așa cum sună adesea în lucrările de artă din secolul al XVII-lea. Nu o înregistrare plictisitoare a lucrurilor mărunte ale vieții de zi cu zi, ci adevăratul element al sărbătorii, victoria constantă asupra obișnuitului - așa sunt picturile murale din secolul al XVII-lea. Frescele din Yaroslavl ale artelului lui Gury Nikitin și Sila Savin sau Dmitri Grigoriev (Plehanov) sunt cel mai izbitor exemplu în acest sens. În secolul al XVII-lea Iaroslavl, un oraș bogat de pe Volga, devine, după cum am menționat deja, unul dintre cele mai interesante centre nu numai ale unei vieți sociale furtunoase, ci și ale vieții artistice. Negustorii și orășenii bogați construiesc și pictează biserici. Maestrul de la Armurerie, deja menționatul Gury Nikitin, nominalizat de Simon Ushakov pentru titlul de maestru „reclamat” în 1679, a pictat Biserica Iaroslavl a Profetului Ilie în 1681 cu un artel mare, Dmitri Grigoriev-Plekhanov cu artelul său - Biserica lui Ioan Botezătorul din Tolchkovo . Temele Sfintelor Scripturi se transformă în nuvele fascinante, conținutul lor religios rămâne, dar capătă o altă nuanță, tăioasă, este pictată în culorile optimiste ale viziunii oamenilor asupra lumii. Gravurile celebrei Biblii Piscator (Fischer), publicate în Olanda și servind drept model pentru maeștrii ruși, stau la baza multor fresce ale bisericilor din Iaroslavl, dar sunt redate într-o puternică revizuire, atât semantică, cât și stilistică. Un exemplu binecunoscut al imaginii secerișului în scena vindecării tinereții de către sfânt: cu o încântare nedissimulata, pictorul mural înfățișează cum secerătorii în cămăși strălucitoare culeg și tricotează secara în snopi pe un câmp de cereale aurii. Maestrul nu uită să înfățișeze chiar și flori de colț printre secară. După cum a remarcat corect unul dintre cercetători (V.A. Plugin), o persoană din picturile murale din secolul al XVII-lea. rareori apare ca un contemplativ, filosof, oamenii din pictura acestui timp sunt foarte activi, construiesc, luptă, comerț, ară, călăresc în trăsură și călare; toate scenele sunt destul de „aglomerate” și „zgomotoase”. Acest lucru este tipic atât pentru bisericile din Moscova (Biserica Treimii din Nikitniki, pictată în anii 50), cât și pentru Rostov și mai ales pentru Yaroslavl, care a lăsat minunate monumente de picturi murale din secolul al XVII-lea.
Picturile seculare ne sunt mai cunoscute doar din mărturia contemporanilor, de exemplu, pictura Palatului Kolomna, fabuloasă, ca și aspectul său, aceasta este pictura Camerei cu fațete, care a ajuns până la noi, realizată de Simon Ushakov împreună cu diaconul Klementyev.
În cele din urmă, genul portretului devine un vestitor al artei erei viitoare. Portretul - parsuna (din cuvantul deformat "persona", latinescul "persona", personalitate) - s-a nascut la inceputul secolelor XVI-XVII. Imaginile lui Ivan al IV-lea de la Muzeul Național din Copenhaga, țarul Fiodor Ioannovici (GIM), prințul M.V. Skopin-Shuisky (TG) sunt încă aproape de icoană în ceea ce privește metoda de implementare, dar au deja o anumită asemănare portretistică. Există și schimbări în limbajul imaginii. Cu toată naivitatea formei, a liniarității, a staticii, a localității, există deja, deși timidă, o încercare de modelare alb-negru.
La mijlocul secolului al XVII-lea. unele parsune au fost interpretate de artişti străini. Se crede că portretul Patriarhului Nikon cu clerul îi aparține olandezului Wuchters. Parsuni ale administratorului V. Lyutkin, L. Naryshkin de la sfârșitul secolului al XVII-lea. pot fi numite deja portrete.
În grafica antică rusă a acestui timp, există multe scene și portrete de zi cu zi. De exemplu, celebra Evanghelie a țarului Fiodor Alekseevici din 1678 conține 1200 de miniaturi. Acestea sunt figuri de pescari, țărani, peisaje rurale. În „Cartea Titulară” („Cartea Mare de Stat” sau „Rădăcina suveranilor ruși”), scrisă de mână, găsim imagini ale conducătorilor ruși și străini (1672–1673; TsGADA, RE, RNB). Dezvoltarea tiparului de carte a contribuit la înflorirea gravurii, mai întâi pe lemn și apoi pe metal. Simon Ushakov însuși a participat la gravura Povestea lui Barlaam și Ioasaf, împreună cu gravorul de la Armeria A. Trukhmensky.
Dorința de a transmite adevărata frumusețe pământească și, în același timp, fantezia fabuloasă sunt caracteristice tuturor tipurilor de creativitate artistică a secolului al XVII-lea. În Palatul Terem, pereți, bolți, podele, sobe de teracotă, vase, țesături, costume de oameni - totul era acoperit cu un ornament dens de iarbă. Fațadele, ornamentele ferestrelor și pridvorurile din lemn ale Palatului Kolomna au fost decorate cu ornamente sculptate. Iconostasele și porțile regale din biserici erau decorate cu aceeași sculptură abundentă (din ce în ce mai înalt relief) cu aurire. Dragostea pentru modelele ornamentale s-a reflectat și în sculptura în piatră. Aurirea sculpturii, policromia plăcilor și culoarea roșie a cărămizilor au creat o imagine arhitecturală festivă și decorativă. Perfecțiunea ajunge în arta plăcilor glazurate, a ceramicii arhitecturale și decorative. Placi de diferite forme, culori și modele fie au acoperit complet pereții cu un covor cu model, ca în deja menționatul Krutitsy Teremka, fie au jucat rolul de inserții sau ferestre decorate în jurul perimetrului, ca în bisericile din Yaroslavl Sf. Ioan Gură de Aur sau Sfântul Nicolae Umed. Fabricarea plăcilor amintea de sculptura populară în lemn a plăcilor de turtă dulce, care este de mult cunoscută poporului ruși, iar schema de culori este broderie, imprimeuri și imprimeuri populare.
Se afirmă din ce în ce mai mult în secolul al XVII-lea și sculptura rotundă, aproape complet necunoscută epocilor anterioare. Dorința de a sublinia plasticitatea, tridimensionalitatea a afectat și produsele din metal: cazule de icoane din aur și argint urmărit, diverse forme de ustensile, atât bisericești, cât și laice. Dragostea pentru modelele multicolore a provocat o nouă înflorire a artei emailurilor, în care meșterii Solvychegodsk și Ustyug au devenit deosebit de faimoși. În atelierele de la Solvychegodsk ale „oamenilor eminenți din Stroganov”, „afacerea cu smalț din Usolsk” se dezvoltă: emailul Usolsk se distinge prin pictarea ornamentelor florale pe un fundal deschis. În orașele din Volga, arta tipăririi a fost dezvoltată: un model colorat este imprimat pe pânză din scânduri de lemn sculptate.
În modelul care împodobește cusutul, trecerea de la pictură la arta bijuteriilor este evidentă: accentul principal este pus pe strălucirea aurului și a argintului, strălucitor. pietre pretioase si perle. Broderia cu aur atinge o subtilitate și o perfecțiune deosebită în școala de cusut Stroganov la mijlocul secolului. Croitoresele de aur din „Camera Atelierului Țarinei” erau renumite pentru cusăturile decorative. Dar chiar și în artele aplicate, unde canoanele s-au păstrat cel mai mult timp, se manifestă un interes pentru viață; aici, ca și în pictură, există clar o tendință spre decorativitate sporită, ornamentație luxuriantă. Totul mărturisește victoria noilor gusturi artistice, o nouă viziune asupra lumii, punctul de cotitură iminent de la începutul celor două secole.
Marea artă antică rusă s-a format în cea mai strânsă legătură cu religia. Viziunea creștin-ortodoxă a dat naștere unor forme deosebite de biserici și clădiri monahale, a dezvoltat un anumit sistem și tehnică de pictură monumentală și pictură icoană. Gândirea medievală a dat naștere unor canoane în artă, motiv pentru care în Rusia Antică. rol imens a jucat exemple atât în arhitectură, cât și în pictură.
Vechea artă rusă, desigur, s-a dezvoltat și s-a schimbat de-a lungul a peste 800 de ani de existență, dar formele și tradițiile ei nu au murit și au dispărut fără urmă odată cu apariția noului timp, au avut încă o viață lungă, deși într-un mod modificat. forma, în arta secolelor următoare.
Pictura din secolul al XVII-lea în Rusia și-a dezvăluit potențialul. Au fost dezvoltate două școli de pictură icoană, Stroganov și Godunov. A fost dezvoltat și un nou gen de portrete, parsuna.
Nobilii nobili și oamenii pur și simplu bogați au căutat să se surprindă pe pânza istoriei cu ajutorul vopselelor, iar artiștii, la rândul lor, au încercat să transmită nu numai trăsăturile feței sau expresiile faciale, ci și caracterul, sufletul persoanei pe care o descriau. .
Caracteristicile picturii rusești din secolul al XVII-lea
Pictura rusă a secolului al XVII-lea a suferit mari schimbări. Artiștii s-au străduit pentru nou, necunoscut, dar în același timp au încercat să nu uite și să nu se abată de la dogmele Vechiului Credincios.
Din acest motiv, la începutul secolului al XVII-lea în Rusia a existat un fel de scindare în pictura icoană în două școli dominante: Stroganov și Godunov. Aceste două școli sau direcții au funcționat în două stiluri principale, neasemănătoare între ele.
Școala Godunov a stat pe acele canoane de pictură care au evoluat în timp. Ea nu a dezvoltat culori sau imagini noi, ci a gravitat spre tradițiile din trecut. Școala Stroganov a dezvoltat noi canoane; a folosit culori strălucitoare, rafinamentul desenului și o compoziție complexă cu mai multe fațete în pictura icoanelor. Cu alte cuvinte, dacă școala Godunov a mers înapoi, atunci școala Stroganov a alergat înainte cu salturi și limite, dezvoltându-și potențialul creativ.
Parsuna
Țarul Alexei Mihailovici și Armeria, au criticat cu zel și au interzis orice abatere de la canoanele deja stabilite ale picturii. Simon Ushakov a condus multă vreme afacerea de pictură în Rusia. Și în ciuda interdicțiilor, în primul rând, el a acordat întotdeauna atenție imaginii unui chip uman. Aceasta a fost pasiunea lui. Poate că de aici a început să se dezvolte un nou gen pictural în Rusia.
În a doua jumătate a secolului al XVII-lea, în Rusia a apărut un nou gen - parsuna. A fost primul gen de portrete din Rusia. Inițial, a fost folosit doar în pictura de icoane, dar după câțiva ani, artiștii au început să realizeze portrete ale unor oameni reali care s-au aliniat în mulțime la ușile lor. A avea portretul tău a devenit foarte popular, a fost prestigios.
Parsuna a fost realizată în tradiția picturii icoanelor. Originea și titlul înalt al celui care a fost înfățișat au fost subliniate pe parsun. Atenția artistului s-a concentrat nu atât pe față, cât pe accesorii: steme, inscripții, detalii bogate.
Școala Iaroslavl
Un alt fenomen nou în pictura secolului al XVII-lea în Rusia a fost Școala de Maeștri din Iaroslavl. Particularitatea sa a fost că au început să înfățișeze fresce tradiționale bisericești-biblice sub formă de viață obișnuită. Una dintre aceste creații a fost compoziția „Harvest”. Uneori, această școală este numită „pionierul” peisajului rusesc. Ea a fost unul dintre factorii care au dus la dezvoltarea peisajului ca gen de pictură.
Rezultate
Pictura rusă din secolul al XVII-lea a pus primele blocuri pentru dezvoltarea picturii portretului și peisajului în Rusia. În secolul al XVII-lea au apărut maeștri artistici care au decis pentru prima dată să se îndepărteze de canoanele obișnuite și să încerce ceva nou, neobișnuit încă, dar surprinzător. Din acel moment, pictura a început să se dezvolte și să nu stea pe loc. Artiștii au început să-și testeze abilitățile înfățișând oamenii așa cum erau cu viciile și calitățile lor. Este o perioadă de mare schimbare și cunoaștere, care a contribuit la paginile istoriei artistice.
Interesul crescând pentru arta secolului al XVII-lea în lumea reală, vie, a fost exprimat cu mare putereși în materie. Dar, alături de noile tendințe și influențe ale artei occidentale și orientale, arta decorativă a reflectat și ideile apărătorilor antichității, care au apărat tradițiile originale în fața susținătorilor direcției occidentale în dezvoltarea culturii ruse. Reprezentanții de frunte ai noii direcții, cum ar fi A. L. Nashchokin, au avertizat însă împotriva imitației oarbe a modelelor occidentale, a modei străine și a vieții de zi cu zi. Întrucât principalii clienți la acea vreme erau nobili și comercianți, atunci, firește, nevoile și gusturile lor au influențat în primul rând creativitatea artistică. Artele decorative și aplicate au fost din ce în ce mai incluse în viața de zi cu zi și au servit nevoilor acesteia.
Noile aspirații ale epocii, dorința de materialitate coexistă în artă cu eleganța și luxul. Strălucirea strălucitoare și bogăția modelului rusesc ajung acum la o splendoare deosebită, devenind caracteristice unei game largi de produse ale artizanilor ruși. Fiind nativi ai poporului, ei exprimau în mare măsură gusturile oamenilor.
După cum sa menționat deja în capitolul anterior, principalele forțe artizanale au fost concentrate de către Armeria Kremlinului din Moscova.
Sentiment frumusețea pământească, interesul pentru forme reale - pe de o parte, pe de altă parte - fantezia fabuloasă a pătruns toate tipurile de creativitate artistică. Ornamentarea, care a tradus motivele faunei sălbatice, a fost principiul conducător. Caracteristic în acest sens este Palatul Terem al Kremlinului. Aici, întreaga arhitectură este impregnată de modele, în interior și în exterior. Pereți, bolți, pardoseli, sobe cu teracotă, țesături, ustensile - totul pare împletit cu un ornament gros de plante și șerpuit. Palatul Kolomna a fost numit de contemporani a opta minune a lumii. Sculptura acoperea golurile, arhitravele și buiandrugurile, pridvorurile cu ornamente, dând imaginii un aspect festiv.
Sculptura luxuriantă ajurata, în care elementul principal era un lăstar de plantă, o floare, un ciorchine de struguri, împodobeau catapeteasmele, porțile regale - străluceau în temple cu aurire. Modelarea densă a „tăierii în piatră” a introdus un ritm capricios în imagine structuri arhitecturale. Aici experiența unor tradiții bogate și dragostea pentru ornamentul maeștrilor ruși și acel depozit special al gândirii lor artistice, în care ficțiunea folclorică, ficțiunea aveau mare importanță. Îndemânarea excepțională a cioplitorilor ruși în lemn și piatră a fost imprimată cu brio în multe ansambluri de artă din secolul al XVII-lea. Acestea includ, în primul rând, sculpturile în piatră și lemn ale Mănăstirii Novodevichy, Biserica Sf. Nicolae „Big Cresg”, Turnul Krutitsky din Moscova. Imaginile de animale fantastice și destul de reale, cum ar fi râsul, veverița etc., sunt țesute într-un model floral dens cu motive de viță de vie, frunze, flori.
O monumentalitate deosebită pătrunde în structura artistică a sculpturii tridimensionale fine, aproape de bijuterii, a catapetesmelor, de exemplu, catapeteasma Catedralei Smolensk a Mănăstirii Novodevichy din Moscova, realizată în anii 1683-1685 de către maeștrii Armureriei Kremlinului, în frunte. de Osip Andreev și Stepan Zinoviev, precum și porțile regale din bisericile Moscova (de exemplu, în Biserica Adormirea Maicii Domnului de pe Pokrovka, 1696, ill. 115) și multe alte orașe.
Noile principii ale picturii, tridimensionalitatea tot mai mare a figurilor și diversitatea compoziției în pictura cu icoane au cerut alte rame. Sculptura iconostasului devine în relief și este atât de saturată de forme bogate încât uneori se pierde claritatea ritmică a ornamentului sculptat. Dar totuși, nici acum simțul sintezei nu părăsește maestrul, revolta tiparelor bizare este înfrânată de logica arhitecturală strictă a întregului (iconostasul Bisericii Semnului din Dubrovitsy, 1690-1704).
Sculptura, combinată cu coloratul picturii, plăcilor și cărămizilor colorate, creează o imagine festivă și decorativă a arhitecturii secolului al XVII-lea (platbandele Catedralei Noului Ierusalim).
Placile glazurate - verde, de diferite nuante, aparute la inceputul secolului, se imbogatesc treptat in culoare, plasticitatea formelor lor este sporita.
La mijlocul secolului al XVII-lea, arta ceramicii arhitecturale, numită afacerea valoroasă, se dezvolta rapid. Placile împodobesc fațadele bisericilor nu numai din Moscova, ci și din alte orașe. Au devenit caracteristice arhitecturii urbane din Yaroslavl, Rostov, Solvychegodsk, dându-i o eleganță deosebită, veselie. Decorarea cu gresie a bisericilor din Iaroslavl lui Ioan Gură de Aur din Korovniki (1649-1654), Nikola Wet (a doua jumătate a secolului al XVII-lea) și altele mărturisește realizările artistice ale maeștrilor ruși.
Placile diferite ca formă, model și culoare au fost uneori folosite ca inserții decorative sau ca rame prețioase de ferestre, lățimi înconjurând clădirea, în caz contrar, după principiul unui covor cu model, acoperau pereții în întregime, ca în decorarea turnului de Complexul Mitropolitan Krutitsy.
Producția de faianță, care a înflorit la Mănăstirea Iberică Valdai, transferată de Patriarhul Nikon la Noul Ierusalim chiar la începutul construcției sale, a crescut extraordinar. Printre maeștri, Ignat Maksimov, Stepan Ivanov Polubes și alții erau renumiti pentru arta lor. (plăci ale Bisericii Grigore de Neocezareea din Moscova, 1679).
116. Gavrila Ovdokimov „cu camarazi”. Șeful țareviciului Dmitri. Detaliu al unui altar de argint din Catedrala Arhanghelului din Kremlinul din Moscova. 1630
117. Vas de argint cu email Usol. secolul al 17-lea
118. Mantaua sakkosului mitropolitului Dionisie. 1583
119. Frate de argint. Prima treime a secolului al XVII-lea
Motivul floral este combinat în plăci cu cartușe și alte forme decorative, care sunt practic similare cu sculpturile populare în lemn. Însuși principiul realizării unei plăci, care amintește de arta turtei dulce în tehnică, este legat de acesta. În lut plastic, ca și în aluat, modelul a fost imprimat cu o formă sculptată în lemn sau piatră.
Placile policrome au fost răspândite pe scară largă în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Verde, turcoaz, albastru, galben, culorile albe Glazurile opace sclipeau de multicolor vesel, introducând un pitoresc și o festivitate deosebită nu numai în decorarea exterioară a arhitecturii, ci și în spațiul său interior, unde modelarea elegantă cu imagini cu păsări și plante fabuloase pe plăcile sobei au creat un centru decorativ al interioarelor. a camerelor boiereşti şi a caselor orăşeneşti.
Alături de sculptura pe lemn și piatră, sculptura rotundă a căpătat un rol proeminent în acest moment. Ea reflecta în mod deosebit în mod clar lupta dintre tendințele tradiționale și noile tendințe realiste. Alegerea subiectelor era încă limitată de convențiile tradițiilor antice. Cu toate acestea, aspirațiile realiste în creștere în artă cresc treptat volumul și statuaria în sculptură. De exemplu, în sculptura lui Paraskeva Pyatnitsa de la Mănăstirea Petru și Pavel din Bryansk (secolul XVII) și în figura unui bătrân (secolul XVII, Muzeul Rus), elemente realiste în interpretarea feței sunt combinate cu tradiționalul „ blocky” imagine viu colorată a figurii.
Sculptura ocupă un loc aparte Teritoriul Perm(Galeria de Artă de Stat Perm). Tradițiile păgâne erau vii aici, ceea ce a determinat înflorirea sculpturii locale în lemn. Prospețimea, instantaneitatea artei populare distinge plasticul de cult. Generalizarea formei, un ritm liniar clar, expresivitatea siluetei, marea expresie sunt inerente omului. imagini calde sfinți: Hristos cel suferind, Nikola Mozhaisky și alții (sfârșitul secolului al XVII-lea). Adesea existau imagini sculpturale cu păsări, un leu. Leii sculptați volumetric, vital expresivi, au fost așezați la poalele „locurilor” constructorilor de temple, erau un detaliu de mobilier sculptat din secolul al XVII-lea (Muzeul-Rezervație din secolele XVI-XVII „Kolomenskoye”).
Dorința de plasticitate, plenitudinea formei volumetrice a fost exprimată și în produsele metalice. Icoanele sunt decorate cu reliefuri suculente din veșminte de aur și argint, care acum ascund aproape complet pictura. Uneori, imaginile urmărite ale figurilor se apropie într-o oarecare măsură de sculptura rotundă. Capete mari de heruvimi sunt lipite pe ripidi argintii. De un interes excepțional este un altar din argint urmărit de la Catedrala Arhanghelului de la Kremlinul din Moscova, cu o imagine sculpturală a Țareviciului Dmitri (1630, Camera de arme de stat, ill. 116). Modelarea fină a formei feței, care are trăsături de portret, este combinată cu un model bogat de ornamente florale urmărite și pietre prețioase care împodobesc coroana. Autorii acestei lucrări sunt Gavrila Ovdokimov și alți cinci argintari de la Armurerie.
Turnarea cuprului nu a fost mai puțin dezvoltată în secolul al XVII-lea. Formele vaselor rusești de aur și argint rămân calme, rotunjite în contur. Ea nu își pierde apropierea cu ustensilele populare din lemn. Vânătorii moscoviți din acea vreme au dat dovadă de ingeniozitate creativă, au aprobat noi tehnici de decorare și ornamentare, ghidați de un inconfundabil simț al armoniei, cunoașterea materialului și înțelegerea lucrurilor ca sinteză a formei sculpturale și a decorului. O expresie excelentă a acestui lucru este fratele secolului al XVII-lea - forma națională rusă a bolului de felicitări (prima treime a secolului al XVII-lea, Muzeul de Istorie de Stat, ill. 119). În bratina de argint a lui Fiodor Evstigneev din 1642 (Armeria de stat), ornamentul zgomot din plante învăluie forma, așa cum ar fi, subliniindu-i rotunjimea cu ritmul măsurat al buclelor târâtoare.
Ligatura ornamentală a inscripției se desfășoară de-a lungul fundalului neted al coroanei gâtului, care adună forma în sus; se spune că dragostea adevărată este ca un vas de aur de nesfăcut. Capelele în formă de con ale fraților sunt asemănătoare coifurilor vechilor cavaleri ruși sau cupolelor de ceapă ale bisericilor rusești. Forma fraților nu s-a schimbat cu greu de-a lungul secolelor, în timp ce oala de argint, numită lebădă-lebădă, suferă mari schimbări în secolul al XVII-lea. Proporțiile se schimbă, silueta este în formă de barcă. Asemănarea cu o pasăre care înoată este ștearsă pe măsură ce oala își pierde scopul practic până la sfârșitul secolului. În această perioadă apar noi forme de preparate; pahare, cești, căni, pahare acoperite cu un ornament floral negru. El a acoperit dens suprafața obiectului și totuși nu a distrus niciodată arhitectura formei sale. Meșterul a putut să folosească zonele netede ale suprafeței, strălucirea sau tocimea metalului, contrastând cu modelele dense, pentru a dezvălui, a sublinia plasticitatea materialului în sine, designul obiectului, forma sculpturală. Ornamentul a suferit modificări de-a lungul secolului. Simplitate strictă, curgere nerestricționată, naturală
ritmul liniilor ondulate. Până la sfârșitul secolului, se ajunge la locul de umplere densă a spațiului cu o țesere complexă de tulpini și frunze rotunjite. Până în a doua jumătate a secolului, ornamentul floral își pierde caracterul abstract. Formele sale se apropie de natural, observat în natură. Imaginile suculente cu flori, frunze și ierburi devin mai mari, ritmurile sunt mai libere. Elasticitatea lor dă impresia de putere de creștere. Așa este, de exemplu, ornamentul niello al unui picior de argint de la sfârșitul secolului al XVII-lea (GIM) și a unei doage de argint a Prințesei Sofia, realizată de maeștrii Mihail Mihailov și Andrei Pavlov (1685, Armeria Statului). Florile și frunzele aurite ale doagelor strălucesc ușor pe un fundal de catifea neagră.
Modelul colorat al artelor și meșteșugurilor rusești din secolul al XVII-lea nu poate fi imaginat fără emailurile multicolore și cusăturile decorative. Arta smalțului la acea vreme a fost ridicată la o mare înălțime de către maeștrii Moscovei, Solvychegodsk și Veliky Ustyug. Meșterii de la Solvychegodsk au devenit faimoși în special pentru pictura lor cu smalț (ultimul sfert al secolului al XVII-lea), multicoloră, strălucitoare în comparație cu tonurile deschise și deschise ale emailurilor de la Moscova. În atelierele regale, ramele icoanelor și evangheliilor erau împodobite cu emailuri. Monumentele remarcabile ale bijuteriilor din Moscova sunt articole din „trezoreria stabilă”. Emailuri strălucitoare împodobesc cadrul de aur al șeii „ținutei mari” a țarului Mihail Fedorovich (1637-1638, Armeria de Stat), realizată de maestrul Ivan Popov „cu tovarăși”.
Smalțul strălucea pe suprafețele netede ale obiectelor, făcea parte din ornamentul filigran, era turnat peste suprafețele rotunjite ale vaselor și acoperea relieful imaginilor urmărite. Email de diverse nuanțe, dens și transparent, parcă strălucește din interior, a concurat cu pietrele prețioase. Un exemplu tipic este potirul din aur și smalț, o contribuție a boierului A.I. Morozov în 1664 la Mănăstirea Chudov. Safire, smaralde, rubine și diamante ard în email multicolor. Meșterii ruși au avut un contact strâns cu bijutierii greci și meșteri din țările europene.
Până în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a fost dezvoltat un stil special Moscova de ornament cu iarbă mică.
În Solvychegodsk, care a devenit un centru proeminent al artelor aplicate în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, „afacerea cu smalțul Usolye” se dezvolta în atelierele „oamenilor eminenți” din Stroganov. Smalțul Usolsky se remarcă prin moliciunea culorii picturii florilor și ierbii pe un fundal deschis (fig. 117). Obiectul, umplut cu email alb pe interior și exterior, a fost pictat cu ornamente din plante, lalele mari cu frunze suculente și umbrirea caracteristică a petelor colorate în locuri de umbră. Au existat, de asemenea, imagini de complot: scene de vânătoare, compoziții „Semnele zodiacului”, „Cinci simțuri” (bol de argint, sfârșitul secolului al XVII-lea, Armeria Statului).
Din atelierele soților Stroganov, arta smalțului s-a răspândit în nordul Rusiei. În Veliky Ustyug, ornamentul în filigran a fost acoperit cu email turcoaz, verde și negru, cu accente de alb, negru și galben sub formă de puncte. Astfel de emailuri, care împodobeau rame de icoane, au multe în comun cu pictura populară nordică pe lemn (de exemplu, tsata de argint cu email, secolul al XVII-lea, Muzeul de Istorie de Stat).
Arta aplicată a înflorit în secolul al XVII-lea în orașele Posad din regiunea Volga: sculptură în lemn, fierărie, fabricare de țiglă, argintărie au atins mari culmi și originalitate artistică. În secolul al XVII-lea, arta tiparului a fost dezvoltată în orașele din regiunea Volga. Un model colorat a fost imprimat pe pânze din scânduri de lemn sculptate, pregătite de meșteri speciali. În această industrie s-a dezvoltat o cultură ornamentală înaltă.
Din a doua jumătate a secolului al XVII-lea, cusătura facială s-a îndepărtat din ce în ce mai mult de pictură și, dimpotrivă, se apropie tot mai mult de arta bijuteriilor. Strălucirea aurului și argintului, strălucirea pietrelor prețioase și a perlelor sunt acum de o importanță capitală în cusut și sunt apreciate în primul rând de contemporani (giulgiul lui Nikolai cu viață, a doua jumătate a secolului al XVII-lea, Muzeul de Istorie de Stat).
Detaliile hainelor erau complet acoperite cu broderii prețioase: uneori în întregime. De exemplu, sakkos-ul Patriarhului Nikon (1655, Armeria Statului) este decorat cu imagini brodate ale profeților și sfinților. Perlele au fost cusute de-a lungul conturului imaginii. Școala de cusut Stroganov de la mijlocul secolului al XVII-lea se remarcă prin înaltă măiestrie tehnică și monumentalitate a stilului. Aici, cusutul alato a atins cote mari.
Împreună cu cusătura facială, cusătura decorativă a căpătat o largă amploare în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Erau faimoși pentru croitorele de aur din „Camera atelierului țarinei”, care împodobeau șeile, prosoapele și umerii hainelor bisericești cu broderie. Înfiletarea cu perle, cusutul cu fire de aur și mătase avea multe în comun cu broderie populară, și nu numai în asemănarea motivelor, ci și în sensul ritmului, al liniei, al culorii, în însăși poetica artei. Caracteristică este coperta cu imaginea lui Serghie de Radonezh cu viața sa - contribuția lui A. I. Stroganova la Mănăstirea Treime-Serghie (1671).
Artele și meșteșugurile din secolul al XVII-lea au reflectat ascensiunea culturală experimentată de Rusia. Pe de o parte, o eră semnificativă a artei antice rusești se apropie de sfârșit, iar pe de altă parte, calea către una nouă este pavată.
În ultimul sfert al secolului al XVII-lea, primii vestitori ai artei seculare a secolului al XVIII-lea erau deja vizibili - au apărut lucrări care au purtat o nouă viziune asupra lumii a timpului emergent. Luxul modelelor este înlocuit de lucrări de o simplitate și rigoare excepționale, precum doghetele de argint și niello ale Prințesei Sofia Alekseevna (1685, Armeria de Stat). Însăși gama de articole de uz casnic s-a extins enorm, aducând arta aplicată mai aproape de viața de zi cu zi. Măiestria performanței este adusă la o artă excepțională. În arta decorativă, a fost refractată experiența picturii icoanelor rusești cu începutul plastic, culoarea decorativă și liniaritatea. În toate ramurile artei aplicate s-a manifestat dorința de a transmite formele naturii, de a multicolor. Sculptural sculptural suculent în lemn înlocuiește planul, cu forme abstracte. Adesea, comploturile și tehnicile au fost împrumutate din arta cărții, de exemplu, în ornamentarea emailurilor Usolye sau a niello. Biblia Piscator, larg distribuită printre maeștrii ruși, a fost sursa noilor tendințe. Dar, cu toate acestea, toate influențele atât ale Estului, cât și ale Vestului au fost refractate în arta antică rusă într-un mod creativ și original.
Interesul pentru viață, aspirațiile realiste pentru arte și meșteșuguri au exprimat, ca și în pictură, formarea unei noi viziuni asupra lumii care caracterizează epoca unui punct de cotitură la începutul a două secole.
