Russische Skulptur und dekorative Kunst des 17. Jahrhunderts. Russische künstlerische Kultur des 17. - 18. Jahrhunderts Russische Malerei der Künstler des 17. Jahrhunderts

In der Geschichte der russischen Kunst war das 17. Jahrhundert eine Zeit des Kampfes zwischen zwei Malschulen und der Bildung neuer Genres. Orthodoxe Kirche hatte noch immer einen großen Einfluss auf das kulturelle Leben der Menschen. Künstler erlebten auch einige Einschränkungen in ihren Aktivitäten.

Ikonographie

Im Spätmittelalter war der Kreml bzw. die Rüstkammer das Zentrum der Konzentration von Künstlern und Kunsthandwerkern in Russland. Die besten Meister der Architektur, Malerei und anderer Arten von Kreativität arbeiteten dort.

Trotz der rasanten Entwicklung der Kunst in ganz Europa hatte die Malerei in Russland im 17. Jahrhundert nur ein Genre - die Ikonenmalerei. Künstler wurden gezwungen, unter der wachsamen Aufsicht der Kirche zu schaffen, die sich entschieden gegen jede Neuerung stellte. Die russische Ikonenmalerei entstand unter dem Einfluss der Maltraditionen von Byzanz und hatte zu dieser Zeit klar Kanons gebildet.

Die Malerei war, wie die Kultur in Russland im 17. Jahrhundert, eher in sich geschlossen und entwickelte sich sehr langsam. Ein Ereignis führte jedoch zu einer vollständigen Reformation des Genres der Ikonenmalerei. Bei einem Brand im Jahr 1547 in Moskau brannten viele antike Ikonen nieder. Es war notwendig, das Verlorene wiederherzustellen. Der größte Stolperstein dabei war der Streit um die Natur der Heiligengesichter. Die Meinungen waren geteilt, Anhänger der alten Traditionen glaubten, dass die Bilder symbolisch bleiben sollten. Während die Künstler modernerer Ansichten dafür waren, den Heiligen und Märtyrern mehr Realismus zu verleihen.

In zwei Schulen aufgeteilt

Infolgedessen war die Malerei in Russland im 17. Jahrhundert in zwei Lager gespalten. Die erste umfasste Vertreter der "Godunov" -Schule (im Namen von Boris Godunov). Sie versuchten, die Traditionen der Ikonenmalerei von Andrei Rublev und anderen mittelalterlichen Meistern wiederzubeleben.

Diese Meister arbeiteten im Auftrag des königlichen Hofes und repräsentierten die offizielle Seite der Kunst. Charakteristische Eigenschaften Für diese Schule gab es kanonische Gesichter von Heiligen, vereinfachte Bilder einer Menschenmenge in Form vieler Köpfe, goldener, roter und blaugrüner Töne. Gleichzeitig kann man die Versuche von Künstlern beobachten, die Materialität mancher Objekte zu vermitteln. Die Godunov-Schule ist vor allem für ihre Wandmalereien in den Kammern des Kremls, in der Smolensky-Kathedrale, der Dreifaltigkeitskathedrale, bekannt.

Die gegnerische Schule war "Stroganov". Der Name ist mit den Kaufleuten Stroganovs verbunden, für die die meisten Bestellungen getätigt wurden und die im 17. Jahrhundert als „Sponsoren“ für die Entwicklung der Malerei in Russland fungierten. Den Meistern dieser Schule war es zu verdanken, dass die rasante Entwicklung der Kunst begann. Sie waren die ersten, die Miniaturikonen für das Hausgebet herstellten. Dies trug zu ihrer Verbreitung unter normalen Bürgern bei.

Die Stroganov-Meister gingen immer mehr über die Kirchenkanone hinaus und begannen, auf die Details der Umgebung und das Aussehen der Heiligen zu achten. Und so begann sich die Landschaft langsam zu entwickeln. Ihre Ikonen waren farbenfroh und dekorativ, und die Interpretation biblischer Schriftzeichen kam den Bildern echter Menschen näher. Die bekanntesten der erhaltenen Werke sind die Ikonen „Nikita der Krieger“, „Johannes der Täufer“.

Fresken von Jaroslawl

Ein einzigartiges Denkmal in der Geschichte der Malerei des 17. Jahrhunderts in Russland sind die Fresken in der Kirche des Propheten Elia in Jaroslawl, an denen Künstler aus der Waffenkammer gearbeitet haben. Ein Merkmal dieser Fresken sind Szenen aus dem wirklichen Leben, die sich durchsetzen biblische Geschichten. In der Szene mit der Heilung zum Beispiel wird der Hauptteil der Komposition vom Bild der Bauern während der Ernte eingenommen. Es war das erste monumentale Bild im heimischen Genre.

Unter diesen Fresken findet man fabelhafte und mythologische Szenen. Sie überraschen mit ihren leuchtenden Farben und ihrer komplexen Architektur.

Simon Uschakow

In jeder Phase der kulturellen Entwicklung des Landes treten bedeutende Persönlichkeiten auf. Derjenige, der die Malerei in Russland im 17. Jahrhundert in eine neue Richtung trieb und zu ihrer teilweisen Befreiung von der religiösen Ideologie beitrug, war Simon Ushakov.

Er war nicht nur Hofmaler, sondern auch Wissenschaftler, Lehrer, Theologe, ein Mann von Weitblick. Simon war fasziniert von westlicher Kunst. Besonders interessierte er sich für die realistische Darstellung des menschlichen Gesichts. Deutlich wird dies in seinem Werk „The Saviour Not Made by Hands“.

Ushakov war ein Innovator. Er war der erste russische Künstler, der Ölfarbe verwendete. Dank ihm begann sich die Kupferstichkunst zu entwickeln. Er war dreißig Jahre lang der Hauptkünstler der Waffenkammer und schrieb viele Ikonen, Stiche sowie mehrere Abhandlungen. Darunter „Ein Wort an einen Liebhaber der Ikonenmalerei“, in dem er seine Gedanken skizzierte, die der Künstler wie ein Spiegel wahrheitsgemäß darstellen sollte die Umwelt. Er befolgte dies in seinen Schriften und lehrte es seinen Schülern. In seinen Notizen finden sich Hinweise auf einen anatomischen Atlas, den er schreiben und mit Stichen illustrieren wollte. Aber anscheinend wurde es nicht veröffentlicht oder nicht aufbewahrt. Das Hauptverdienst des Meisters ist, dass er den Grundstein für die Porträtmalerei des 17. Jahrhunderts in Russland gelegt hat.

Parsuna

Nach bedeutenden Veränderungen in der Ikonenmalerei nahm das Porträtgenre Gestalt an. Zuerst wurde es im Stil der Ikonenmalerei aufgeführt und hieß "parsuna" (aus dem Lateinischen - Person, Persönlichkeit). Künstler arbeiten immer mehr mit lebendiger Natur, Pfarrer werden realistischer, ihre Gesichter gewinnen an Volumen.

In diesem Stil wurden Porträts von Boris Godunov, den Zaren Alexei Mikhailovich, Fjodor Alekseevich, den Zarinnen Evdokia Lopukhina und Praskovya Saltykova gemalt.

Es ist bekannt, dass auch ausländische Künstler am Hof ​​tätig waren. Sie trugen auch wesentlich zur Entwicklung der russischen Malerei bei.

Buchgrafik

Auch der Druck kam ziemlich spät in die russischen Länder. Parallel zu seiner Entwicklung gewannen jedoch auch Stiche an Popularität, die als Illustrationen verwendet wurden. Die Bilder waren sowohl religiöser als auch häuslicher Natur. Die Buchminiatur dieser Zeit zeichnet sich durch eine komplexe Ornamentik aus, auch dekorative Buchstaben und Porträtbilder sind zu finden. Meister der Stroganov-Schule leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung von Buchminiaturen.

Die Malerei im Russland des 17. Jahrhunderts wandelte sich von einer hochspirituellen zu einer weltlichen und volksnahen Malerei. Trotz des Widerstands der Kirchenführer verteidigten die Künstler ihr Recht, im Genre des Realismus zu schaffen.

Im 17. Jahrhundert die Bildung des allrussischen Marktes beginnt. Mit der Entwicklung von Handwerk und Handel sind das Wachstum der Städte, das Eindringen in die russische Kultur und die weite Verbreitung weltlicher Elemente darin verbunden. Dieser Prozess wurde in der Literatur "Säkularisierung" der Kultur genannt (vom Wort "weltlich" - weltlich).

Die wichtigsten Kulturströmungen des 17. Jahrhunderts.

Der Säkularisierung der russischen Kultur widersetzte sich die Kirche, die darin einen westlichen, „lateinischen“ Einfluss sah. Die Moskauer Herrscher des 17 Baumanskaja-Straße). Neue Ideen und Bräuche drangen jedoch in das etablierte Leben der Moskauer Rus ein. Das Land brauchte sachkundige, gebildete Menschen, die Diplomatie betreiben, die Innovationen in den Bereichen Militär, Technologie, Fertigung usw. verstehen konnten. Die Wiedervereinigung der Ukraine mit Russland trug zur Ausweitung der politischen und kulturellen Beziehungen zu den Ländern Westeuropas bei.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. mehrere öffentliche Schulen wurden gegründet. Es gab eine Schule zur Ausbildung von Angestellten für zentrale Institutionen, für die Druckerei, den Pharmazeutischen Orden usw. Die Druckerei ermöglichte es, einheitliche Lehrbücher für den Alphabetisierungs- und Rechenunterricht in Massenauflage zu veröffentlichen. Das Interesse des russischen Volkes an der Alphabetisierung wird durch den Verkauf der Fibel von VF Burtsev an einem Tag in Moskau (1651) belegt, der in 2.400 Exemplaren veröffentlicht wurde. Meletius Smotrytskys „Grammar“ (1648) und das Einmaleins (1682) wurden veröffentlicht.

1687 wurde in Moskau die erste höhere Bildungseinrichtung gegründet - die Slawisch-Griechisch-Lateinische Akademie, wo sie "von Grammatik, Rhetorik, Piitika, Dialektik, Philosophie ... bis Theologie" lehrten. Die Akademie wurde von den Brüdern Sofrony und Ioanniky Likhud geleitet, griechische Wissenschaftler, die ihren Abschluss an der Universität Padua (Italien) gemacht haben. Hier wurden Priester und Beamte ausgebildet. An dieser Akademie studierte auch MV Lomonosov.

Im 17. Jahrhundert gab es nach wie vor einen Prozess der Wissensakkumulation. Große Erfolge wurden auf dem Gebiet der Medizin erzielt, bei der Lösung praktischer Probleme in der Mathematik (viele konnten Flächen, Entfernungen, lose Körper usw. mit großer Genauigkeit messen), bei der Beobachtung der Natur.

Russische Entdecker leisteten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des geografischen Wissens. 1648 erreichte die Expedition von Semyon Dezhnev (80 Jahre vor Vitus Bering) die Meerenge zwischen Asien und Nordamerika. Der östlichste Punkt unseres Landes trägt jetzt den Namen Dezhnev. E. P. Khabarov erstellte 1649 eine Karte und untersuchte die Ländereien entlang des Amur, wo russische Siedlungen gegründet wurden. Die Stadt Chabarowsk und das Dorf Jerofei Pawlowitsch tragen seinen Namen. Ganz am Ende des XVII Jahrhunderts. Der sibirische Kosak VV Atlasov erkundete Kamtschatka und die Kurilen.

Literatur

Im 17. Jahrhundert die letzten offiziellen annalistischen Kompositionen entstanden. The New Chronicler (30er) erzählte die Ereignisse vom Tod Iwans des Schrecklichen bis zum Ende der Zeit der Wirren. Es bewies die Rechte der neuen Romanov-Dynastie auf den königlichen Thron.

Den zentralen Platz in der historischen Literatur nahmen historische Romane ein, die einen journalistischen Charakter hatten. Zum Beispiel war eine Gruppe solcher Geschichten („Die Zeit des Diakons Ivan Timofeev“, „Die Geschichte von Avraamy Palitsyn“, „Eine andere Geschichte“ usw.) eine Reaktion auf die Ereignisse der Zeit der Probleme zu Beginn von das 17. Jahrhundert.

Das Eindringen weltlicher Prinzipien in die Literatur ist mit dem Auftreten im 17. Jahrhundert verbunden. ein Genre der satirischen Erzählung, in der bereits fiktive Charaktere agieren. Der „Service to the Tavern“, „The Tale of the Chicken and the Fox“, „Kalyazinsky Petition“ enthielt eine Parodie auf Gottesdienst, Völlerei und Trunkenheit von Mönchen wurden in der "Geschichte von Ersh Ershovich" verspottet - Justizbürokratie und Bestechung. Die neuen Genres waren Memoiren („Das Leben des Erzpriesters Avvakum“) und Liebeslyrik (Simeon von Polozk).

Die Wiedervereinigung der Ukraine mit Russland gab den Anstoß zur Entstehung des ersten russischen Geschichtsdruckwerks. Der Kiewer Mönch Innocent Gizel stellte eine „Synopsis“ (Rezension) zusammen, die in populärer Form eine Geschichte über die gemeinsame Geschichte der Ukraine und Russlands enthielt, die mit der Gründung der Kiewer Rus begann. Im XVII - der ersten Hälfte des XVIII Jahrhunderts. "Synopsis" wurde als Lehrbuch der russischen Geschichte verwendet.

Theater

In Moskau (1672) wurde ein Hoftheater geschaffen, das nur vier Jahre bestand. Darin waren deutsche Schauspieler zu sehen. Männliche und weibliche Rollen wurden von Männern gespielt. Das Repertoire des Theaters umfasste Stücke zu biblischen und legendengeschichtlichen Themen. Das Hoftheater hat in der russischen Kultur keine merklichen Spuren hinterlassen.

In russischen Städten und Dörfern ist seit der Zeit der Kiewer Rus ein Wandertheater weit verbreitet - das Theater der Possenreißer und Petruschka ( Protagonist Volkspuppentheater). Die Regierungs- und Kirchenbehörden verfolgten Possenreißer wegen ihres fröhlichen und kühnen Humors und deckten die Laster der Machthaber auf.

Die Architektur

Architektonische Gebäude des 17. Jahrhunderts. sind von großer Schönheit. Sie sind sowohl innerhalb eines einzelnen Gebäudes als auch in einem Ensemble asymmetrisch. In dieser scheinbaren Unordnung der architektonischen Volumen gibt es jedoch sowohl Integrität als auch Einheit. Gebäude des 17. Jahrhunderts mehrfarbig, dekorativ. Architekten schmückten besonders gerne die Fenster von Gebäuden mit komplizierten, unterschiedlichen Platbands. Weit verbreitet im 17. Jahrhundert. erhielt mehrfarbige "Solarfliesen" - Fliesen und Dekorationen aus geschnitztem Stein und Ziegel. Eine solche Fülle von Dekorationen an den Wänden eines Gebäudes wurde als Steinmuster, wunderbares Muster bezeichnet.

Diese Merkmale sind im Terem-Palast des Zaren Alexei Michailowitsch im Kreml, in den Steinkammern der Bojaren von Moskau, Pskow und Kostroma aus dem 17 Patriarch Nikon. Die berühmten Tempel von Jaroslawl sind stilvoll in ihrer Nähe - die Kirche des Propheten Elia und Ensembles in Korovniki und Tolchkovo. Als Beispiel für die berühmtesten Gebäude in Moskau des 17. Jahrhunderts. Sie können die St.-Nikolaus-Kirche in Khamovniki (in der Nähe der U-Bahn-Station Park Kultury), die Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki (nicht weit vom Puschkinskaja-Platz) und die Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki (in der Nähe der U-Bahn-Station Kitai-Gorod) nennen Bahnhof).

Der dekorative Beginn, der die Säkularisierung der Kunst markierte, spiegelte sich auch im Bau oder Wiederaufbau von Befestigungsanlagen wider. Bis zur Mitte des Jahrhunderts hatten die Festungen ihre militärische Bedeutung verloren, und die Walmdächer, zuerst auf Spasskaya und dann auf anderen Türmen des Moskauer Kremls, wichen prächtigen Zelten, die die ruhige Erhabenheit und feierliche Kraft des Herzens betonten die russische Hauptstadt.

In Rostow dem Großen wurde in Form eines Kremls die Residenz des in Ungnade gefallenen, aber mächtigen Metropoliten Jona gebaut. Dieser Kreml war keine Festung, und seine Mauern waren rein dekorativ. Die Mauern großer russischer Klöster, die nach der polnisch-litauisch-schwedischen Intervention errichtet wurden (Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster, Spaso-Efimiev-Kloster in Susdal, Kirillo-Belozersky-Kloster bei Wologda, Moskauer Klöster), wurden ebenfalls nach allgemeiner Mode mit dekorativen Details verziert .

Die Entwicklung der alten russischen Steinarchitektur endete mit der Faltung des Stils, der Naryshkin (nach den Namen der Hauptkunden) oder Moskauer Barock genannt wurde. Torkirchen, das Refektorium und der Glockenturm des Nowodewitschi-Klosters, die Fürbittekirche in Fili, Kirchen und Paläste in Sergiev Posad, Nischni Nowgorod, Swenigorod und andere wurden in diesem Stil gebaut.

Der Moskauer Barock zeichnet sich durch eine Kombination aus Rot und aus weiße Blumen bei der Dekoration von Gebäuden. Die Anzahl der Stockwerke von Gebäuden, die Verwendung von Säulen, Kapitellen usw. als dekorative Ornamente sind klar nachvollziehbar. von italienischen Meistern bei der Dekoration der Erzengelkathedrale des Moskauer Kreml. Das Auftreten des Moskauer Barocks, der Gemeinsamkeiten mit der Architektur des Westens aufwies, bezeugte, dass sich die russische Architektur trotz ihrer Originalität im Rahmen einer gemeinsamen europäischen Kultur entwickelte.

Im 17. Jahrhundert blühte die Holzarchitektur auf. "Das achte Weltwunder" nannten Zeitgenossen den berühmten Palast von Alexej Michailowitsch im Dorf Kolomenskoje bei Moskau. Dieser Palast hatte 270 Zimmer und etwa 3000 Fenster und Fenster. Es wurde von den russischen Handwerkern Semyon Petrov und Ivan Mikhailov erbaut und bestand bis Mitte des 18. Jahrhunderts, als es unter Katharina II. wegen Baufälligkeit abgebaut wurde.

Malen

Die Säkularisierung der Kunst manifestierte sich besonders stark in der russischen Malerei. Der größte Künstler des 17. Jahrhunderts war Simon Ushakov. In seiner bekannten Ikone „The Saviour Not Made by Hands“ werden neue realistische Merkmale der Malerei deutlich sichtbar: Dreidimensionalität in der Gesichtsdarstellung, Elemente der direkten Perspektive.

Der Trend zur realistischen Darstellung einer Person und zur Säkularisierung der Ikonenmalerei, die für die Schule von S. Ushakov charakteristisch ist, ist eng mit der Verbreitung der Porträtmalerei in Russland verbunden - einer Parsuna (Person), die echte Charaktere darstellt, zum Beispiel Zar Fjodor Iwanowitsch, M. V. Skopin-Shuisky und andere Die Technik der Künstler ähnelte jedoch immer noch der Ikonenmalerei, das heißt, sie schrieben mit Eierfarben auf Tafeln. Ende des 17. Jahrhunderts. die ersten parsunas, in öl auf leinwand gemalt, tauchen auf und nehmen die blütezeit der russischen porträtkunst im 18. jahrhundert vorweg.

Schlussfolgerungen zur Kultur des 17. Jahrhunderts.

Das 17. Jahrhundert ist eine der schwierigsten und umstrittensten Perioden in der mittelalterlichen russischen Geschichte. Kein Wunder, dass es "rebellisch" genannt wurde - es explodierte mit "Copper"- und "Salt"-Krawallen. Die Unzufriedenheit der Bevölkerung führte zu Aufständen unter der Führung von Ivan Bolotnikov und Stepan Razin. Es ist auch eine Zeit großer Veränderungen in der russischen Kirche. Die Reformen des Patriarchen Nikon führten zunächst zu einer theologischen Kontroverse und dann zu einem Schisma in der Kirche, das das geistige Leben der spätantiken russischen Gesellschaft erschütterte.

Gleichzeitig findet im Zusammenhang mit Veränderungen im wirtschaftlichen Bereich, mit der Herausgabe von Manufakturen, einer gewissen Annäherung an Westeuropa, ein entscheidender Bruch des traditionellen gesellschaftlichen Weltbildes statt. Verlangen nach Wissenschaft, Interesse an Literatur für reale Themen, das Wachstum des weltlichen Journalismus, die Verletzung ikonografischer Kanone in der Malerei, die Konvergenz von Kult und Zivilarchitektur, Liebe zur Dekoration, zur Polychromie in der Architektur und in allen bildenden Künsten - all dies weist auf einen rasanten Prozess der Säkularisierung der Kultur des 17. Jahrhunderts hin. Im Kampf zwischen Alt und Neu, in Widersprüchen, entsteht die Kunst der neuen Zeit. Das 17. Jahrhundert beendet die Geschichte der altrussischen Kunst und öffnet den Weg für eine neue weltliche Kultur.

Der aktive Bau beginnt unmittelbar nach der Vertreibung der Interventionisten ab den 1920er Jahren. In der Architektur dieses Jahrhunderts lassen sich drei Phasen nachweisen: im ersten Viertel des 17. Jahrhunderts. oder selbst in den ersten 30 Jahren hat es noch eine starke Verbindung mit den Traditionen des 16. Jahrhunderts; Mitte des Jahrhunderts - 40-80er - die Suche nach einem neuen Stil, der dem Zeitgeist und seiner Blütezeit entsprach; Ende des Jahrhunderts - eine Abkehr von den alten Techniken und die Zulassung neuer, was auf die Geburt der Architektur der sogenannten neuen Zeit hinweist.

Kirchengebäude vom Anfang des Jahrhunderts unterscheiden sich kaum von den Tempeln des 16. Jahrhunderts. So ist die Kirche der Fürbitte im königlichen Dorf Rubtsovo (1619-1625), die zu Ehren der Befreiung Moskaus von den Polen, dem Ende der "Unruhen", errichtet wurde, eine säulenlose Kirche, die mit einem geschlossenen Gewölbe bedeckt ist sein inneres und äußeres Erscheinungsbild steht in der Nähe der Kirchen aus Godunows Zeit. Das Gebäude steht im Untergeschoss, umgeben von einer zweistöckigen Galerie, hat zwei Gänge, drei Ebenen von Kokoshniks gehen vom Hauptvolumen bis zur kleinen Kuppel. Der Zeltaufbau geht weiter. In Medvedkovo (Gut des Fürsten D. Pozharsky, 1623, jetzt Moskau) wird eine Kirche gebaut, die "wunderbare" Kirche in Uglitsch. Das Zelt erhob sich auch über dem Spassky-Turm des Kremls, als 1628 mit der Restaurierung seiner Mauern und Türme begonnen wurde, die während der Intervention beschädigt worden waren (andere Türme wurden erst 60 Jahre später fertiggestellt). In den 1930er Jahren wurde das größte weltliche Gebäude auf dem Territorium des Moskauer Kremls, der Terem-Palast, gebaut (1635–1636, Architekten Bazhen Ogurtsov, Antip Konstantinov, Trefil Sharutin und Larion Ushakov; später wurde es mehrmals umgebaut). Der Palast wurde im 16. Jahrhundert im Untergeschoss erbaut, er hat einen oberen Hinterhalt, einen „Dach“-Teremok und ein vergoldetes Walmdach. Der für die königlichen Kinder geschaffene Terem-Palast mit all seinen „mehrbändigen“ Wohn- und Diensträumen, dem mehrfarbigen Dekor (das auf weißem Stein gemeißelte „Gras“-Ornament an der Außenseite und das reichste Gemälde von Simon Ushakov im Inneren) ähnelten hölzernen Villen.

In den 40er Jahren nahm ein für das 17. Jahrhundert typisches Gestalt an. Stil - mit malerischer, asymmetrischer Massengruppierung. Architektonische Formen werden komplexer, die Struktur des Gebäudes ist durch das die gesamte Wand bedeckende, meist polychrome Dekor schwer lesbar. Die Zeltdacharchitektur, die Vertikalität ihres integralen Volumens, verliert allmählich ihre Bedeutung, weil Kirchen erscheinen, in denen es zwei, drei, manchmal fünf gleich hohe Zelte gibt, wie in der Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki in Moskau (1649–1652): Drei Zelte des Hauptvolumens, eines über dem Seitenschiff und eines über dem Glockenturm. Außerdem sind die Zelte jetzt taub, rein dekorativ. Von nun an taucht in den patriarchalischen Briefen für den Bau der Kirche immer häufiger der Satz auf: "Und damit die Spitze dieser Kirche nicht bezeltet wurde." Wie bereits erwähnt, blieben Zelte jedoch eine der beliebtesten Formen und in Städten wurden sie hauptsächlich auf Glockentürmen, Vordächern und Toren erhalten, und in ländlichen Gebieten wurden im 17. und sogar 18. Jahrhundert Zeltkirchen gebaut. Wir stellen auch fest, dass in der Auferstehungskathedrale des Neu-Jerusalem-Klosters in Istra bei Moskau, die in den 50er–60er Jahren von Patriarch Nikon erbaut wurde und den Tempel in Jerusalem zu wiederholen scheint, der westliche Teil des Gebäudes (Rotunde) mit einem Zelt endet . Ein bestimmter Tempeltyp breitet sich aus - säulenlos, meist fünfkuppelig, mit dekorativen Seitentrommeln (nur die mittlere ist beleuchtet), mit einer akzentuierten Asymmetrie der Gesamtkomposition durch die unterschiedlich großen Seitenkapellen, einem Refektorium, Vorhallen und ein geschwungener Glockenturm. Ein Beispiel ist die Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki (1631-1634, ein weiteres Datum 1628-1653), die vom reichsten Moskauer Kaufmann Nikitnikov erbaut wurde und mit ihren skurrilen Formen und dekorativen Mehrfarben (roter Backstein, weiße Steinschnitzerei, grün gekachelte Kuppeln, glasierte Kacheln). Der Reichtum des architektonischen Dekors ist besonders charakteristisch für Jaroslawl. Bereits im 11. Jahrhundert gegründet. Jaroslaw der Weise erlebte diese Stadt im 17. Jahrhundert so etwas wie ein „goldenes Zeitalter“ der Kunst. Der Brand von 1658, der etwa drei Dutzend Kirchen, drei Klöster und mehr als tausend Häuser zerstörte, verursachte in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts eine intensive Bautätigkeit. Hier werden große Kirchen mit fünf Kuppeln gebaut, die von Veranden, Gängen, Gängen und Veranden umgeben sind, mit einem obligatorischen Glockenturm mit Walmdach, manchmal Zelten und Gängen (zum Beispiel die Kirche von Elia dem Propheten, die auf Kosten der Kaufleute Skripin gebaut wurde , 1647–1650), immer in perfekter Harmonie mit der Landschaft (die Kirche St. John Chrysostom in Korovniki, 1649–1654, einige Ergänzungen wurden in den 80er Jahren vorgenommen, ihr Glockenturm ist 38 m hoch und mit bunten Dekorationen verziert aus glasierten Kacheln; Johannes-der-Täufer-Kirche in Tolchkovo, 1671–1687, deren Hauptwerk mit fünf Kuppeln durch 10 Kapitel in zwei Schiffen ergänzt wird, alles zusammen bildet eine spektakuläre Silhouette mit 15 Kuppeln). Kirchenhierarchen bleiben dem dekorativen Reichtum der damaligen Architektur nicht gleichgültig. Metropolit Iona Sysoevich baut in großem Umfang seine Residenz in Rostow dem Großen am Ufer des Nero-Sees (Metropolitenkammern und Hauskirche), die gewöhnlich Rostower Kreml genannt wird (70-80er Jahre des 17. Jahrhunderts). Die Pracht der Türme, Galerien, Portale, Tore steht der Pracht der eigentlichen Kirchengebäude nicht nach, und religiöse und bürgerliche Architektur konkurrieren gleichsam in der Festlichkeit des Bildes. Und wie sonst, wenn nicht als Sieg des säkularen Anfangs, könnte man die Architektur des Torturms des Krutitsy Metropolitan Compound in Moskau (1681–1693, ein anderes Datum ist 1694) nennen, dessen gesamte Fassade mit vielen farbige Fliesen?! Es wurde von O. Startsev und L. Kovalev gebaut.

In den letzten Jahrzehnten, oder besser gesagt sogar in den 90er Jahren des 17. Jahrhunderts, tauchte in der russischen Architektur ein neuer Stil auf, eine neue Richtung, die bedingt "Moskau" oder "Naryschkin-Barock" genannt wird, anscheinend weil die meisten Tempel dieses Stils waren in Moskau im Auftrag des edlen Bojaren Naryshkin, meist des Bruders der Königin, Lev Kirillovich, gebaut. Zentrizität und Abstufung, Symmetrie und Massenausgleich, einzeln und früher bekannt, entwickelten sich in diesem Stil zu einem bestimmten System - recht originell, aber aufgrund der angewandten Ordnungsdetails dem europäischen Barockstil (in der äußeren Gestaltung) nahe. Auf jeden Fall ist dies der Name, der der Architektur dieser Richtung zugewiesen wurde (obwohl es nicht Moskau ist, weil es sich außerhalb von Moskau ausbreitet, und nicht Naryshkin - das ist noch enger). Einige Forscher, wie B. R. Vipper, halten es für rechtswidrig, den Begriff „Barock“ allgemein zu verwenden, weil dies „kein Wendepunkt in der Weltanschauung, sondern eine Änderung des Geschmacks, nicht das Aufkommen neuer Prinzipien, sondern die Bereicherung von ist Techniken.“ Die Architektur des „Naryschkin-Barocks“ sei nur „ein Vermittler zwischen alten und neuen künstlerischen Ideen“, eine Art „Herold des romantischen Beginns in der neuen russischen Kunst“. Aber gleichzeitig ist es ganz offensichtlich, dass es ihr an Mut, Radikalität und echter Innovation mangelte, „um als Stil bezeichnet zu werden (siehe dazu: Vipper B.R. Russian Baroque Architecture. M., 1978. S. 17-18, 38–39 ). Typische Beispiele des "Naryschkin-Barocks" sind Kirchen in den Landgütern des Adels bei Moskau. Dies sind seit langem bekannte abgestufte Gebäude (Okttages oder achteckige Vierecke) im Untergeschoss mit Galerien. Das letzte Achteck vor der Kopftrommel dient als Glockenturm, daher der Name dieser Art von Kirchen „Kirchen unter den Glocken“. In abgewandelter Form kam hier die russische Holzarchitektur mit ausgeprägter Zentriertheit und Pyramidalität, mit ruhigem Massenausgleich und organischer Einfügung in die umgebende Landschaft voll zur Geltung. Das markanteste Beispiel des „Moskauer Barock“ ist die Fürbittekirche in Fili (1693–1695), die Gutskirche von L.K. Naryshkin („ein Märchen aus leichter Spitze“, so I. E. Grabar), dessen Vertikalität der eleganten, durchbrochenen Silhouette Analogien in hüft- und säulenförmigen Bügeln findet. Profilsäulen aus weißem Stein an den Rändern, Einfassungen von Fenstern und Türen betonen diesen Anspruch des gesamten architektonischen Volumens nach oben. Nicht weniger schön sind die Kirchen in Trinity-Lykovo (1698–1704) und in Ubory (1693–1697), beides Schöpfungen des Architekten Yakov Bukhvostov. Die Regelmäßigkeit der Konstruktion, die Verwendung einer Stockwerk-für-Geschoss-Ordnung, die Konzentration dekorativer Elemente in den Rahmen von Öffnungen und in den Gesimsen machen diese Strukturen verwandt. In der Kirche des Zeichens im Erbe von B. Golitsyn Dubrovitsy (1690–1704) scheint sie nach dem Plan in der Nähe der Fürbittekirche in Fili zu stehen, eine Abkehr von den Prinzipien der altrussischen Architektur und Annäherung mit barocken europäischen Gebäuden ist geplant.

Die Architektur des 17. Jahrhunderts zeichnet sich durch ihre geografische Größe aus: In Moskau und Umgebung, in Jaroslawl, Twer, Pskow, Rjasan, Kostroma, Wologda, Kargopol usw. wird aktiv gebaut.

Der Prozess der Säkularisierung der russischen Kultur manifestiert sich in dieser Zeit besonders deutlich in der bürgerlichen Architektur. Merkmale der Regelmäßigkeit und Symmetrie sind in den Kammern von V. V. Golitsyn in Moskau in Okhotny Ryad im Haus des Bojaren Troyekurov mit seiner prächtigen Außendekoration zu erkennen. Viele öffentliche Gebäude wurden gebaut: der Druckhof (1679) und der Münzhof (1696), das Ordensgebäude (Apotheke auf dem Roten Platz, 90er Jahre). Das Sretensky-Tor der Irdenen Stadt, das als Gebäude für die Garnison diente, wurde unter Peter zu einer "Navigations-" und mathematischen Schule und besser bekannt als Sukharev-Turm (1692–1701, Architekt Mikhail Choglokov). So werden in der ausgeprägten nationalen Architektur des 17. Jahrhunderts mit ihrer malerischen Asymmetrie, Polychromie des reichen Dekors, Fröhlichkeit und Unerschöpflichkeit der Volksphantasie Merkmale der Regelmäßigkeit gestärkt, einige Techniken der westeuropäischen Architektur, die Verwendung von Ordnungsdetails - Elemente, die wird in den folgenden Jahrhunderten entwickelt.

Vielleicht spiegelten sich in keiner anderen Kunstform wie in der Malerei alle Widersprüche des turbulenten 17. Jahrhunderts so deutlich wider. In der Malerei war der Prozess der Säkularisierung der Kunst besonders aktiv.

Wende des XVI-XVII Jahrhunderts. in gedacht Bildende Kunst das Vorhandensein zweier unterschiedlicher künstlerischer Richtungen. Die erste ist die sogenannte Godunov-Schule, die so genannt wird, weil die meisten Werke von Boris Godunov in Auftrag gegeben wurden. Die Künstler dieses Trends bemühten sich, den monumentalen Bildern von Rublev und Dionysius zu folgen, aber tatsächlich war es archaisch und vielseitig. Die zweite ist die „Stroganov-Schule“, die bedingt so genannt wird, weil einige Ikonen von bedeutenden Leuten der Stroganovs in Auftrag gegeben wurden. Dazu gehörten nicht nur Stroganows Ikonenmaler Solvychegoda, sondern auch Moskauer, zaristische und patriarchalische Meister. Die besten von ihnen sind Procopius Chirin, Nikita, Nazariy, Fyodor und Istoma Savina usw. Die Stroganov-Ikone ist klein, es ist weniger ein Gebetsbild als eine kostbare Miniatur, die für einen Kunstkenner entworfen wurde (es ist nicht für nichts, dass es bereits signiert ist, nicht anonym). Es zeichnet sich durch sorgfältige, sehr kleine Schrift, die Raffinesse der Zeichnung, den Reichtum der Ornamentik, die Fülle an Gold und Silber aus. Ein typisches Werk der „Stroganow-Schule“ ist die Ikone von Prokopy Chirin „Nikita der Krieger“ (1593, Staatliche Tretjakow-Galerie). Seine Figur ist zerbrechlich, ohne die Männlichkeit der heiligen Krieger der vormongolischen Ära oder der Zeit der frühen Moskauer Kunst (man erinnere sich an Boris und Gleb aus der Staatlichen Tretjakow-Galerie), seine Haltung ist manieriert, seine Beine und Arme sind bewusst schwach wird das Outfit betont raffiniert. Es ist notwendig, die Tatsache anzuerkennen, dass die Meister der „Stroganov-Schule“ zweifellos neu in der Tatsache waren, dass es ihnen gelang, die zutiefst lyrische Stimmung einer poetischen, fabelhaften Landschaft mit goldenem Laub von Bäumen und silbrigen, fein gezeichneten Flüssen („ Johannes der Täufer in der Wüste“ aus der Staatlichen Tretjakow-Galerie). Eher für Sammler, Kenner, Amateure geschaffen, blieb die Ikone der „Stroganov-Schule“ in der russischen Ikonenmalerei ein Beispiel für hohe Professionalität, Kunstfertigkeit, Raffinesse der Sprache, zeugte aber gleichzeitig vom allmählichen Sterben des Monumentalen Gebetsbild.

Schisma in der Kirche des 17. Jahrhunderts nahm immer mehr einen sozialen Charakter an und beeinflusste das kulturelle Leben. Streitigkeiten zwischen Schismatikern und der offiziellen Religion führten zu einem Kampf zwischen zwei unterschiedlichen ästhetischen Ansichten. Simon Ushakov (1626–1686), der zaristische Maler und Kunsttheoretiker, stand an der Spitze der neuen Bewegung und proklamierte die Aufgaben der Malerei, die tatsächlich zu einem Bruch mit der altrussischen Tradition der Ikonenmalerei führten. Er skizzierte seine Ansichten in einer seinem Freund Joseph Vladimirov gewidmeten Abhandlung "Wort zur neugierigen Ikonenmalerei" (1667). Ushakov führte sein eigenes Verständnis des Zwecks der Ikone in die traditionelle Idee der Ikonenmalerei ein und hob vor allem ihre künstlerische, ästhetische Seite hervor. Ushakov interessierte sich am meisten für die Beziehung der Malerei zum wirklichen Leben, wir würden sagen, "die Beziehung der Kunst zur Realität". Für die Verteidiger der alten Tradition, angeführt von Erzpriester Avvakum, hatte religiöse Kunst keinen Bezug zur Realität. Sie glaubten, dass die Ikone ein Gegenstand der Anbetung ist, alles darin, sogar die Tafel selbst, ist heilig, und die Gesichter von Heiligen können keine Kopie der Gesichter bloßer Sterblicher sein.

Simon Ushakov, ein ausgezeichneter Lehrer, ein geschickter Organisator, einer der Hauptmaler der Waffenkammer, blieb seinen theoretischen Schlussfolgerungen in seiner eigenen Praxis treu. Seine Lieblingsthemen – „Der Erlöser, nicht von Hand gemacht“ (Staatliches Russisches Museum, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Historisches Museum), „Dreifaltigkeit“ (Staatliches Russisches Museum) – zeigen, wie der Künstler versuchte, sich von den konventionellen Kanons der Ikonenmalerei zu lösen die sich in jahrhundertealten Traditionen entwickelt hatten. Er erreicht eine körperliche Tönung der Gesichter, eine fast klassische Regelmäßigkeit der Gesichtszüge, eine volumetrische Konstruktion, eine betonte Perspektive (manchmal direkt unter Verwendung der architektonischen Hintergründe der italienischen Renaissancemalerei). Ushakovs Trinity (1671, Russisches Museum) hat trotz der kompositorischen Ähnlichkeit mit Rublevs Trinity in der Hauptsache nichts gemeinsam - es fehlt die Spiritualität von Rublevs Bildern. Engel sehen aus wie ganz irdische Wesen, was an sich bedeutungslos ist, ein Tisch mit einer Schale - ein Symbol für das Sakrament des Opfers, der Erlösung - ist zu einem echten Stillleben geworden.

Mitte des 17. Jahrhunderts. Die Waffenkammer wurde zum künstlerischen Zentrum des ganzen Landes, angeführt von einem der gebildetsten Menschen seiner Zeit, dem Bojaren B.M. Chitrovo. Die Meister der Waffenkammer schmückten Kirchen und Kammern, aktualisierten alte Gemälde, malten Ikonen und Miniaturen, „Signierer“ (d. h. Zeichner) fertigten Zeichnungen für Ikonen, Banner, Kirchenstickereien und Schmuck an. Alle herausragenden künstlerischen Kräfte der Rus versammelten sich hier, auch ausländische Meister arbeiteten hier, Aufträge kamen von hier für die Ausführung zahlreicher Wandmalereien, Staffeleien und monumentaler Arbeiten in verschiedenen Techniken.

Freskenmalerei des 17. Jahrhunderts. mit einem großen Vorbehalt kann als monumental bezeichnet werden. Sie haben viel gemalt, aber anders als früher. Die Bilder sind geschreddert und aus der Ferne schwer zu lesen. In den Freskenzyklen des 17. Jahrhunderts gibt es keine Tektonik. Die Fresken bedecken die Wände, Säulen und Architrave mit einem durchgehenden Muster, in dem Genreszenen mit komplizierten Ornamenten verflochten sind. Das Ornament bedeckt die Architektur, Menschenfiguren, ihre Trachten, Landschaftshintergründe wachsen aus ornamentalen Rhythmen. Dekorativismus ist einer davon Unterscheidungsmerkmale Freskenmalerei des 17. Jahrhunderts. Das zweite Merkmal ist Festlichkeit und ständiges Interesse an einer Person in seiner Alltagsleben, die Betonung in den Handlungen der Heiligen Schrift auf die Schönheit der Natur, die menschliche Arbeit, dh das Leben in seiner ganzen Vielfalt. Wir nennen diese Qualität der Malerei im 17. Jahrhundert nicht. Bytowismus, wie es oft in Werken zur Kunst des 17. Jahrhunderts klingt. Keine langweilige Aufzeichnung der kleinen Dinge des Alltags, sondern das wahre Element des Urlaubs, der ständige Sieg über das Gewöhnliche – so sind Wandbilder des 17. Jahrhunderts. Die Jaroslawl-Fresken von Gury Nikitins Artel und Sila Savin oder Dmitry Grigoriev (Plechanow) sind das markanteste Beispiel dafür. Im 17. Jahrhundert Jaroslawl, eine reiche Stadt an der Wolga, entwickelt sich, wie bereits erwähnt, zu einem der interessantesten Zentren nicht nur eines stürmischen gesellschaftlichen, sondern auch künstlerischen Lebens. Kaufleute und wohlhabende Städter bauen und malen Kirchen. Der Meister der Waffenkammer, der bereits erwähnte Gury Nikitin, der 1679 von Simon Ushakov für den Titel "beschwerter" Meister nominiert wurde, malte 1681 die Jaroslawler Kirche des Propheten Elia mit einem großen Artel, Dmitry Grigoriev-Plekhanov mit seinem Artel - die Kirche von Johannes dem Täufer in Tolchkovo . Die Themen der Heiligen Schrift werden zu faszinierenden Kurzgeschichten, ihr religiöser Gehalt bleibt, bekommt aber eine andere, scharfe Nuance, wird in den optimistischen Farben der Weltanschauung der Menschen gemalt. Die Stiche der berühmten Piscator (Fischer)-Bibel, die in Holland veröffentlicht wurde und als Modell für russische Meister diente, bilden die Grundlage vieler Fresken in Jaroslawl-Kirchen, aber sie sind sowohl semantisch als auch stilistisch stark überarbeitet worden. Ein bekanntes Beispiel für das Bild der Ernte in der Szene der Heilung des Jünglings durch den Heiligen: Mit unverhohlener Freude stellt der Wandmaler dar, wie Schnitter in bunten Hemden auf einem goldenen Kornfeld Roggen ernten und zu Garben stricken. Der Meister vergisst nicht, sogar Kornblumen zwischen dem Roggen darzustellen. Wie einer der Forscher (V.A. Plugin) richtig bemerkte, eine Person in den Wandmalereien des 17. Jahrhunderts. tritt selten als nachdenklicher Philosoph auf, Menschen in der Malerei dieser Zeit sind sehr aktiv, sie bauen, kämpfen, handeln, pflügen, fahren in der Kutsche und zu Pferd; alle Szenen sind ziemlich "überfüllt" und "laut". Dies ist typisch sowohl für Moskauer Kirchen (die Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki, die in den 50er Jahren gemalt wurde) als auch für Rostow und insbesondere für Jaroslawl, die wunderbare Denkmäler von Wandmalereien aus dem 17. Jahrhundert hinterlassen haben.

Weltliche Gemälde sind uns nur aus den Zeugnissen von Zeitgenossen besser bekannt, zum Beispiel das Gemälde des Kolomna-Palastes, fabelhaft, wie sein Aussehen, dies ist das Gemälde der Facettenkammer, das uns überliefert ist, aufgeführt von Simon Ushakov zusammen mit dem Diakon Klementyev.

Schließlich wird das Genre Porträt zum Vorboten der Kunst der Zukunft. Das Porträt - parsuna (von dem verzerrten Wort "persona", lateinisch "persona", Persönlichkeit) - entstand um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Bilder von Iwan IV. aus dem Kopenhagener Nationalmuseum, Zar Fjodor Ioannovich (GIM), Prinz M.V. Skopin-Shuisky (TG) sind von der Art der Umsetzung noch nah an der Ikone, haben aber schon eine gewisse Portrait-Ähnlichkeit. Es gibt auch Änderungen in der Sprache des Bildes. Bei aller Naivität der Form, Linearität, Statik, Lokalität gibt es bereits, wenn auch zaghaft, den Versuch einer Schwarz-Weiß-Modellierung.

Mitte des 17. Jahrhunderts. Einige Parsunas wurden von ausländischen Künstlern aufgeführt. Es wird angenommen, dass das Porträt des Patriarchen Nikon mit dem Klerus dem Niederländer Wuchters gehört. Parsuns des Verwalters V. Lyutkin, L. Naryshkin vom Ende des 17. Jahrhunderts. kann man schon Portraits nennen.

In der altrussischen Grafik dieser Zeit finden sich viele Alltagsszenen und Porträts. Das berühmte Evangelium des Zaren Fjodor Alekseevich von 1678 enthält beispielsweise 1200 Miniaturen. Dies sind Figuren von Fischern, Bauern, ländlichen Landschaften. Im handgeschriebenen „Titelbuch“ („Big State Book“ oder „The Root of Russian Sovereigns“) finden wir Abbildungen russischer und ausländischer Herrscher (1672–1673; TsGADA, RE, RNB). Die Entwicklung des Buchdrucks trug zur Blüte der Gravur bei, zuerst auf Holz und dann auf Metall. Simon Ushakov selbst war zusammen mit dem Graveur der Waffenkammer A. Trukhmensky an der Gravur von The Tale of Barlaam and Joasaph beteiligt.

Der Wunsch, echte irdische Schönheit und gleichzeitig sagenhafte Fantasie zu vermitteln, ist charakteristisch für alle Arten künstlerischen Schaffens des 17. Jahrhunderts. Im Terem-Palast waren Wände, Gewölbe, Böden, Kachelöfen, Geschirr, Stoffe, Kostüme der Menschen - alles war mit einem dichten Grasornament bedeckt. Fassaden, Fensterverkleidungen und Veranden des hölzernen Kolomna-Palastes wurden mit geschnitzten Ornamenten geschmückt. Ikonostasen und königliche Tore in Kirchen wurden mit der gleichen üppigen Schnitzerei (immer mehr Hochreliefs) mit Vergoldung geschmückt. Die Liebe zu ornamentalen Mustern spiegelte sich auch in der Steinmetzarbeit wider. Die Vergoldung der Schnitzereien, die Polychromie der Fliesen und die rote Farbe der Ziegel schufen ein festliches und dekoratives architektonisches Bild. Perfektion erreicht die Kunst der glasierten Fliesen, Bau- und Dekorationskeramik. Fliesen in verschiedenen Formen, Farben und Designs bedeckten die Wände entweder vollständig mit einem gemusterten Teppich, wie in der bereits erwähnten Krutitsy Teremka, oder spielten die Rolle von Einsätzen oder verzierten Fenstern um den Umfang, wie in den Jaroslawl-Kirchen von St. John Chrysostomos oder St. Nikolaus der Nasse. Die Herstellung der Fliese erinnerte an die volkstümliche Holzschnitzerei von Lebkuchenbrettern, die den Russen seit langem bekannt ist, und ihre Farbgebung besteht aus Stickereien, Drucken und beliebten Drucken.

Behauptet sich zunehmend im 17. Jahrhundert und runde Skulptur, fast völlig ungewohnt für frühere Epochen. Der Wunsch nach betonter Plastizität, Dreidimensionalität betraf auch Metallprodukte: ziselierte Gold- und Silberkasel von Ikonen, verschiedene Formen von Utensilien, sowohl kirchliche als auch weltliche. Die Liebe zu mehrfarbigen Mustern führte zu einem neuen Aufblühen der Emailkunst, in der die Handwerker von Solvychegodsk und Ustjug besonders berühmt wurden. In den Solvychegodsk-Werkstätten der „bedeutenden Leute der Stroganovs“ entwickelt sich das „Usolsk-Emailgeschäft“: Usolsk-Email zeichnet sich durch das Malen von Blumenornamenten auf hellem Hintergrund aus. In den Wolga-Städten entwickelte sich die Druckkunst: Aus geschnitzten Holzbrettern wird ein buntes Muster auf Leinwand gedruckt.

In dem Muster, das die Nähte ziert, ist die Abkehr von der Malerei zur Schmuckkunst offensichtlich: Der Schwerpunkt liegt auf der Brillanz von Gold und Silber, funkelnd Edelsteine und Perlen. Eine besondere Feinheit und Perfektion erreicht die Goldstickerei in der Stroganov-Nähschule Mitte des Jahrhunderts. Die Goldnäherinnen der „Werkstattkammer der Zarin“ waren berühmt für dekoratives Nähen. Aber auch in der angewandten Kunst, wo die Kanons am längsten aufbewahrt wurden, zeigt sich ein Interesse am Leben; hier, wie in der malerei, ist die tendenz zu gesteigerter dekorativer, üppiger ornamentik deutlich. Alles zeugt vom Sieg eines neuen Kunstgeschmacks, einer neuen Weltanschauung, von der bevorstehenden Wende um die Jahrhundertwende.

Die große altrussische Kunst entstand in engster Verbindung mit der Religion. Das christlich-orthodoxe Weltbild führte zu besonderen Formen von Kirchen und Klosterbauten, entwickelte ein bestimmtes System und eine Technik der Monumental- und Ikonenmalerei. Mittelalterliches Denken führte zu bestimmten Kanons in der Kunst, weshalb in Ancient Rus' große Rolle spielte Beispiele sowohl in der Architektur als auch in der Malerei.

Die altrussische Kunst entwickelte und veränderte sich natürlich in mehr als 800 Jahren ihres Bestehens, aber ihre Formen und Traditionen starben nicht und verschwanden mit dem Aufkommen der neuen Zeit spurlos, sie hatten immer noch ein langes Leben, wenn auch in modifizierter Form Form in der Kunst der folgenden Jahrhunderte.

Die Malerei des 17. Jahrhunderts in Russland offenbarte ihr Potenzial. Zwei Schulen der Ikonenmalerei, Stroganov und Godunov, wurden entwickelt. Auch eine neue Porträtgattung, die Parsuna, wurde entwickelt.

Edle Adlige und einfach reiche Leute versuchten, sich mit Hilfe von Farben auf der Leinwand der Geschichte festzuhalten, und die Künstler wiederum versuchten, nicht nur Gesichtszüge oder Gesichtsausdrücke, sondern auch den Charakter, die Seele der abgebildeten Person zu vermitteln .

Merkmale der russischen Malerei des 17. Jahrhunderts

Die russische Malerei des 17. Jahrhunderts erfuhr große Veränderungen. Die Künstler strebten nach dem Neuen, dem Unbekannten, aber gleichzeitig versuchten sie, nicht zu vergessen und nicht von den Altgläubigen-Dogmen abzuweichen.

Aus diesem Grund gab es zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Russland eine Art Spaltung der Ikonenmalerei in zwei dominierende Schulen: Stroganov und Godunov. Diese beiden Schulen oder Richtungen arbeiteten in zwei Hauptstilen, die einander nicht ähnlich waren.

Die Godunov-Schule stand auf jenen Kanons der Malerei, die sich im Laufe der Zeit entwickelt haben. Sie entwickelte keine neuen Farben oder Bilder, sondern orientierte sich an den Traditionen der Vergangenheit. Die Stroganov-Schule entwickelte neue Kanons; sie verwendete leuchtende Farben, raffiniertes Zeichnen und eine komplexe, facettenreiche Komposition in der Ikonenmalerei. Mit anderen Worten, wenn die Godunov-Schule rückwärts ging, dann lief die Stroganov-Schule sprunghaft vorwärts und entwickelte ihr kreatives Potenzial.

Parsuna

Zar Alexei Michailowitsch und die Waffenkammer kritisierten eifrig und verbot jede Abweichung von den bereits etablierten Kanons der Malerei. Simon Ushakov leitete lange Zeit das Malergeschäft in Russland. Und trotz der Verbote achtete er in erster Linie immer auf das Bild eines menschlichen Gesichts. Das war seine Leidenschaft. Vielleicht begann sich daraus in Russland eine neue Bildgattung zu entwickeln.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts tauchte in Russland ein neues Genre auf - Parsuna. Es war das erste Porträtgenre in Russland. Ursprünglich wurde es nur in der Ikonenmalerei verwendet, aber nach einigen Jahren begannen Künstler, Porträts von echten Menschen zu machen, die sich in Massen vor ihren Türen aufstellten. Dass Ihr Porträt sehr populär wurde, war prestigeträchtig.

Parsuna wurde in der Tradition der Ikonenmalerei aufgeführt. Auf dem Parsun wurden die Herkunft und der hohe Titel des Dargestellten betont. Die Aufmerksamkeit des Künstlers richtete sich weniger auf das Gesicht als auf Accessoires: Wappen, Inschriften, reiche Details.

Schule in Jaroslawl

Ein weiteres neues Phänomen in der Malerei des 17. Jahrhunderts in Russland war die Jaroslawler Meisterschule. Seine Besonderheit war, dass sie begannen, traditionelle kirchlich-biblische Fresken in Form von darzustellen gewöhnliches Leben. Eine dieser Kreationen war die Komposition "Harvest". Manchmal wird diese Schule als "Pionier" der russischen Landschaft bezeichnet. Sie war einer der Faktoren, die zur Entwicklung der Landschaft als Gattung der Malerei führten.

Ergebnisse

Die russische Malerei des 17. Jahrhunderts legte die ersten Bausteine ​​für die Entwicklung der Porträt- und Landschaftsmalerei in Russland. Im 17. Jahrhundert tauchten künstlerische Meister auf, die zum ersten Mal beschlossen, sich von den gewohnten Regeln zu lösen und etwas Neues, noch Ungewohntes, aber Überraschendes auszuprobieren. Seit dieser Zeit begann sich die Malerei zu entwickeln und nicht still zu stehen. Künstler begannen, ihre Fähigkeiten zu testen, indem sie Menschen so darstellten, wie sie mit ihren Lastern und Qualitäten waren. Dies ist eine Zeit großer Veränderungen und Erkenntnisse, die zu den Seiten der Kunstgeschichte beigetragen haben.

Das wachsende Interesse an der Kunst des 17. Jahrhunderts in der realen, lebendigen Welt wurde damit zum Ausdruck gebracht große Stärke und in der Materie. Aber neben neuen Trends und Einflüssen der westlichen und östlichen Kunst spiegelte die dekorative Kunst auch die Ideen der Verteidiger der Antike wider, die die ursprünglichen Traditionen vor den Anhängern der westlichen Richtung in der Entwicklung der russischen Kultur verteidigten. Die führenden Vertreter der neuen Richtung wie A. L. Nashchokin warnten jedoch vor blinder Nachahmung westlicher Vorbilder, fremder Mode und des Alltags. Da die Hauptkunden damals Adlige und Kaufleute waren, beeinflussten deren Bedürfnisse und Vorlieben natürlich in erster Linie das künstlerische Schaffen. Dekorative und angewandte Kunst wurden zunehmend in den Alltag einbezogen und dienten seinen Bedürfnissen.

Die neuen Bestrebungen der Zeit, die Sehnsucht nach Materialität koexistieren in der Kunst mit Eleganz und Luxus. Die helle Brillanz und der Reichtum russischer Muster erreichen jetzt eine besondere Pracht und werden charakteristisch für eine breite Palette von Produkten russischer Kunsthandwerker. Als Eingeborene des Volkes drückten sie weitgehend den Geschmack des Volkes aus.

Wie bereits im vorigen Kapitel erwähnt, wurden die wichtigsten Handwerkskräfte in der Waffenkammer des Moskauer Kremls konzentriert.
Gefühl irdische Schönheit, Interesse an realen Formen - einerseits, andererseits - fabelhafte Fantasie durchdrang alle Arten künstlerischen Schaffens. Das Leitprinzip war die Ornamentik, die die Motive der Tierwelt übersetzte. Charakteristisch in dieser Hinsicht ist der Terem-Palast des Kremls. Hier ist die gesamte Architektur innen und außen von Mustern durchdrungen. Wände, Gewölbe, Böden, Kachelöfen, Stoffe, Gebrauchsgegenstände – alles scheint mit einem dick gewundenen Kräuterornament umflochten zu sein. Der Kolomna-Palast wurde von Zeitgenossen als achtes Weltwunder bezeichnet. Die Schnitzerei bedeckte die Lücken, Architrave und Stürze, Veranden mit Ornamenten und gab dem Bild ein festliches Aussehen.

Üppige durchbrochene Schnitzereien, bei denen das Hauptelement ein Pflanzentrieb, eine Blume, eine Weintraube waren, schmückten die Ikonostasen, die königlichen Tore - sie glänzten in Tempeln mit Vergoldung. Die dichte Musterung des "Steinschnitts" brachte einen skurrilen Rhythmus in das Bild architektonische Strukturen. Hier die Erfahrung reicher Traditionen und die Liebe zum Ornament russischer Meister und dieses besondere Lager ihres künstlerischen Denkens, in dem Folklore-Fiktion, Fiktion hatte sehr wichtig. Die außergewöhnliche Fertigkeit russischer Schnitzer in Holz und Stein wurde in vielen Kunstensembles des 17. Jahrhunderts brillant geprägt. Dazu gehören vor allem die Stein- und Holzschnitzereien des Nowodewitschi-Klosters, der St.-Nikolaus-Kirche "Big Cresg", des Krutitsky-Turms in Moskau. Bilder von fantastischen und ganz realen Tieren wie Luchs, Eichhörnchen usw. werden in ein dichtes Blumenmuster mit Motiven von Ranken, Blättern, Blumen eingewebt.

Eine besondere Monumentalität durchdringt die künstlerische Struktur der feinen, fast schmuckvollen, dreidimensionalen Schnitzereien von Ikonostasen, beispielsweise der Ikonostase der Smolensk-Kathedrale des Nowodewitschi-Klosters in Moskau, die 1683–1685 von den Meistern der Kreml-Waffenkammer angefertigt wurde von Osip Andreev und Stepan Sinowjew, sowie die königlichen Tore in Kirchen Moskau (z. B. in der Kirche Mariä Himmelfahrt auf Pokrovka, 1696, Abb. 115) und vielen anderen Städten.

Die neuen Prinzipien der Malerei, die zunehmende Dreidimensionalität der Figuren und die Vielfalt der Komposition in der Ikonenmalerei verlangten nach anderen Rahmen. Die Ikonostasenschnitzerei wird zu einem Hochrelief und ist so reich an Formen, dass manchmal die rhythmische Klarheit des geschnitzten Ornaments verloren geht. Aber auch jetzt verlässt der Sinn für Synthese den Meister nicht, der Aufruhr bizarrer Muster wird durch die strenge architektonische Logik des Ganzen zurückgehalten (die Ikonostase der Kirche des Zeichens in Dubrovitsy, 1690-1704).

Die Schnitzereien, kombiniert mit der Farbigkeit der Malerei, Fliesen und farbigen Ziegeln, schaffen ein festliches und dekoratives Bild der Architektur des 17. Jahrhunderts (Plaketten der Neuen Jerusalemer Kathedrale).

Glasierte Fliesen - grün, in verschiedenen Farbtönen, die zu Beginn des Jahrhunderts auftauchten, werden allmählich farblich angereichert, die Plastizität ihrer Formen wird verstärkt.

In der Mitte des 17. Jahrhunderts entwickelte sich die Kunst der Baukeramik, das wertvolle Geschäft genannt, rasant. Fliesen schmücken die Fassaden von Kirchen nicht nur in Moskau, sondern auch in anderen Städten. Sie sind charakteristisch für die Stadtarchitektur in Jaroslawl, Rostow und Solvychegodsk geworden und verleihen ihr eine besondere Eleganz und Fröhlichkeit. Die Kacheldekoration der Jaroslawler Kirchen von Johannes Chrysostomus in Korovniki (1649-1654), Nikola Wet (zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts) und anderen zeugt von den künstlerischen Leistungen russischer Meister.

In Form, Muster und Farbe unterschiedliche Fliesen wurden manchmal als dekorative Einlagen oder als kostbare Fensterrahmen verwendet, die das Gebäude breit umlaufen, ansonsten bedeckten sie nach dem Prinzip eines gemusterten Teppichs die Wände vollständig, wie bei der Dekoration des Turms von die Krutitsy Metropolitan Compound.

Die Fliesenproduktion, die im Iberischen Kloster Valdai florierte, das von Patriarch Nikon gleich zu Beginn seines Baus nach Neu-Jerusalem verlegt wurde, ist außerordentlich gewachsen. Unter den Meistern waren Ignat Maksimov, Stepan Ivanov Polubes und andere für ihre Kunst berühmt. (Kacheln der Kirche des Gregor von Neocaesarea in Moskau, 1679).

116. Gavrila Ovdokimov "mit Kameraden". Leiter des Zarewitsch Dmitri. Detail eines silbernen Schreins aus der Erzengel-Kathedrale des Moskauer Kremls. 1630
117. Silberschale mit Usol-Email. 17. Jahrhundert
118. Mantel der Sakkos des Metropoliten Dionysius. 1583
119. Silberner Bruder. Erstes Drittel des 17. Jahrhunderts

Das Blumenmotiv wird in Fliesen mit Kartuschen und anderen dekorativen Formen kombiniert, die im Grunde den volkstümlichen Holzschnitzereien ähneln. Das eigentliche Prinzip der Herstellung einer Fliese, das technisch an die Lebkuchenkunst erinnert, ist damit verwandt. In plastischen Ton wurde das Muster wie in Teig mit einer aus Holz oder Stein geschnitzten Form eingeprägt.

Polychrome Fliesen waren in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts weit verbreitet. Grün, Türkis, Blau, Gelb, weiße Farben undurchsichtige Glasuren funkelten in fröhlicher Vielfarbigkeit und brachten eine besondere malerische und festliche Atmosphäre nicht nur in die äußere Dekoration der Architektur, sondern auch in ihren Innenraum, wo elegante Muster mit Bildern von fabelhaften Vögeln und Pflanzen auf den Ofenkacheln ein dekoratives Zentrum der Innenräume bildeten der Bojarenkammern und Bürgerhäuser.

Neben der Schnitzerei auf Holz und Stein nahm in dieser Zeit die Rundplastik eine herausragende Stellung ein. Sie spiegelte besonders deutlich den Kampf zwischen den traditionellen und den neuen realistischen Tendenzen wider. Die Themenwahl war noch durch die Konventionen alter Traditionen begrenzt. Die wachsenden realistischen Bestrebungen in der Kunst erhöhen jedoch allmählich das Volumen und die Statuen in der Skulptur. Beispielsweise werden in der Skulptur von Paraskeva Pyatnitsa aus dem Peter-und-Paul-Kloster Brjansk (XVII. Jahrhundert) und in der Figur eines alten Mannes (XVII. Jahrhundert, Russisches Museum) realistische Elemente in der Interpretation des Gesichts mit dem traditionellen „ blocky“ buntes Bild der Figur.

Einen besonderen Platz nimmt die Skulptur ein Perm-Territorium(Staatliche Kunstgalerie Perm). Hier lebten heidnische Traditionen, die das Aufblühen der lokalen Holzskulptur bestimmten. Frische, Unmittelbarkeit der Volkskunst zeichnet Kultplastik aus. Die Verallgemeinerung der Form, ein klarer linearer Rhythmus, die Ausdruckskraft der Silhouette, großer Ausdruck sind dem Menschen innewohnend warme Bilder Heiligen: der leidende Christus, Nikola Mozhaisky und andere (Ende des 17. Jahrhunderts). Oft gab es skulpturale Bilder von Vögeln, einem Löwen. Volumetrisch geschnitzte Löwen, vital ausdrucksstark, wurden am Fuße der "Orte" der Tempelbauer platziert, waren ein Detail geschnitzter Möbel des 17. Jahrhunderts (Museums-Reservat des 16.-17. Jahrhunderts "Kolomenskoye").

Der Wunsch nach Plastizität, Fülle der volumetrischen Form drückte sich auch in Metallprodukten aus. Die Ikonen sind mit saftig ziselierten Reliefs aus Gold- und Silbergewändern verziert, die die Malerei nun fast vollständig verbergen. Manchmal nähern sich ziselierte Figurenbilder gewissermaßen runden Skulpturen. Große Puttenköpfe sind auf silberne Ripids gelötet. Von besonderem Interesse ist ein ziselierter silberner Schrein aus der Erzengelkathedrale des Moskauer Kreml mit einer skulpturalen Darstellung von Zarewitsch Dmitri (1630, Staatliche Rüstkammer, Abb. 116). Eine feine Modellierung der Gesichtsform mit Porträtzügen wird kombiniert mit einem reichen Muster aus punzierten floralen Ornamenten und Edelsteinen, die den Kronenkranz zieren. Die Autoren dieser Arbeit sind Gavrila Ovdokimov und fünf weitere Silberschmiede aus der Waffenkammer.

Der Kupferguss war im 17. Jahrhundert nicht weniger entwickelt. Die Formen des russischen Gold- und Silbergeschirrs bleiben ruhig, im Umriss abgerundet. Sie verliert nicht die Nähe zu volkstümlichen Holzutensilien. Moskauer Ziselierer jener Zeit bewiesen schöpferischen Einfallsreichtum, bewährten neue Techniken der Dekoration und Ornamentik, geleitet von einem unverwechselbaren Sinn für Harmonie, Materialkenntnis und Verständnis der Dinge als Synthese aus skulpturaler Form und Dekor. Ein ausgezeichneter Ausdruck dafür ist der Bruder des 17. Jahrhunderts - die nationale russische Form der Glückwunschschale (erstes Drittel des 17. Jahrhunderts, Staatliches Historisches Museum, Abb. 119). In Fjodor Ewstignejews silberner Bratina von 1642 (Staatliche Waffenkammer) umhüllt das ziselierte Kräuterornament die Form gleichsam und betont ihre Rundung durch den gemessenen Rhythmus kriechender Locken.

Die Zierligatur der Inschrift verläuft entlang des glatten Hintergrunds der Halskrone, die die Form nach oben rafft; Es sagt, dass wahre Liebe wie ein unzerbrechliches goldenes Gefäß ist. Die kegelförmigen Mützen der Brüder ähneln den Helmen altrussischer Ritter oder den Zwiebelkuppeln russischer Kirchen. Die Form der Brüder hat sich im Laufe der Jahrhunderte kaum verändert, während die Silberkelle, genannt Schöpfschwan, im 17. Jahrhundert große Veränderungen erfährt. Die Proportionen verändern sich, die Silhouette ist bootsförmig. Die Ähnlichkeit mit einem schwimmenden Vogel wird ausgelöscht, da die Schöpfkelle bis zum Ende des Jahrhunderts ihren praktischen Zweck verliert. Während dieser Zeit erscheinen neue Formen von Gerichten; Gläser, Tassen, Becher, Becher mit schwarzem Blumenornament. Er bedeckte die Oberfläche des Dings dicht und zerstörte dennoch nie die Architektonik seiner Form. Dem Handwerker gelang es, glatte Flächen der Oberfläche, den Glanz oder die Mattheit des Metalls im Kontrast zu den dichten Mustern zu nutzen, um die Plastizität des Materials selbst, das Design des Dings, die skulpturale Form zu offenbaren, zu betonen. Das Ornament hat sich im Laufe des Jahrhunderts verändert. Strenge Einfachheit, uneingeschränkter, natürlicher Fluss
der Rhythmus der geschweiften Linien. Bis zum Ende des Jahrhunderts kommt es zu einer dichten Raumfüllung mit einem komplexen Geflecht aus abgerundeten Stielen und Blättern. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts verliert das florale Ornament seinen abstrakten Charakter. Seine Formen nähern sich dem Natürlichen, in der Natur Beobachteten. Saftige Bilder von Blumen, Blättern und Kräutern werden größer, die Rhythmen freier. Ihre Elastizität vermittelt den Eindruck von Wuchsstärke. Dies ist zum Beispiel das Niello-Ornament eines silbernen Fußes aus dem späten 17. Jahrhundert (GIM) und ein silberner Stab von Prinzessin Sophia, hergestellt von den Meistern Mikhail Mikhailov und Andrei Pavlov (1685, State Armory). Die vergoldeten Blüten und Blätter der Dauben schimmern sanft vor schwarzem Samtgrund.

Die bunte Musterung des russischen Kunsthandwerks des 17. Jahrhunderts ist ohne die bunten Emaillen und Ziernähte nicht vorstellbar. Die Emailkunst wurde zu dieser Zeit von den Meistern von Moskau, Solvychegodsk und Veliky Ustyug zu großer Höhe gehoben. Die Handwerker von Solvychegodsk wurden besonders berühmt für ihre Emailmalerei (letztes Viertel des 17. Jahrhunderts), mehrfarbig, hell im Vergleich zu den hellen, hellen Tönen der Moskauer Emaille. In den königlichen Werkstätten wurden die Rahmen von Ikonen und Evangelien mit Emaille verziert. Herausragende Denkmäler des Moskauer Schmucks sind Gegenstände aus der "stabilen Schatzkammer". Helle Emails schmücken den goldenen Rahmen des Sattels des „großen Outfits“ von Zar Michail Fedorovich (1637-1638, Staatswaffenkammer), hergestellt von Meister Ivan Popov „mit Kameraden“.

Emaille funkelte auf den glatten Oberflächen von Gegenständen, war Teil des filigranen Ornaments, wurde über die abgerundeten Oberflächen von Gefäßen gegossen und bedeckte das Relief ziselierter Bilder. Emaille in verschiedenen Schattierungen, dicht und transparent, als würde es von innen leuchten, konkurrierte mit Edelsteinen. Ein typisches Beispiel ist der goldene und emaillierte Kelch, eine Spende des Bojaren A. I. Morozov im Jahr 1664 an das Chudov-Kloster. Saphire, Smaragde, Rubine und Diamanten brennen in mehrfarbiger Emaille. Russische Handwerker hatten engen Kontakt mit besuchenden griechischen Juwelieren und Handwerkern aus europäischen Ländern.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurde ein spezieller Moskauer Stil für kleine Grasornamente entwickelt.

In Solvychegodsk, das in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts zu einem bedeutenden Zentrum der angewandten Kunst wurde, entwickelte sich in den Werkstätten der „vornehmen Leute“ der Stroganovs das „Usolye-Emailgeschäft“. Usolsky-Emaille zeichnet sich durch die weiche Farbe der Blumen- und Grasmalerei vor hellem Hintergrund aus (Abb. 117). Das innen und außen mit weißer Emaille gefüllte Objekt wurde mit Kräuterornamenten, großen Tulpen mit saftigen Blättern und charakteristischer Schattierung aus bunten Flecken an Schattenstellen bemalt. Es gab auch Handlungsbilder: Jagdszenen, Kompositionen „Signs of the Zodiac“, „Five Senses“ (Silberschale, Ende des 17. Jahrhunderts, State Armory).

Von den Werkstätten der Stroganovs verbreitete sich die Emailkunst im gesamten russischen Norden. Bei Veliky Ustyug wurde das filigrane Ornament mit türkisfarbener, grüner und schwarzer Emaille mit weißen, schwarzen und gelben Akzenten in Form von Punkten überzogen. Solche Emails, die Ikonenrahmen schmückten, haben viel mit nordischer Volksmalerei auf Holz gemeinsam (z. B. silberne Tsata mit Emaille, 17. Jahrhundert, Staatliches Historisches Museum).

Die angewandte Kunst blühte im 17. Jahrhundert in den Posad-Städten der Wolga-Region auf: Holzschnitzerei, Schmiedekunst, Ziegelherstellung, Silberschmiedekunst erreichten große Höhen und künstlerische Originalität. Im 17. Jahrhundert entwickelte sich die Druckkunst in den Städten der Wolga-Region. Ein farbenfrohes Muster wurde auf Leinwände aus geschnitzten Holzbrettern gedruckt, die von speziellen Handwerkern hergestellt wurden. In dieser Branche hat sich eine hohe Zierkultur entwickelt.

Seit der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts hat sich das Gesichtsnähen immer weiter von der Malerei entfernt und im Gegenteil der Schmuckkunst angenähert. Der Glanz von Gold und Silber, das Funkeln von Edelsteinen und Perlen sind heute beim Nähen von überragender Bedeutung und werden vor allem von Zeitgenossen geschätzt (Nikolas Leichentuch mit Leben, 2. Hälfte 17. Jahrhundert, Staatliches Historisches Museum).

Details der Kleidung waren vollständig mit kostbaren Stickereien bedeckt, manchmal sogar komplett. Zum Beispiel ist die Sakkos des Patriarchen Nikon (1655, State Armory) mit gestickten Bildern von Propheten und Heiligen geschmückt. Perlen wurden entlang der Kontur des Bildes genäht. Die Stroganov-Nähschule aus der Mitte des 17. Jahrhunderts zeichnet sich durch hohe technische Meisterschaft und Monumentalität des Stils aus. Hier hat das Alato-Nähen große Höhen erreicht.

Neben dem Gesichtsnähen gewann das dekorative Nähen in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts an Bedeutung. Sie waren berühmt für die Goldnäherinnen der „Werkstattkammer der Zarin“, die Sättel, Tücher und Schultern von Kirchengewändern mit Stickereien verzierten. Das Auffädeln mit Perlen, das Nähen mit Goldfäden und Seide hatten viel gemeinsam mit Volksstickerei, und zwar nicht nur in der Ähnlichkeit der Motive, sondern auch im Sinne von Rhythmus, Linie, Farbe, in der Poetik der Kunst selbst. Charakteristisch ist der Umschlag mit dem Bild von Sergius von Radonesch mit seinem Leben - dem Beitrag von A. I. Stroganova zum Trinity-Sergius-Kloster (1671).

Das Kunsthandwerk des 17. Jahrhunderts spiegelte den kulturellen Aufschwung Russlands wider. Einerseits geht eine bedeutende Ära der altrussischen Kunst zu Ende, andererseits wird der Weg zu einer neuen geebnet.

Bereits im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts waren die ersten Vorboten weltlicher Kunst des 18. Jahrhunderts sichtbar – es entstanden Werke, die ein neues Weltbild der aufstrebenden Zeit in sich trugen. Der Luxus von Mustern wird durch Werke von außergewöhnlicher Einfachheit und Strenge ersetzt, wie die Silber- und Niellostäbe von Prinzessin Sofya Alekseevna (1685, State Armory). Schon das Angebot an Haushaltsgegenständen erweiterte sich enorm und brachte die angewandte Kunst näher an den Alltag. Die Beherrschung der Leistung wird zu außergewöhnlicher Kunstfertigkeit gebracht. In der dekorativen Kunst wurde die Erfahrung der russischen Ikonenmalerei mit ihrem plastischen Ansatz, dekorativer Farbe und Linearität gebrochen. In allen Zweigen der angewandten Kunst manifestierte sich der Wunsch, die Formen der Natur mehrfarbig zu vermitteln. Skulpturale saftige Holzschnitzerei ersetzt flache, durch abstrakte Formen. Oft wurden Plots und Techniken der Buchkunst entlehnt, beispielsweise bei der Verzierung von Usolye-Emails oder Niello. Die unter russischen Meistern weit verbreitete Piscator-Bibel war die Quelle neuer Trends. Dennoch wurden alle Einflüsse aus Ost und West auf kreative und originelle Weise in der altrussischen Kunst gebrochen.

Das Interesse am Leben, der realistische Anspruch in Kunst und Handwerk drückte wie in der Malerei die Herausbildung eines neuen Weltbildes aus, das die Zeit der Wende um die zwei Jahrhunderte kennzeichnet.