Am 14. November 1840 wurde einer der berühmtesten Impressionisten der Welt geboren – erkennbar an Farbe und dünnen Landschaften voller Luft und Licht – Claude Monet. Er wurde durch den Willen des Schicksals Künstler - 100.000 Franken, die er im Lotto gewann, erlaubten ihm, die Arbeit eines Boten zu verlassen und sich der Malerei zu widmen. Es gab jedoch viele überraschende Dinge im Leben von Claude Monet.

Der große Impressionist begann mit Karikaturen

Claude Monet wurde in Paris geboren, aber nach 5 Jahren zog seine Familie nach Le Havre (Normandie), wo der Vater des zukünftigen Künstlers ein Lebensmittelgeschäft unterhielt. Die Eltern von Claude Monet waren äußerst geizig, deshalb begann Monet im Alter von 14 Jahren, um Taschengeld zu verdienen, Karikaturen von Freunden und Anwohnern zu zeichnen. Die Zeichnungen, die der junge Künstler für 15-20 Franken verkaufte, waren unglaublich beliebt. Trotz seiner Leidenschaft für Karikaturen interessierte sich Monet nie für Malerei, bis er Eugene Boudin, seinen zukünftigen Mentor, traf, der ihn einlud, unter freiem Himmel zu malen.

Monet hat den Begriff „Impressionismus“ geprägt.

Der Begriff „Impressionismus“ entstand dank Monets Gemälde „Impression. Aufgehende Sonne“, die auf der ersten großen Ausstellung der Impressionisten im Atelier des Fotografen Nadar im Frühjahr 1874 ausgestellt wurde und „Rebellenausstellung“ hieß. Insgesamt zeigte die Ausstellung 165 Werke von 30 Künstlern. Es ist erwähnenswert, dass den Stillleben und Landschaften von Monet und seinen Mitarbeitern damals rebellische Stimmungen, Unmoral und Versagen vorgeworfen wurden. Geißel der Ausstellung, der wenig bekannte Journalist Louis Leroy, nannte die Künstler in seinem Artikel in der Zeitschrift „Le Charivari“ abfällig „Impressionisten“. Aus der Herausforderung nahmen die Künstler diesen Beinamen an. Im Laufe der Zeit hat es seine ursprüngliche negative Bedeutung verloren.

Das ist interessant die beste arbeit vom Impressionismus in der Malerei betrachten sie auch das Gemälde von Claude Monet. Und das, obwohl der Künstler, als er anfing, die berühmten „Wasserlilien“ zu malen, bereits das Augenlicht verlor.

Die meisten von Monets Gemälden zeigen dieselbe Frau.

Wenn Sie sich die Frauen in den Gemälden von Claude Monet genau ansehen, wird es definitiv Camille Domcus geben, sein Lieblingsmodell und seine Lieblingsfrau. Sie stand ihm für viele Leinwände Modell, darunter so bekannte wie „Die Dame in Grün“, „Frauen im Garten“, „Madame Monet mit ihrem Sohn“, „Porträt von Claude Monets Frau auf dem Sofa“. Madame Monet brachte der Künstlerin zwei Söhne zur Welt (das erste Kind noch vor der offiziellen Hochzeit). Die Geburt ihres zweiten Kindes schwächte jedoch ihre Gesundheit und bald nach der zweiten Geburt starb sie. Claude Monet malte ein posthumes Porträt seiner Frau.

Das teuerste Gemälde von Claude Monet

Das 1919 von Monet gemalte Gemälde „Teich mit Seerosen“ oder, wie diese Leinwand auch genannt wird, „Teich mit Seerosen“, ist das teuerste Gemälde dieses Meisters. Im Jahr 2008 wurde dieses Gemälde bei Christie`s Auktion in London für sagenhaftes Geld verkauft - 80 Millionen US-Dollar. Heute belegt The Water Lily Pond den neunten Platz in der Rangliste der teuersten versteigerten Gemälde der Welt. Wer dieses Gemälde gekauft hat und wo es sich heute befindet, ist nicht bekannt. Private Sammler, die solche Werke erwerben, ziehen es in der Regel vor, anonym zu bleiben.

Claude Monet gehört zu den Top 3 der teuersten Künstler der Welt

Claude Monet belegt nach den Ergebnissen offener Auktionen bis 2013 die dritte Zeile in der Rangliste der teuersten Künstler der Welt. Insgesamt wurden 208 seiner Werke für insgesamt 1.622,200 Mio. USD versteigert. Die durchschnittlichen Kosten für ein Gemälde von Monet betragen 7,799 Mio. USD. Die teuersten Gemälde von Monet werden berücksichtigt
„Wasserlilien“ (1905) – 43 Millionen Dollar
Die Eisenbahnbrücke in Argenteuil (1873) – 41 Millionen Dollar
„Seerosen“ (1904) – 36 Millionen Dollar
„Waterloo-Brücke. Bewölkt "(1904) - 35 Millionen Dollar.
Pfad zum Teich (1900) – 32 Millionen Dollar
Seerosenteich (1917) – 24 Millionen Dollar
Pappeln (1891) - 22 Millionen Dollar
"Parlamentsgebäude. Sonnenlicht im Nebel (1904) – 20 Millionen Dollar
Parlament, Sonnenuntergang (1904) - 14 Millionen Dollar

Wo werden Monets Gemälde heute aufbewahrt?

Heute sind die Werke des Künstlers auf der ganzen Welt „verstreut“. Die größten Besitzerländer von Monets Gemälden sind Russland, die USA und Großbritannien. Sie finden die Gemälde des Künstlers jedoch auch in vielen anderen Museen im In- und Ausland. Mehrere Gemälde von Claude Monet befinden sich sogar in Museen in Neuseeland. Ein bedeutender Teil der Werke des Künstlers gehört Privatsammlungen, daher sind diese Gemälde für die breite Öffentlichkeit geschlossen. Nur manchmal gelangen einmal erworbene Werke aus den Händen von Sammlern wieder in Museen oder landen auf Auktionen.

In Russland im Puschkin-Museum im. WIE. Puschkin gibt es so berühmte Gemälde wie "Flieder in der Sonne" von 1873 und "Frühstück im Gras" von 1866. Das Gemälde "Parlament, Nebeleffekt" befindet sich in St. Petersburg in der Eremitage. Mehrere Werke von Claude Monet werden im Musée d'Orsay in Paris aufbewahrt, viele Werke befinden sich auch in den USA, im Metropolitan Museum of New York, im Nelson-Atkins Museum of Art und auch im Museum of Art in Philadelphia, in London werden Monets Gemälde ausgestellt Nationalgallerie.

Monet-Gemäldediebstahl

Gemälde von Claude Monet sind immer wieder zum Objekt der Begierde von Kriminellen geworden. Eine Tatsache ist bekannt, als der Dieb von Monets Gemälde „Der Strand von Pourville“, das im Polnischen Nationalmuseum ausgestellt war, die Mitarbeiter auslachte, indem er das berühmte Meisterwerk aus dem Rahmen schnitt und stattdessen eine minderwertige Reproduktion einfügte. Wir bemerkten den Austausch am 19. September, und wann genau der Diebstahl stattfand, blieb unbekannt. Es stellte sich heraus, dass der Täter ein 41-jähriger Mann war, und das gestohlene Gemälde wurde in seinem Haus gefunden.

Im Oktober 2012 wurde das Kunstel Museum in Rotterdam ausgeraubt. 7 Meisterwerke wurden gestohlen, darunter die berühmte „Waterloo Bridge“ von Claude Monet. Dieser Raub war der größte seit 20 Jahren. den letzten Jahren. Nach einer Untersuchung vermuten Experten, dass die gestohlenen Gemälde möglicherweise verbrannt wurden.

Claude Monet wurde vor 173 Jahren geboren, seine Gemälde sind heute auf dem Gipfel der Popularität, und besonders leidenschaftliche und talentierte Anhänger des Impressionismus widmen ihm ihre Kreationen. Ein Beispiel dafür ist Claude Cormier, inspiriert von den Gemälden von Claude Monet.

Der Seerosen-Zyklus, den Monet 37 Jahre lang von 1889 bis 1926 beschäftigte, umfasst mehr als 250 Werke unterschiedlicher Kompositionen und Farben. An sich kann der „Zyklus“ als Indikator für die kreative Entwicklung Monets gelten, der konsequent den Weg der Abkehr von der klassischen Landschaft in Richtung „Impressionsmalerei“ verfolgte. Monet kehrte immer wieder in seinen Wassergarten zurück und offenbarte die koloristischen und kompositorischen Möglichkeiten eines reinen Farbflecks. Am Ende von kreative Karriere, näherte sich Monet dem Abstraktionismus als reines Spiel von Formen und Farben, aber er hat diese Grenze nie überschritten.

Die Analyse der Vielfalt der Werke der Serie „Seerosen“ erlaubt uns, sie nach fünf Hauptkriterien einzuordnen: Entstehungszeit, Raum und Tiefe, Schreibtechnik, Werkformat und Farbgebung.

Nach Erstellungszeit Gemälde des Zyklus "Wasser" lassen sich in drei Perioden einteilen:

• 1. 1889-1901 - die Jahre der Entstehung des Gartens in Giverny und die Arbeit an anderen Gemäldeserien. Dieser Zeitraum umfasst die wenigsten Arbeiten. "Seerosen", datiert 1889-1901, sind realistischer in Zeichnungsdetails und mehrfarbiger Farbschicht.
• 2. 1901-1913. Ab 1908 widmete Monet den Bildern seines Gartens viel Zeit. Die Werke dieser Zeit sind reich an einer Vielzahl von Themen. Der Künstler schafft zahlreiche Bilder einer "japanischen" Brücke, eines mit Rosen umrankten Bogens und eines Teichs mit Seerosen. In den frühen 1900er Jahren arbeitete er an einer Gruppe von Bildern der Brücke. Insgesamt umfasst der Zyklus 18 auf quadratische Leinwände gemalte Gemälde. Anschließend konzentrierte sich Monet auf das Bild von Seerosen im Teich und fing sie ein andere Zeit Tag und Jahr.

Eine Besonderheit der Gemälde dieser Zeit ist die häufige Zeichnung von Reflexionen auf der Wasseroberfläche, die in seinen späteren Werken praktisch fehlt. „In den gegen Ende des ersten Jahrzehnts des 20 schwieriger zu lokalisieren. Farbe und Valery sind diesen fast immateriellen Formen so nahe, die sich in einem eigentümlichen Gemisch aus Molekülen und Partikeln eines Lichtstrahls aufzulösen drohen" O. Reuterswerd. Claude Monet. M, 1963. - S.136.

3. Die meisten Gemälde des 1914-1926 entstandenen Zyklus „Seerosen“ zeichnen sich durch das Fehlen einer Horizontlinie und allgemeine Veränderungen in Monets figurativer und expressiver Sprache aus, die viele Elemente der abstrakten Kunst übernahm. In den Arbeiten von 1914-1926 verzichtet Monet zunehmend auf perspektivische und realistische Detailausarbeitung zugunsten der Wirkung einer ganzheitlichen, figurativen Wahrnehmung des Bildgegenstandes, gelöst durch einen kontrastierenden Farbfleck.

Nach dem Prinzip der bildlichen Interpretation Raum und Tiefe lassen sich auch die Bilder des Zyklus "Seerosen" in drei Gruppen einteilen.

• 1. Bilder mit ausgeprägter Horizontlinie. Diese Gruppe umfasst fast alle Werke, die vor 1901 entstanden sind, einschließlich aller Bilder der Brücke. Monet schafft komplette Landschaftskompositionen mit Perspektive, einer Horizontlinie und Zeichnungsplänen (im Vordergrund Seerosen und im Hintergrund eine mit Bäumen und Sträuchern bewachsene Küste).
• 2. Die zweite Gruppe umfasst Werke, die durch das Zeichnen von Plänen Tiefe erreichen, aber keine Horizontlinie haben. Diese Art umfasst Gemälde, die hauptsächlich zwischen 1901 und 1914 entstanden sind und die Bewegung des Künstlers hin zu einer abstrakteren dekorativen Organisation der Bildoberfläche der Leinwand darstellen. Der Künstler konzentriert sich auf das Bild der Wasseroberfläche, die mit Blättern von Nymphen übersät ist, und skizziert nur die Horizontlinie. Indem der Künstler die Reflexionen von Objekten auf der Wasseroberfläche bewahrt, scheint der Künstler dem Betrachter die Präsenz einer bestimmten Welt außerhalb des Wassergartens anzudeuten, die darauf abzielt, ein Gefühl von Tiefe und räumlicher Korrelation des Bildraums zu erzeugen.
• 3. Die dritte Gruppe umfasst Spätwerke, die sich durch eine flache, dekorative Lösung, Perspektivlosigkeit, Horizontlinien und Pläne auszeichnen. Werke dieser Art (darunter die gigantischen Leinwände für den Orangerie-Pavillon) spiegeln Monets Suche nach Licht-Schatten-Beziehungen wider, die die Aufmerksamkeit des Künstlers voll und ganz in Anspruch nahmen. Monet schließt alles aus seiner Malerei aus, mit Ausnahme des komplexen Licht- und Schattenspiels, das als Eindruck dient, der Wahrnehmung eines flüchtigen Zustands. Umfeld. Auch die Gemälde der Spätzeit zeichnen sich durch völlige räumliche Belanglosigkeit aus. Monet zeigt weder das Ufer, noch die Brücke, noch die Spiegelung des Ufers im Spiegel des Teiches, geschweige denn die Horizontlinie. Die visuelle Welt des Bildes beschränkt sich auf Seerosen auf der Wasseroberfläche.

Technik. Die Einordnung des Zyklus „Seerosen“ nach der Maltechnik ist sehr bedingt. Alle Werke von Monet, einschließlich der abstrakteren, dekorativen Gemälde, die am Ende seines Lebens gemalt wurden, sind unbestreitbar impressionistische Gemälde. Allerdings ist der technische Unterschied zwischen Früh- und Spätwerk noch immer groß. Betrachtet man die Vielfalt der Gemälde der Serie „Wasserlilien“ bildtechnisch, lassen sich drei Hauptgruppen unterscheiden.

• 1. Traditionelle Landschaftskomposition. Die Werke dieser Gruppe zeichnen sich durch eine realistischere Darstellung aus. Sie zeichnen sich durch das Vorhandensein einer Horizontlinie, eine sorgfältigere Detailzeichnung, klarere Farbübergänge und einen größeren Kontrast im Vergleich zu den Werken der späteren Zeit aus. Dies ist Monets einzigartige und bevorzugte Technik, mit der er sein ganzes Leben lang gearbeitet hat, von der er sich jedoch in der Spätphase seines Schaffens in Richtung einer weniger klaren Zeichnung und dem Versuch zu entfernen begann, nicht das zu vermitteln, was er sah, sondern wie Er sah es. Er versuchte, eine neue Wahrnehmung der sichtbaren Welt in all ihrem Farbenreichtum auszudrücken. Und obwohl die Gemälde der Serie „Wasserlilien“ dieser Kategorie bedingt zuzuordnen sind, ist dies nicht mehr die Technik, die Monet in den 60er und 70er Jahren verwendete, wo die Komposition zu stabilen Vertikalen und Horizontalen tendierte, die er einführte das Zentrum oder bei Vorderkante Leinwände. In den Werken der späteren Zeit ist diese nicht mehr vorhanden, es gibt bereits eine Vorliebe für unruhige, chaotische Formen.
• 2. Spätimpressionismus - eine Gruppe, die die meisten Gemälde der Serie umfasst und präsentiert neue Runde in der Entwicklung von Monets Malerei. "In den Leinwänden mit Seerosen gibt es bereits Vorboten von etwas Neuem, das Monet zuvor nicht inhärent war - eine Art vage und seltsame Empfindungen, die nicht sofort erfasst und vermittelt werden können. Ein vages, wässriges Muster im Bild von Lilien kann leicht sein für den Betrachter, der viele ähnliche Variationen sieht, eintönig erscheinen, aber für Monet stellte diese knauserige, schematische Form die Möglichkeit dar, sich weiter auf das zu konzentrieren, was er als das bedeutendste "O. Reuterswerd. Claude Monet. M, 1963. - S.136. Die Komposition behält dennoch die klaren Umrisse des dargestellten Motivs. Was genau auf der Leinwand dargestellt wird, ist für den Betrachter leicht zu erkennen, doch die Bildvermittlung bewegt sich immer mehr weg von der Konturmalerei hin zu verschwommenen Silhouetten und weichen Farbübergängen.

Die Verweigerung der Detaillierung des Bildes, der Kontur und der Modellierung von Bildvolumen mit Hell-Dunkel wurde durch den Wunsch verursacht, den momentanen Zustand des Lebendigen und Bewegten festzuhalten sichtbare Welt. „Er strengte seine Augen an, um die kleinsten Veränderungen zu bemerken, und verlor oft den Sinn für das Ganze. Monet vernachlässigte die Handlung bis zum Äußersten, gab schließlich die Form auf und versuchte, nur das Wunder der Welt im formlosen Gewebe der zu bewahren feinste Nuancen" D. Rewald. Geschichte des Impressionismus. M: AST, 2009. - S.388. Auf der Suche nach einem „Live-Eindruck“ verbrachte Monet die letzten 37 Jahre seines Lebens.

3. „Abstrakte Malerei“. Während der Zeit der Verschlimmerung des Glaukoms verlor Monet fast sein Augenlicht, schrieb aber weiter. Zu dieser Zeit kommt seine Arbeit der abstrakten, gegenstandslosen Malerei sehr nahe. Die Formen der Objekte lösen sich vollständig in satten Farben auf, der Horizont verschwindet unter dem Druck der Farbeffekte und die gesamte Bildtechnik wird so ungegenständlich, dass es manchmal schwierig wird, zu bestimmen, was genau auf der Leinwand abgebildet ist. Es waren diese während einer Krankheit entstandenen Werke, die den amerikanischen Forscher Alfred Barr the Younger zu dem Schluss führten, dass Monet einer der Begründer der abstrakten Kunst war. Es ist unwahrscheinlich, dass der Meister sich solche Aufgaben für die Füchse gestellt hat, zumal er nach der Wiederherstellung seines Sehvermögens in derselben Weise zu schreiben begann und bis zuletzt im Lager des Impressionismus blieb. Monet experimentierte jedoch mit Technologie und dachte nicht an Kunst außerhalb der Natur. Andererseits ist davon auszugehen, dass sich die Naturwahrnehmung des Künstlers, je näher er dem Sonnenuntergang seiner schöpferischen Laufbahn kam, von realen Objekten der Welt hin zu reinem Licht, das von Objekten der realen Welt reflektiert und durch das Prisma geleitet wurde, verlagerte der Wahrnehmung. innerer Frieden Künstler.

Die Form der Bilder. Bei der Analyse des späteren Werks von Claude Monet kann man einen Faktor wie die Form seiner Leinwände nicht ignorieren. Es ist bekannt, dass für das Landschaftsgenre die erfolgreichste und gebräuchlichste Form ein Rechteck mit horizontaler Ausrichtung ist. Mone arbeitete jedoch auch in anderen Formaten.

• 1. Rechteck mit vertikaler Ausrichtung. Die meisten auf vertikalen Leinwänden gemalten Werke sind in der Anzahl der zusammengesetzten Kompositionen enthalten und keine eigenständigen Werke. Zu dieser Gruppe gehören insbesondere die Gemälde, die Monet für sein Projekt „Nymphäum“ im Staatsauftrag für das Pariser Museum „Orangerie“ geschaffen hat. In anderen Fällen verwendete der Künstler selten vertikal ausgerichtete Leinwände, die für das Landschaftsgenre nicht geeignet waren.
• 2. Rechteck mit horizontaler Leinwandausrichtung. Die meisten Gemälde der Serie haben die Form eines horizontalen Rechtecks, das als das erfolgreichste Format des Landschaftsgenres gilt. Der Künstler arbeitete mit einer horizontalen Leinwand und konnte alle Details des Bildes arrangieren, darunter einen Teich, eine Brücke, Zweige von Trauerweiden, die über dem Wasser hängen, und separat gemalte Seerosen. Einige der Tafeln des Projekts „Nymphäum“ wurden in diesem Format geschrieben.
• 3. Quadrat. Monet verwendete für seine „Japanese Bridge“-Serie quadratische Leinwände, deren Komposition sich gut in dieses Format einfügt: Die Brücke nimmt den zentralen Platz der Gemälde ein. Die Horizontlinie verläuft deutlich unterhalb der Bildmitte und teilt den Raum horizontal in drei Zonen. Den zentralen Platz nimmt die Brücke ein, im oberen Teil befinden sich Baumkronen und im unteren Teil schwimmen Seerosen auf der Wasseroberfläche. Der Rhythmus der Komposition schließt die Reflexion der Baumkronen auf der Wasseroberfläche und verbindet alle Komponenten zu einer einzigen Gesamtkomposition. Das Bild von Seerosen ohne Horizontlinie in diesem Format scheint weniger gelungen. Eingeschlossen in eine quadratische Form sowie in ein Rechteck mit vertikaler Ausrichtung erscheinen die abgebildeten Objekte eher als Fragment des Ganzen denn als eigenständiges Werk.
• 4. Oval. In seltenen Fällen verwendete Monet als Experiment ovale Leinwände, die sich schminken kleinste Gruppe Werke - die seltenste Form dieser Serie. Die auf ovalen Leinwänden präsentierte Handlung ist die gleiche: Es sind Seerosen, gemalt in der Technik des Spätimpressionismus, ohne Horizontlinie und meist in hellen, zarten Farben. Zum Zeitpunkt der Entstehung bezieht sich diese Gemäldegruppe auf die Jahre 1907-1908. Es ist zu erkennen, dass der Künstler versuchsweise versucht hat, seine Lieblingshandlung in die Form eines Ovals einzufassen, aber schnell das Interesse daran verlor.

Farbe. Farbe ist ohne Zweifel das Schlüsselelement von Monets Technik, die einen besonderen künstlerischen Ausdruck erreichte, indem sie mit dem Kontrast zwischen hellen, transparenten und eher matten, pastösen Pinselstrichen spielte und einen lebhaften Farbkontrast aus filigranen Strichen erzeugte, die eine räumliche Illusion erzeugten. Monet war ein Meister der Valerie-Malerei und vermittelte die Variabilität der Farbschattierungen, die Bewegung des Lebens. Dem Künstler gelang es, Objekte in ihrer Beziehung zur Licht- und Luftumgebung darzustellen, wodurch eine besondere Tiefe und Farbfülle, die Feinheit von Farbbeziehungen und -übergängen entsteht. Außerdem hat Monet die Leinwände nie lackiert oder an den Rändern bearbeitet, was viele Werke unvollendet oder „leicht beschädigt“ erscheinen lässt.

Die Gemälde der Serie „Seerosen“ sind vielfältig in ihrer Farbgebung, das ist selbstverständlich, denn es war in erster Linie die momentane Lichtwirkung, die die Farbe der Natur verändert, die den Künstler interessierte. Farbe war sein Hauptziel und seine Obsession. Dank seiner Experimente konnte Monet zeigen, wie schön und vielfältig die Welt bei jedem Wetter und jeder Beleuchtung ist. Eine detaillierte Analyse der Gemälde der Serie „Wasserlilien“ lässt jedoch einige grundlegende Farbkombinationen erkennen.

• 1. Mehrfarbige, helle Skala. Monet nutzt die gesamte Palette, um ein Gefühl für den gegenwärtigen Moment zu vermitteln. Kontrastierende Farbverhältnisse vermitteln die Sättigung natürlicher Farben an einem strahlenden Sonnentag. klar blauer Himmel, Seerosen, die in verschiedenen Farben funkeln, Bäume am Ufer, die Wasseroberfläche, die die Sonnenstrahlen reflektiert. Gierig nimmt der Betrachter die Fülle des Farbschemas auf, das vielfarbige Sonnenlicht, das über die gesamte Oberfläche der Leinwand verstreut ist, und spürt die Stimmung eines warmen, sonnigen Tages.
• 2. Leichte, sanfte, gedämpfte Töne. Die weiche, gedeckte Farbe vermittelt die Zärtlichkeit und Stille des Augenblicks und erzeugt das Gefühl eines leichten Morgennebels. Die Stimmung von Ruhe, Stille und Frieden erfüllt den Betrachter, der vor diesen Werken steht. Der Autor verwendet sanfte Pastellfarben: hellblau, hellrosa, hellviolett. Durchsetzt mit leuchtend roten und gelben Flecken von Seerosen schaffen die notwendigen Akzente, damit weiche Übergänge zwischen den Farben der Palette nicht zu einem ununterscheidbaren sinnlosen Fleck verschmelzen. Gelb im oberen linken Teil der Komposition, die die Reflexion des Herbstlaubs darunter darstellt Sonnenstrahlen, sieht aufgrund der Verbindung und Durchdringung mit der gesamten Farbgebung des Teichs nicht hell aus. Alle Linien sind sehr weich und gehen nahtlos ineinander über, es gibt praktisch keinen Kontrast.
• 3. Dunkle, tiefe Töne. Dunkle, satte Töne vermitteln die Atmosphäre von Dämmerung oder bedecktem Wetter. Die Linien sind klarer, kontrastreicher. Die Striche sind dicker und gesättigter, die Farben heller und tiefer. Das Bild vermittelt das Gefühl der sich vertiefenden Dämmerung und die Pracht der Schönheit der Natur im Abendlicht.