14. listopadu 1840 se narodil jeden z nejslavnějších impresionistů na světě – rozpoznatelný podle barev a tenkých krajin plných vzduchu a světla – Claude Monet. Vůlí osudu se stal umělcem – 100 tisíc franků, které vyhrál v loterii, mu umožnilo opustit práci posla a věnovat se malování. V životě Clauda Moneta však bylo mnoho překvapivých věcí.

Velký impresionista začal karikaturami

Claude Monet se narodil v Paříži, ale po 5 letech se jeho rodina přestěhovala do Le Havre (Normandie), kde měl otec budoucího umělce obchod s potravinami. Rodiče Clauda Moneta byli extrémně lakomí, a proto, aby si vydělal kapesné, začal Monet ve 14 letech kreslit karikatury přátel a místních obyvatel. Kresby, které mladý umělec prodával za 15-20 franků, byly neuvěřitelně populární. Navzdory své vášni pro karikatury se Monet nikdy nezajímal o malování, dokud se nesetkal s Eugenem Boudinem, svým budoucím mentorem, který ho pozval malovat pod širým nebem.

Monet zrodil termín „impresionismus“

Pojem „impresionismus“ se objevil díky Monetově obrazu „Dojem. Vycházející slunce“, která byla vystavena na první velké výstavě impresionistů v ateliéru fotografa Nadara na jaře 1874 a nesla název „Výstava rebelů“. Celkem výstava představila 165 děl od třiceti umělců. Stojí za zmínku, že v té době byly zátiší a krajiny Moneta a jeho spolupracovníků obviňovány z rebelských nálad, nemravnosti a selhání. Pohroma výstavy, málo známý novinář Louis Leroy, ve svém článku v časopise „Le Charivari“ odmítavě nazval umělce „impresionisty“. Z výzvy umělci přijali tento přídomek. Postupem času ztratila svůj původní negativní význam.

To je zajímavé nejlepší práce z impresionismu v malbě považují i ​​obraz Clauda Moneta. A to i přesto, že v době, kdy umělec začal malovat slavné „Lekníny“, už ztrácel zrak.

Většina Monetových obrazů je od stejné ženy.

Pokud se pozorně podíváte na ženy na obrazech Clauda Moneta, určitě tam bude Camille Domcus, jeho oblíbená modelka a manželka. Pózovala pro něj na mnoha plátnech, včetně takových známých jako "Dáma v zeleném", "Ženy v zahradě", "Madame Monet se synem", "Portrét manželky Clauda Moneta na pohovce." Madame Monet porodila umělci dva syny (první dítě ještě před oficiálním sňatkem). Narození druhého dítěte však její zdraví podlomilo a brzy po druhém porodu zemřela. Claude Monet namaloval posmrtný portrét své manželky.

Nejdražší obraz Clauda Moneta

Obraz „Jezírko s lekníny“ nebo, jak se také toto plátno nazývá – „Jezírko s lekníny“, namaloval Monet v roce 1919, je nejdražším obrazem tohoto mistra. V roce 2008 byl tento obraz na aukci Christie v Londýně prodán za báječné peníze - 80 milionů dolarů. Dnes je The Water Lily Pond na devátém místě v žebříčku nejdražších obrazů na světě prodaných v aukci. Není známo, kdo tento obraz koupil a kde se nyní nachází. Soukromí sběratelé, kteří taková díla získávají, zpravidla raději zůstávají v anonymitě.

Claude Monet je v top 3 nejdražších umělců na světě

Claude Monet podle výsledků otevřených aukcí do roku 2013 zaujímá třetí místo v žebříčku nejdražších umělců světa. Celkem bylo v aukci prodáno 208 jeho děl za celkovou částku 1 622,200 mil. USD. Průměrná cena jednoho Monetova obrazu je 7,799 mil. USD. Za nejdražší obrazy Moneta jsou považovány
"Lekníny" (1905) - 43 milionů dolarů
Železniční most v Argenteuil (1873) – 41 milionů dolarů
"Lekníny" (1904) - 36 milionů dolarů
„Most Waterloo. Cloudy "(1904) - 35 milionů $.
Cesta k rybníku (1900) – 32 milionů dolarů
Water Lily Pond (1917) – 24 milionů dolarů
Topoly (1891) - 22 milionů dolarů
„Sněmovny parlamentu. Sunlight in the Fog (1904) – 20 milionů dolarů
Parlament, Západ slunce (1904) – 14 milionů dolarů

Kde jsou dnes uloženy Monetovy obrazy?

Dnes jsou umělcova díla „rozházená“ po celém světě. Největšími zeměmi-vlastníky Monetových obrazů jsou Rusko, USA a Velká Británie. Umělcovy obrazy však můžete najít v mnoha dalších muzeích v Evropě i v zahraničí. Několik obrazů Clauda Moneta je dokonce v muzeích na Novém Zélandu. Významná část umělcových děl patří do soukromých sbírek, proto jsou tyto obrazy pro širokou veřejnost uzavřeny. Jen někdy se jednou získaná díla opět vracejí z rukou sběratelů do muzeí nebo končí na aukcích.

V Rusku v Puškinově muzeu im. TAK JAKO. Pushkin tam jsou takové slavné obrazy jako "Šeřík na slunci" v roce 1873 a "Snídaně v trávě" v roce 1866. Obraz "Parlament, Fog Effect" je v Petrohradě v Ermitáži. Několik děl Clauda Moneta je uloženo v Paříži v Musee d'Orsay. Mnoho děl je také v USA, v Metropolitan Museum of New York, v Nelson-Atkins Museum of Art a také v Muzeu umění, které se nachází ve Philadelphii.V Londýně jsou Monetovy obrazy vystaveny v národní galerie.

Monetova krádež obrazu

Obrazy Clauda Moneta se opakovaně staly předmětem touhy zločinců. Je známo, že zloděj Monetova obrazu „Pláž v Pourville“, který byl vystaven v Polském národním muzeu, se zaměstnancům vysmál tím, že vyřízl slavné mistrovské dílo z rámu a vložil místo něj podřadnou reprodukci. Záměnu jsme zaznamenali 19. září a kdy přesně ke krádeži došlo, zůstalo neznámé. Viníkem se ukázal být 41letý muž, ukradený obraz byl nalezen v jeho domě.

V říjnu 2012 bylo vykradeno Kunstel Museum v Rotterdamu. Bylo ukradeno 7 mistrovských děl, mezi nimiž byl slavný „Waterloo Bridge“ od Clauda Moneta. Tato loupež byla největší za posledních 20 let. v posledních letech. Znalci mají po vyšetřování podezření, že ukradené obrazy mohly být spáleny.

Claude Monet se narodil před 173 lety, jeho obrazy jsou dnes na žebříčku oblíbenosti a své výtvory mu věnují především zapálení a talentovaní příznivci impresionismu. Příkladem toho je Claude Cormier, inspirovaný obrazy Clauda Moneta.

Cyklus Lekníny, kterým se Monet zabýval 37 let, od roku 1889 do roku 1926, zahrnuje více než 250 děl různých kompozic a barev. Sám o sobě lze „Cyklus“ považovat za indikátor tvůrčí evoluce Moneta, který systematicky šel cestou opouštění klasické krajiny směrem k „impresivní malbě“. Monet se opakovaně vracel do své vodní zahrady a plně odhalil koloristické a kompoziční možnosti čisté barevné skvrny. Na konci kreativní kariéru Monet se přiblížil abstrakci jako čisté hře forem a barev, ale tuto hranici nikdy nepřekročil.

Analýza rozmanitosti děl série "Lekníny" nám umožňuje klasifikovat je podle pěti hlavních kritérií: čas vytvoření, prostor a hloubka, technika psaní, formát práce a barevné schéma.

Podle doby stvoření obrazy cyklu "Vody" lze rozdělit do tří období:

• 1. 1889-1901 - léta vzniku zahrady v Giverny a práce na dalších sériích obrazů. Toto období pokrývá nejméně prací. "Lekníny", datované 1889-1901, jsou realističtější v kresbě detailů a vícebarevné nátěrové vrstvě.
• 2. 1901-1913. Počínaje rokem 1908 se Monet začal hodně věnovat obrázkům své zahrady. Díla tohoto období jsou bohatá na nejrůznější témata. Umělec vytváří četné obrazy „japonského“ mostu, oblouku propleteného růžemi a jezírka s lekníny. Na počátku 20. století pracoval na skupině snímků mostu. Celkem cyklus zahrnuje 18 obrazů malovaných na čtvercová plátna. Následně se Monet zaměřil na obraz leknínů v jezírku a zachytil je jiný čas den a rok.

Výrazným rysem obrazů tohoto období je častá kresba odrazů na hladině vody, která v jeho pozdějších dílech prakticky chybí. „Na malbách, napsaných ke konci prvního desetiletí dvacátého století, je zobrazené téma jakoby zahaleno houstnoucím oparem, obrysy se stávají nejasnějšími, proudy světla mizí a jsou stále méně hmatatelné, více a obtížnější lokalizovat. Barva a valery jsou tak blízké těmto téměř nehmotným formám, které hrozí rozpuštěním ve zvláštní směsi skládající se z molekul a částic světelného paprsku“ O. Reuterswerd. Claude Monet. M, 1963. - str. 136.

3. Většina obrazů cyklu „Lekníny“ napsaného v letech 1914-1926 se vyznačuje absencí horizontu a celkovými změnami v Monetově figurativním a expresivním jazyce, který přejal mnoho prvků abstraktního umění. Monet v dílech z let 1914-1926 stále více odmítá perspektivu a realistické propracování detailů ve prospěch efektu celistvého, figurativního vnímání obrazového objektu, řešeného pomocí kontrastní barevné skvrny.

Podle zásady obrazového výkladu prostoru a hloubky lze obrazy cyklu „leknín“ rozdělit také do tří skupin.

• 1. Obrázky s výraznou linií horizontu. Tato skupina zahrnuje téměř všechna díla vytvořená před rokem 1901, včetně všech vyobrazení mostu. Monet vytváří ucelené krajinné kompozice s perspektivou, linií horizontu a kresebnými plány (v popředí lekníny a v pozadí pobřeží porostlé stromy a keři).
• 2. Do druhé skupiny patří díla, která mají hloubku dosaženou kreslením plánů, ale nemají horizont. Tento typ zahrnuje obrazy vzniklé především v letech 1901 - 1914 a představující umělcovo směřování k abstraktnější dekorativní organizaci obrazové plochy plátna. Umělec se zaměřuje na obraz hladiny vody poseté listy nymf a pouze načrtává linii horizontu. Zachováním odrazů objektů na vodní hladině jakoby umělec divákovi naznačoval přítomnost určitého světa mimo vodní zahradu, který vytváří pocit hloubky a prostorové korelace obrazového prostoru.
• 3. Do třetí skupiny patří pozdní práce, které se vyznačují plochým, dekorativním řešením, chybějící perspektivou, horizontovými liniemi a plány. Díla tohoto typu (včetně gigantických pláten vytvořených pro pavilon Orangerie) odrážejí Monetovo hledání vztahů mezi světlem a stínem, které zcela zaujalo umělcovu pozornost. Monet ze své malby vylučuje vše, s výjimkou složité hry světla a stínu, které slouží jako imprese, vnímání pomíjivého stavu. životní prostředí. Obrazy pozdního období se také vyznačují naprostou prostorovou irelevantností. Monet neukazuje ani břeh, ani most, ani odraz břehu v zrcadle rybníka, tím méně linii horizontu. Vizuální svět obrazu je omezen na lekníny na vodní hladině.

Technika. Klasifikace cyklu "Lekníny" podle techniky malby je velmi podmíněná. Všechna Monetova díla, včetně abstraktnějších, dekorativních obrazů namalovaných na konci jeho života, jsou nesporně impresionistické obrazy. Rozdíl v technice mezi ranými a pozdními díly je však stále velký. Při analýze rozmanitosti obrazů v sérii "Lekníny" z hlediska obrazové techniky lze rozlišit tři hlavní skupiny.

• 1. Tradiční krajinná kompozice. Díla této skupiny se vyznačují realističtějším podáním. Vyznačují se přítomností horizontu, pečlivější kresbou detailů, jasnějšími barevnými přechody a větším kontrastem ve srovnání s díly pozdějšího období. Jde o Monetovu unikátní a oblíbenou techniku, ve které pracoval celý život, ale od které se v pozdním období své tvorby začal odcházet směrem k méně zřetelné kresbě a snaze sdělit ne to, co viděl, ale jak viděl to. Snažil se vyjádřit nové vnímání viditelného světa v celé jeho barevné bohatosti. A ačkoli obrazy ze série „Lekníny“ lze podmíněně přiřadit do této kategorie, již to není technika, kterou Monet používal v 60. a 70. letech, kdy kompozice tíhla ke stabilním vertikálám a horizontálám, které zavedl do ve středu nebo na Přední okraj plátna. V dílech pozdějšího období to již není, je zde již záliba v neklidných, chaotických formách.
• 2. Pozdní impresionismus - skupina, která zastřešuje většinu obrazů v sérii a prezentuje nové kolo ve vývoji Monetova malířství. "Na plátnech s lekníny jsou již předzvěsti něčeho nového, co Monetovi dříve nebylo vlastní - jakési nejasné a zvláštní vjemy, které nelze okamžitě zachytit a přenést. Nejasný, vodnatý vzor na obrázku lilií může snadno pro diváka, který vidí mnoho podobných variací, se zdají monotónní. Ale pro Moneta tato skoupá, schematická forma představovala možnost dalšího zaměření na to, co považoval za nejvýznamnější „O. Reuterswerd. Claude Monet. M, 1963. - str. 136. Kompozice si stále zachovává jasné obrysy zobrazovaného předmětu. Divák snadno určí, co přesně je na plátně zobrazeno, ale způsob podání obrazu se stále více vzdaluje od obrysové malby směrem k neostrým siluetám a jemným barevným přechodům.

Odmítání detailů obrazu, kontury a modelování obrazových objemů šerosvitem bylo způsobeno touhou zachytit momentální stav živého a pohybujícího se viditelný svět. "Namáhal své oči, aby si všiml sebemenších změn, často ztrácel smysl pro celek. Monet zanedbávání děje dovedl do extrému, nakonec opustil formu a pokusil se zachovat pouze div světa v beztvaré látce nejjemnější nuance“ D. Rewald. Historie impresionismu. M: AST, 2009. - s.388. Ve snaze o „živý dojem“ strávil Monet posledních 37 let svého života.

3. "Abstraktní malba". Během období exacerbace glaukomu Monet téměř ztratil zrak, ale pokračoval v psaní. V této době se jeho tvorba velmi přibližuje abstraktní, neobjektivní malbě. Tvary objektů se zcela rozplývají ve svěžích barvách, horizont mizí pod tlakem barevných efektů a obrazová technika jako celek se stává natolik nefigurativní, že je někdy obtížné určit, co přesně je na plátně zobrazeno. Právě tato díla, napsaná během nemoci, vedla amerického badatele Alfreda Barra mladšího k závěru, že Monet byl jedním ze zakladatelů abstraktního umění. Je nepravděpodobné, že by si mistr stanovil takové úkoly pro lišky, zejména proto, že po obnovení zraku začal psát stejným způsobem a zůstal až do konce v táboře impresionismu. Při experimentování s technologií však Monet nemyslel na umění mimo přírodu. Na druhou stranu lze předpokládat, že čím více se umělec blížil západu své tvůrčí kariéry, tím více se jeho vnímání přírody posouvalo od skutečných objektů světa k čistému světlu odráženému od objektů reálného světa a procházejícím hranolem. vnímání. vnitřní mír umělec.

Forma obrázků. Při analýze pozdějšího díla Clauda Moneta nelze ignorovat takový faktor, jako je forma jeho pláten. Je známo, že pro krajinný žánr je nejúspěšnější a nejběžnější formou obdélník s horizontální orientací. Moneworked však i v jiných formátech.

• 1. Obdélník s vertikální orientací. Většina děl malovaných na vertikálních plátnech je zahrnuta do počtu kompozitních kompozic a nejde o samostatná díla. Do této skupiny patří zejména obrazy, které Monet vytvořil pro svůj projekt „Nymphaeum“ v rámci státní zakázky pro pařížské muzeum „Orangerie“. V jiných případech umělec zřídka používal vertikálně orientovaná plátna, která se nehodila pro krajinný žánr.
• 2. Obdélník s horizontální orientací plátna. Většina obrazů v sérii má tvar vodorovného obdélníku, který je považován za nejúspěšnější formát krajinářského žánru. Při práci s horizontálním plátnem umělce dokázal uspořádat všechny detaily obrazu, včetně jezírka, mostu, větví smutečních vrb visících nad vodou a samostatně malovaných leknínů. Některé z panelů projektu „Nymphaeum“ byly napsány v tomto formátu.
• 3. Čtverec. Monet pro svou sérii "Japonský most" použil čtvercová plátna, která do tohoto formátu svou kompozicí dobře zapadají. Most zaujímá centrální místo maleb. Horizontální linie jasně vede těsně pod středem plátna a horizontálně rozděluje prostor na tři zóny. Centrální místo zaujímá most, v horní části jsou koruny stromů a ve spodní části plavou na vodní hladině lekníny. Rytmus kompozice uzavírá odraz korun stromů na vodní hladině a spojuje všechny složky do jediné celistvé kompozice. Snímek leknínů bez horizontu se v tomto formátu jeví jako méně zdařilý. Uzavřené do čtvercového tvaru i do obdélníku s vertikální orientací působí zobrazené objekty spíše jako fragment celku než jako samostatné dílo.
• 4. Oválný. Ve vzácných případech Monet jako experiment použil oválná plátna, která tvoří nejmenší skupina díla - nejvzácnější forma této série. Děj prezentovaný na plátnech oválného tvaru je stejný: jedná se o lekníny, malované technikou pozdního impresionismu, bez horizontu a většinou ve světlých jemných barvách. V době vzniku se tato skupina obrazů vztahuje k letům 1907-1908. Je vidět, že se umělec pokusil jako experiment uzavřít svůj oblíbený pozemek do tvaru oválu, ale rychle o to ztratil zájem.

Barva. Barva je bezesporu klíčovým prvkem Monetovy techniky, která dosáhla zvláštního uměleckého výrazu hrou na kontrast mezi světlými, průhlednými a matnějšími pastovitými tahy štětce, vytvářející živý barevný kontrast filigránských tahů, které vytvářejí prostorovou iluzi. Monet byl mistrem valerie malby, zprostředkovávající proměnlivost odstínů barev, pohyb života. Umělec dokázal zobrazit předměty v jejich vztahu se světelným a vzdušným prostředím, což vytváří zvláštní hloubku a bohatost barev, jemnost barevných vztahů a přechodů. Monet navíc plátna nikdy nelakoval ani neopracovával okraje, díky čemuž mnohá díla vypadají nedodělaně nebo „lehce poškozená“.

Obrazy ze série "Lekníny" jsou rozmanité ve svých barevných schématech, to je přirozené, protože umělce zaujal především momentální efekt osvětlení, který mění barvu přírody. Barva byla jeho hlavním cílem a jeho posedlostí. Monet mohl díky svým experimentům ukázat, jak krásný a rozmanitý je svět za každého počasí a jakéhokoli osvětlení. Podrobná analýza obrazů ze série "Lekníny" nám však umožňuje identifikovat několik základních barevných kombinací.

• 1. Vícebarevná, světlá stupnice. Monet používá celou paletu, aby zprostředkoval pocit přítomného okamžiku. Kontrastní barevné vztahy vyjadřují sytost přirozených barev za jasného slunečného dne. Průhledná modrá obloha, lekníny jiskřící v různých barvách, stromy na břehu, vodní hladina odrážející sluneční záři. Divák chtivě vstřebává bohatost barevného schématu, pestrobarevnou sluneční záři rozptýlenou po celé ploše plátna, cítí náladu teplého slunečného dne.
• 2. Světlé, jemné, tlumené tóny. Jemná, tlumená barva vyjadřuje něhu a ticho okamžiku a vytváří pocit lehkého ranního oparu. Nálada klidu, ticha a míru naplňuje diváka stojícího před těmito díly. Autorka používá něžné pastelové barvy: světle modrá, světle růžová, světle fialová. Prokládané jasně červenými a žlutými skvrnami leknínů vytvářejí potřebné akcenty, takže jemné přechody mezi barvami palety nesplývají v nerozeznatelnou nesmyslnou skvrnu. Žlutá v levé horní části kompozice zobrazující odraz podzimního listí pod sluneční paprsky, nepůsobí zářivě díky propojení a prolínání s celkovým barevným řešením jezírka. Všechny linie jsou velmi jemné a plynule přecházejí z jedné do druhé, prakticky neexistuje žádný kontrast.
• 3. Tmavé, hluboké tóny. Tmavé syté tóny zprostředkovávají atmosféru soumraku nebo zataženého počasí. Linie jsou jasnější, kontrastnější. Tahy jsou silnější a sytější, barvy jsou jasnější a hlubší. Obraz zprostředkovává pocit prohlubujícího se soumraku a velkolepost krásy přírody ve večerním světle.